Blog exclusivo del Proyecto Experimental de Comunicación y Difusión on line DELTA 80 a través del cual se publicará todo lo relacionado al Top Ten semanal, Ranking Mensual, Ranking Anual y entrevistas. A su vez contiene el archivo completo de publicaciones de Delta 80 desde su origen hasta el 30 de agosto de 2021.
(Por Fabián Solari - Fotos: Vero Rodríguez) Noche algo fresca en las calles del barrio de Abasto porque adentro de El Emergente el calor de la música y del ambiente generaban un clima que se prestó para disfrutar de música y arte. La música y la fotografía, ambas con temática de rock hicieron de las suyas en el ciclo Foto Rock que se realiza consecutivamente desde el 2010. En esta oportunidad las salas estuvieron dispuestas para exposición de fotografía rockera en la más iluminada y acogedora donde realizó el acústico DimiSet y la amplia con mayor espacio y la barra tan necesaria del rock.
Las bandas sonaron ajustadas destacándose Inframince y The Danny de Vittos. En relación a las fotografías cabe destacar que todas han sido de gran calidad, cada una en su estilo pero un peldaño más arriba colocaríamos a Ariel Flomenbaum por los ángulos y el brillo que busca en cada toma y a Agostina Leszczynski por el concepto, la intimidad y la conexión del artista, respectivamente.
(Luis Digiano) En su regreso a Argentina, la banda británica se presentó en la noche del martes en el porteño estadio de Vélez Sarsfield. En el marco de su extensa gira "The Book of Souls", contó con un público fiel que los vivó desde el primer momento del show.
En casi dos horas de duración, la "Doncella..." hizo gala de todo su esplendor con composiciones no sólo de su nueva placa, con una clara ambientación en la escena sobre la cultura maya, sino que además le regaló a su gente los clásicos que habían venido a escuchar.
Cerca de 40 mil personas poblaron el estadio de Liniers y la noche se vistió con el color negro de las remeras con la figura del infaltable Eddie Hunter, que se hizo presente en la cita.
Con la personalidad y la predisposición en escena de su vocalista Bruce Dickinson, los Maiden fueron mixturando las composiciones nuevas con las de siempre, con una acertada mezcla de sonido, y combinaciones de rock y heavy metal con climas más pausados.
Por ese motivo y luego de una sabia introducción que anunciaba la llegada del momento crucial, los acordes de "If eternity should fail" con que abre la flamante placa doble, fue armando la ceremonia metalera, a la que luego le sucedieron otras composiciones nuevas de la talla de "Speed of light", "Tears of a clown" y "The red and the black".
Junto a la buena voz de Dickinson, que a veces tuvo que sortear algunos problemas de sonido correctamente sobrellevados, los experimentados guitarristas Dave Murray, Adrian Smith y Janik Gears se turnaban con los riffs y los solos, mostrando cada uno su sapiencia con el instrumento.
Tampoco se quedaron atrás el bajista Steve Harris, quien puso lo suyo desde la base, por momentos casi como una cuarta guitarra y la batería del sabio Nicko McBrain, mostró su don de buen y efectivo músico.
Pero claro, a esta altura comenzaron a llegar los clásicos, vivados por los cuatro costados de la cancha, con gritos del "Maiden, Maiden, Maiden" que bajaban desde las plateas, pasando por las populares, hasta llegar a un superpoblado campo.
"Children of the Damned", los vivados y coreados "The Tropper" y "Powerslave", "Hallowed be thy name", "Iron Maiden" y "Fear ot the dark", para sin tregua darle paso a otras canciones nuevas como "Death or glory" y "The Book of Souls", título del CD doble.
Más allá de los agradecimientos a Argentina por parte de Dickinson, el vocalista, quien mantiene sus dotes de respetado cantante con el paso de los años, también se dirigió al público para contarle de la hermandad del pueblo británico con Argentina, más allá de algunas diferencias del pasado y, como es su costumbre, comentó que Maiden no puede hacer una gira sin tocar en Argentina".
Y ya en el final, con los bises surcando el aire, llegó "The number of the beast" (clásicos de clásicos de la banda), "Blood brothers" y "Wasted years", para el final de fiesta con la Doncella de Hierro.
Maiden pasó nuevamente por Argentina y demostró una vez más su vigencia, su fervor, sus dotes de buenos músicos y por sobre todo que una banda con 40 años de trayectoria tiene la misma frescura y profesionalismo del principio.
Previamente, y como para ir calentando el ambiente rockero y metalero a su vez, estuvo en escena bien temprano la banda The Rave Age, que lidera George Harris -hijo del bajista de Maiden, Steve Harris- con un rock experimental muy interesante.
Y otro de los platos fuertes de la velada, la banda de thrash metal por excelencia, Anthrax, quienes liderados por su vocalista Joey Belladonna y el violero Scott Ian, se dieron el lujo de estrenar algunas composiciones de su nuevo álbum "For all kings" -aún no editado en Argentina- y una seguidilla de clásicos para la aprobación de sus fieles seguidores del estilo de "Antisocial", "Medusa", "Indians" y "I was there".
En el marco del "Big Love Tour 2016", la banda de pop, soul y rock británica Simply Red encabezada por su fundador y alma mater, el rubicundo Mick Hucknall, se presentó con puntualidad suiza ante un estadio Luna Park con pocos claros.
Un cronológicamente ecléctico auditorio resultó testigo el sábado por la noche de un repaso por la exitosa discografía del conjunto inglés apenas mezclada con un par de temas de reciente composición, "Big Love", lanzada para celebrar las tres décadas de la agrupación junto a la música. Con 55 años bien llevados e intentando con relativa fortuna camuflar algunos rebeldes hidratos de carbono alojados en su abdomen mediante una estrecha camisa negra que parecía pedir clemencia, Hucknall desplegó su histrionismo acompañado por una banda que sonó perfectamente cohesionada. Además de su carismático líder, el grupo originario de Manchester estuvo integrado por Ian Kirkham (saxofón), Dave Clayton (teclados), Steve Lewinson (bajo), el excéntrico Kenju Suzuki (guitarra), Kevin Robinson (percusión y coros) y Pete Lewinson (tambores). Con una voz impecable que parece querer desmentir el inexorable paso del tiempo y que le permite llegar sin sobresaltos a los agudos, el "Colorado" después del segundo tema le pidió de manera poco académica al público que le perdonaran su pésimo manejo del idioma castellano. "Mi español es un mierda" lanzó, en una frase muy festejada por la concurrencia. Quien en su momento se jactó de acostarse con 3.000 mujeres en la época de esplendor de la agrupación, demostró junto a sus compañeros que no en vano Simply Red vendió más de 60 millones de placas en tres décadas de actividad, desde la publicación de "Picture Book" en 1985. Tras retirarse en 2010 la banda sintió deseos de volver al ruedo en 2015 y ahora se presentará en San Pablo y Río de Janeiro continuando con su extenso derrotero, después de su actuación en el Luna Park. Luego de una hora y media exacta los siete integrantes se despidieron con el emblemático "If you don´t know me by", mientras Hucknall desenfundaba su celular para grabar imágenes de un público que le terminó rindiendo pleitesía. Desafiando el calendario Simply Red brindó un show apto únicamente para aquellos que no reniegan de poseer un gusto musical un tanto edulcorado. El aplauso cerrado de un jubiloso Luna Park dio cuenta de la satisfacción que generó en los presentes revivir la mayoría de los éxitos que engalanaron el prolífico repertorio de una banda que recorre con hidalguía y oficio viejos hits que se ven obligados a ejecutar en cada presentación. De todos modos, al borde de convertirse en sexagenarios, las exigencias de sus fans no son muy desmedidas.
(Por Germán Arrascaeta) Los británicos brindaron un contundente concierto en Córdoba, ante una multitud que desde temprano se apropió del estadio cordobés. Crónica de una noche histórica e imperdible galería de fotos.
Ayer se les heló la sangre, pero hoy les hirvió. Así puede describirse el ritmo de los músculos cardíacos de los fans de Iron Maiden, quienes pasaron de la incertidumbre tras ver en sus teléfonos celulares al avión Ed Force One seriamente dañado y varado en Chile, al éxtasis por disfrutar de un concierto histórico como el que ofreció en el Estadio Mario Alberto Kempes, ante unas 20 mil personas.
Es que no fue sencillo poner en escena a este emblema del heavy metal tras el sonado incidente aeroportuario. Si bien el personal tomó la alternativa lógica de un vuelo regular, todo el equipamiento que traía el Boeing 747 tuvo que transportarse por tierra, lo que demoró los tiempos de puesta a punto. Pero a decir verdad, poco se notó con Maiden escena, que tuvo a Bruce Dickinson (voz), Steve Harris (bajo), Adrian Smith (guitarra), Dave Murray (guitarra), Janick Gers (guitarra) y Nico McBrain (batería) con una actitud muy consustanciada, como si quisieran probar que pueden reponerse ante cualquier adversidad. O que nada puede parar al género-cultura del que son emblema.
El show comenzó con puntualidad británica a las 21 y tras el clásico “¡¡¡Scream for me!!!” de Dickinson, sólo que en lugar de estar acompañado por en nombre de cualquier capital del mundo, ese grito estuvo seguido de ¡¡¡Córdoba!!! En rigor, dos minutos antes, los parlantes preanunciaron todo con el tema Doctor Doctor, de los también británicos UFO.
El comienzo fue con If eternity should fail y Speed of light, también temas de la apertura de "The book of souls", el disco que vinieron a presentar y que transitaron sin concesiones. Otros temas de esa obra fueron The red and the black, Death or glory, Tears of clown y el mismo The book of souls, que tuvo a Eddie, la mascota de Maiden, ataviado con motivos mayas. Y al que Dickinson le arrancó el corazón.
Obvio, los clásicos de los ‘80, la era dorada de Maiden, provocaron los mayores sacudones. Arrancaron lágrimas, incluso. Momentos así se vivieron con Children of the damned, Powerslave (con Dickinson enmascarado como el luchador mejicano Blue Demon), Hallowed be thy name y The trooper, con el vocalista flameando la bandera del Reino Unido, gesto que siempre cae antipático por Argentina y que no fue la excepción en este histórico debut cordobés. Los silbidos y la reacción "¡Argentina, Argentina! quedaron tapados por el sonido atronador; así, quedó flotando la sensación de "aquí no ha pasado nada". Iron Maiden (el tema de aquel primer disco de 1980), The number of the beast y el monumental Wasted years (estos dos últimos llegaron como bises), redondearon la batería de himnos.
La lista dejó lugar para temas en el medio de ese ayer glorioso y este presente respetable: Fear of the dark (1992) y Blood brothers (2000), cuyos primeros acordes sonaron sobre la ovación que despertó la frase de Dickinson cuando dijo que “Iron Maiden forma una familia con los fans de todo el mundo, sin distinciones”. Otro de los grandes textuales de Dickinson en la noche se dio con The book of souls, cuando destacó los misterios en torno a la cultura maya y fustigó el modo en que se manifiestan los "imperios" contemporáneos.
¿El sonido? Fuerte y claro, como debe ser. ¿La puesta? Apoteótica, con motivos conceptuales de pantalla gigante para cada tema, que se fueron corriendo a modo de telones gigantescos. ¿Ellos? Tremendos. Harris conmovió al ametrallar con su Fender Precision y Dickinson materializó una vez más el milagro de conciliar prueba de atletismo y perfomance vocal insuperable. Los guitarristas, excelsos: se alternaron sus respectivos protagonismos e imprimieron fulgor sinfónico al asunto. Por supuesto, rockearon muy duro cuando los temas entraron en la fase "cabalgata", tan característica en las composiciones de Maiden. ¿El público? Más estupefacto que desbordado de pasión, con mayoría de la siempre leal feligresía heavy y minoría de amantes de la música conscientes de que la cita era ineludible.
Pero no todo se basó en Maiden desde la tarde, ya que la oferta tuvo a los locales Pésame a la altura de las circunstancias (a pesar de que los mandaron al muere con el sonido) y a los thrashers neoyorquinos de Anthrax agitando su propio mito con Caught in a mosh y Antisocial, mediante un set de 40 minutos. El guitarrista Scott Ian recordó que era la segunda vez de su banda en Córdoba (la primera había sido en Cosquín Rock) y puso al tanto a la multitud de la edición del más reciente For all kings, del que tocaron Breathing lightning.
En el medio, actuó The Raven Age, la banda entre alternativa y nü metal de George Harris, hijo del jefe Steve, quien anoche llegó a los 60 y lo festejó en el Kempes con 20 mil metaleros argentinos. Fue un feliz cumpleaños para todos.
(Sylvie Piccolotto by Rock City) NIÑOS DEL PARQUE es una banda de space rock formada en 2012 establecida en la Ciudad de Buenos Aires. En una búsqueda sonora constante, desde sus comienzos empezaron a trabajar con procesadores sonoros logrando así su sonido característico.
Integrado por Tomas Ballester (voz, guitarra y sintetizadores), Gonzalo Egurza (guitarra y sintetizadores), Victoria Druetta (bajo), Francisco Saggese (batería) y Pupi Gonzales (sintetizadores y modulaciones) en 2013, con dos pequeños demos empiezan a trabajar en su primer LP "Un punto azul pálido" programado para editarse en 2015. En una co-producción con Estanislao Lopez comienza la extensa búsqueda de la sonoridad que luego seria plasmada en diferentes estudios de Buenos Aires y masterizado por Sr. Warrior en Puro Mastering. Su sonido en vivo se caracteriza por sus guitarras rabiosas y el uso de sintetizadores analógicos, donde la presión sonora de las fuertes bases rítmicas juega un papel muy importante.
En lo que respecta a su gran debut editado por Casa del Puente crearon estas once canciones que están cerca y lejos de muchas maneras. El sonido espacial y explosivo nos remiten a las colisiones del universo,a sus momentos calmos y de transición, pero a su vez nos acerca como humanos a lo cotidiano. No es raro encontrarse con el tema de la mortalidad, “Sabios salvajes” es un tema lento pero altamente contemplativo donde la letra parece recordarnos que estamos aquí de una manera tanto efímera como eterna. Mientras tanto, canciones como “Muscillo", nos devuelven en letra y en sonido la vitalidad y cotidianeidad del día a día. Es todo un viaje, canciones alegres y potentes como “Santilli” o “Cosas” contrastan con temas como “Pedaleando” o “Crónica” pero en conjunto definen el ritmo del disco.
En el soundcloud de la banda se puede escuchar y descargar a los primeros dos cortes del disco:
La agencia Rock City a través de Sylvie Piccolotto nos pone en conocimiento de la información que compartimos tal cual nos llegó.
Asalto Al Parque Zoológico
También conocidos como APZOO, es una banda de shoegaze, dreampop y noise formada en el año 2008. Sus influencias musicales nos llevan a bandas inglesas de finales de los ‘80s y principios de los ‘90s como Slowdive, Ride, Lush, Telescopes y, sobre todo los legendarios My Bloody Valentine. Aquella vieja ecuación de los ‘90s "guitarras + samplers", traída al presente y pasada por una licuadora de psicodelia a todo volumen. https://asaltoalparquezoologico.bandcamp.com/
La Suma de Todos los Tiempos
Cuatro chicos de Parque Patricios haciendo kraut rock o dicho de otra forma, "la causante de la presión que tiende a acelerar la expansión del universo bajando esa teoría de la física resulta un concepto irresistible, la energía cuya densidad constante que llena el espacio en forma homogénea". Con dos discos editados: su debut homónimo de 2012 y el sucesor "Grandes Distancias", en 2015 bajo el sello Discos Dojo. Noise-pop que retratan lugares tan oscuros como el fondo del mar o las grandes distancias de espacio y tiempo que puede haber entre dos (o más) personas. Letras cortas para la expansión del universo más noise posible. https://lasumadetodoslostiempos.bandcamp.com/
Fat Dojo
El trio de surf, post punk y rock bagallo experimental, es un combo explosivo del rock. Su música suena como un encuentro mágico entre Flaming Lips e Iggy Pop. http://fatdojo.bandcamp.com/
Julián Bonino es el responsable del sonido en esta puesta que agudiza el sentido auditivo.
(Cristian Vitale) Desde The dark side of the moon de Pink Floyd hasta el Album negro de Metallica, son más de cincuenta discos que pueden ser apreciados por el público desde una perspectiva diferente: en total oscuridad, con un sonido circular y envolvente.
De entrada, mañana, dos discos impresionantes: "Rattle That Lock", el último de David Gilmour y el Black Album, de Metallica. Después vendrán otros de similar calibre estético y/o histórico: "Fragile", de Yes; "Dark side of the moon", de Pink Floyd; "The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars", de David Bowie; "Machine head", de Deep Purple, y "Brothers in Arms", de Dire Straits. Un puñado entre los más de cincuenta que, durante este mes, le pondrán esencia, sustancia y objeto al Laboratorio de Experimentación Sonora del Teatro Ciego (LAB) que para este año tiene entre oídos un programa llamado “Sonido 360”. “El espectáculo tiene que ver con dar la posibilidad al público de escuchar música en total oscuridad, sin interferencias externas, y con el agregado de que son versiones de discos mezclados en formatos surround, editados en Europa y EE.UU.”, introduce Julián Bonino, responsable del sonido, y por supuesto, no se queda en la introducción. “Uno habitualmente asocia los sistemas 5.1 al cine, y nos dimos cuenta de que también hubo un desarrollo muy fuerte a partir del año 2000 de esos mismos formatos aplicados a la música. Es un cine para tus oídos, digamos”, extiende el hombre. Sonido 360, cuyo nombre refiere al hecho de identificar las fuentes sonoras a través del espacio –no solo de manera frontal, sino también circular y envolvente– se llevará a cabo casi todos los días de marzo a partir de las 19 o de las 20 (consultar programación y horarios en www.teatrociego.org) en el Centro Argentino de Teatro Ciego ubicado en Zelaya 3006. “Tenemos mucha variedad de discos y artistas –sostiene Bonino– pero si tuviera que destacar cuatro serían: The Beatles Love, porque fue la primera intervención de la banda en 5.1 utilizado para la banda de sonido de Cirque du Soleil. Metallica black album, por la posibilidad de encontrar nuevos contenidos en un disco que uno se sabe de memoria; Amused to Death, de Roger Waters, por ser el reciente ganador del Grammy a la mejor mix surround y el de Queen A night at the opera, por la utilización del sistema surround como espacio para la ubicación de los diferentes instrumentos y coros”, sugiere el sonidista.
–¿De qué manera se podría profundizar en la caracterización y puesta del Laboratorio de Experimentación Sonora? –El laboratorio de sonido surge como una necesidad de tener un espacio de desarrollo de contenidos exclusivos para Teatro Ciego. Luego de la experiencia de El barrio en sus puños, la obra que realizamos en conjunto con Pastillas del Abuelo sobre la vida de Ringo Bonavena, nos dimos cuenta de la importancia del tratamiento del audio, y consideramos fundamental generar un lugar de experimentación e imaginación para brindar a cada espectáculo un diseño sonoro de calidad, que se ajuste a las necesidades del formato teatro ciego. –¿Es a la imaginación a lo “único” que se apunta con la propuesta, o hay otros blancos? –Todo está en la imaginación. La propuesta es interesante desde el momento en que cada individuo puede elegir dónde dirigir su oído en determinado pasaje musical y es ahí donde encuentran cosas que antes, en el estéreo convencional, pasaban inadvertidas quizás por la limitación técnica de la reproducción en solo dos canales. Estamos trabajando una tecnología novedosa para la aplicación de esta misma experiencia pero solo con auriculares que iremos desarrollando próximamente. –Más envolvente todavía... –(Risas) A ver... más allá de lo envolvente, que es fundamental para generar la condición natural del oído de percibir fuentes en diferentes posiciones, diría que la oscuridad en este caso es el factor que permite agudizar el sentido auditivo. Por otra parte, también la capacidad limitada de la sala intenta revalorizar la música como arte. Darse el tiempo para poder apreciar una obra como un disfrute, y no como un pasatiempo.
Bonino asegura que no conoce ningún lugar en el país donde se haya llevado a cabo una experiencia así, y tampoco puede identificar salas en el extranjero “que lo hagan como el teatro ciego”. “Esto al Laboratorio le abre un espectro enorme de posibilidades ya que estamos generando nuevos contenidos con reconocidos artistas nacionales y latinoamericanos, que por razones de mercado y técnicas no han entrado en este mundo de reproducción multicanal de su música, pero sí lo consideran interesante desde el punto de vista de proceso creativo, ya que este formato les brinda la posibilidad de tener mucho más espacio para la ubicación de instrumentos y mensajes sonoros”, manifiesta el ingegnere de sonido a quien Martín Bondone, director del Teatro Ciego, le abrió las puertas para activar la puesta.
–¿Qué diferencias existen con el sonido holofónico que se presentó el año pasado en la misma sala, con varios discos parecidos y bajo la misma “oscuridad”? –Tanto el Laboratorio de Experimentación Sonora como Sonido 360 no tienen nada que ver con la holofonía. Es otro concepto, en nuestro caso generamos el sonido envolvente mediante seis parlantes ubicados estratégicamente en la sala para lograr el panorama envolvente. De acuerdo a las dimensiones de la sala, podemos agregar más altavoces de acuerdo a la disposición surround aplicado al mensaje musical. En cambio, la holofonía utiliza solo dos parlantes que fueron diseñados especialmente para generar nuevas sensaciones auditivas.
La agencia Rock City a través de Sylvie Piccolotto nos pone en conocimiento de la información que compartimos tal cual nos llegó.
Ezequiel Levinton y Germán Simcovich comenzaron a gestar Satélites en el año 2011, al cual tres años más tarde se sumaron Federico Scorzo y Marco Cancian. Con esta formación empezaron a presentarse en vivo en lugares conocidos de la escena porteña, como Makena Club, La Cigale y Roxy Live, a la vez entraron al estudio a grabar su primer álbum, llamado “En tu propia ley”, lanzado en 2015. Ese mismo año, se embarcaron en una gira por la costa atlántica yendo a Mar del Plata, Villa Gesell y Pinamar. “En tu propia ley” además de ser el primer álbum de estudio de Satélites, es la filosofía de la banda; representa la forma de ver la vida, una actitud frente a los momentos. Ser uno mismo, el espíritu en libertad.
La banda presenta un disco dominado por un sonido cercano al rock pop, con riffs sobresalientes, participaciones especiales y una voz familiar, las once canciones hablan de historias personales sobre viajes, cuentos, aeropuertos el amor y la soledad, sacando lo positivo de cada situación. Un buen punto de partida de una banda con futuro propio. Satélites está listo para lo que vendrá.
SATÉLITES es:
Ezequiel Levinton: guitarra y voz
Germán Simcovich: guitarra y coros
Federico Scorzo: batería
Marco Cancian: bajo
Lista de temas de “En tu propia ley” (Independiente, 2015):
1 - Fantasmas
2 - Ciudad del mal
3 - Sólo ves (lo que querés ver)
4 - Tan solo
5 - Una chica especial
6 - La luz del sol
7 - Historias de terror
8 - Invisible
9 - Viviendo en un aeropuerto
10 - Batalla de egos
11 - En tu propia ley
Invitados:
Joaquin Levinton - Voces en "La luz del sol".
Agustín della Croce - Cello y sintetizadores en "La luz del sol" y "Sólo ves (lo que querés ver)".
Matias Schulman - Teclados en "Historias de terror" y "Ciudad del mal".
Nicolás Cardigonde - Percusión en "Historias de terror" y guitarra eléctrica en "En tu propia ley".
Grabado entre Junio y Julio de 2014 en Mad Estudios, Buenos Aires.
Producido por Francisco Decono y Satélites.
Mezclado en Mad Estudios y masterizado en Río de Janeiro, Brasil por Francisco Decono.
Asistente de Grabación: Nicolás Cardigonde.
Asistente de Mezcla: Federico Chackelevicius.
Arte de tapa y diseño: Jonathan Bursztyn.
El tema 'La luz del sol' de Satélites es el primer single de "En tu propia ley" y esta disponible para descarga y escucha en el SoundCloud de la banda:
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Johnosoyyoko es una de esas bandas que, con poco, hicieron mucho. Si bien la carrera de esta banda se remonta a partir del 2009, anteriormente ya existía, participando de compilados como “La celebración de la música programada”, además de sumarse al tributos a Babasónicos (“Maldita dopamina”, donde hicieron “Sol naranja”) y a David Bowie (“El hombre que conquistó al mundo” haciendo el clásico “Velvet goldmine”). En el 2009 se lleva a cabo el proceso de “refundación” de la banda, con quienes serían sus integrantes actuales, lanzando los EPs “Refugios” e “Instintos y apetitos de una bestia enorme.” Se hacen un lugar en el circuito under, lanzando años más tarde otro EP llamado “Astronauta”. En el 2013 tuvieron la posibilidad de grabar “Anestesiada”, su primer disco de larga duración, ganando buena reputación en distintos medios. En plena actividad, entraron a estudios a preparar su siguiente trabajo que terminó llamándose “Instrucciones para necios”.
La propuesta de este disco ofrece un gran trabajo de guitarras combinado con la batería y el bajo, ofreciendo un rock pop sólido, por momentos más tranquilo, por momentos más fuerte. También juegan con sonidos más brit y metiéndose en el kraut rock y el noise. Doce “instrucciones para necios”, si se juega con el título para el álbum, que hablan de malas experiencias, de perder temores, situaciones fuera de control y pensamientos confusos. Este nuevo registro de Johnosoyyoko marca el avance al siguiente casillero, donde las canciones pueden hablar por sí solas y la banda pueda seguir creciendo.
JOHNOSOYYOKO es:
Pablo Mason: guitarras y voces
Adrian Nicoletti: guitarras
Mariano Bellver: bajo
Facundo Morales: batería
Lista de temas de "Instrucciones para necios" (Black Fish Discos, 2015):
1 - Timidez 2 - Sube y muerde 3 - El muerto 4 - Antes de morir 5 - Quiosquiri 6 - Flor marchita 7 - Agujero negro es hoy 8 - Pastel 9 - 4 - 4 - 2 10 - Flandria 11 - Y los maté a todos 12 - Alma en celo
Grabado en Estudios Pronoise entre Febrero y Marzo de 2015 por Jorge Lagos y Cesar Tullio. Mezcla y Post Producción: Gonzalo "Pájaro" Rainoldi en Estudios Crudo. Masterizado por Carl Saff en Estudios Saff Mastering, Chicago, USA. Músico invitado: Pablo "Plex" Ventura (sintetizador). Letrista invitado: Leandro Lozano para "El Muerto". Arte y concepto de tapa: Dario Alvarellos y Gonxalo Verde. Reflexiones para necios: Jorge Hardmeier.
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IN CORP SANCTIS adelantó hace una semana en sus redes sociales 'Nave de plasma' un nuevo single que será parte de "Libres van".
In Corp Sanctis es una banda proveniente de Buenos Aires con influencias relacionadas al rock de los 60, específicamente a la psicodelia y al hard rock. Está formada por cinco personas que, además de músicos, son productores. La característica de ser sus propios gestores en cuanto a la grabación y a la producción les otorga una mayor libertad en cuanto a la búsqueda de sonidos que mezclan lo antiguo con lo moderno. En 2014 lanzaron su disco debut titulado “El magistrado”.
Luego de presentar su disco debut “El magistrado” dentro de una extensa gira de conciertos en el interior y en el exterior del país durante el 2015 y de haber comenzado el 2016 tocando por primera vez en Chile en el "Festival en Orbita" junto a grandes bandas como Radio Moscow, Dead Meadow, The Sonics, Os Mutantes entre otros; In Corp Sanctis se prepara para dar comienzo a una nueva etapa donde pronto estará disponible su nuevo disco "Libres van" que lo festejaran con un show lanzamiento nada mas y nada menos que en Niceto Club en el mes de abril.
Algunas repercusiones de la prensa sobre "El magistrado" su primer disco:
"Debajo de la gruesa capa de influencias, de los sonidos que los llevan a buscar el propio, In Corp Sanctis suena a su barrio, a su casa y a sus amigos. Una banda que revive los sonidos distorsionados de tres décadas pasadas, en alguna zona de la ciudad de Buenos Aires." (Revista 90+10)
"Ver 'Yelmo de hierro', último video de la agrupación argentina In Corp Sanctis, es recuperar la fe en la psicodelia. Es dejarse atrapar con una revolución de texturas visuales que se sobreponen una tras otra, mientras la música cabalga sobre nosotros." (Zona Girante)
"In Corp Sanctis, uno de los principales referentes de la nueva psicodélia local, acaban de estrenar su primer videoclip. El tema elegido es 'Yelmo de hierro'" (Surubeat Red Bull Music Academy Radio)
"In Corp Sanctis demostró que es una banda que no tiene desperdicio en vivo: todos sus instrumentos son acoplados para la improvisación y sus efectos sonoros –y electrónicos- son cuidadosamente elaborados generando en el escucha una atmósfera experimental muy parecida a la que exploran bandas de la talla de Radio Moscow, The Flying Eyes y Tame Impala." (Brandy con Caramelos)
(Sylvie Piccolotto by Rock City)Elefante Guerrero Psíquico Ancestral tomó forma definitiva cuando Eduardo Torales, Mauro Albornoz y Juan Ricossa, luego de la separación de un proyecto anterior, siguieron adelante a pura necesidad de hacer música. Luego de variadas e interminables jams, en 2014 bautizaron su primer EP de seis temas con el nombre de la banda, de los cuales varios formarían parte tiempo después de su álbum debut llamado “El camino del guerrero”. Elefante Guerrero Psíquico Ancestral se define como punto de encuentro y creación, donde transitan la música, de carácter instrumental, con elementos del hard rock, el stoner progresivo y la psicodelia. El lenguaje musical del “El camino del guerrero” se expande a través del arte del disco, los dibujos y los textos que acompañan y complementan cada canción. El álbum marca una puerta de entrada al universo que propone la banda e irá develando, no solo disco a disco, si no en cada show. La banda es acompañada fuera del escenario por 3 pilares que ayudan a materializar el proyecto desde lo visual: Daniel Espinoza (quien se encarga de todo el arte y las proyecciones), Mariano Corvatta (toda la parte de filmación y fotografía) y Javier D’Agostino (iluminación escénica).
El camino que recorre el guerrero se inicia con la hipnótica “Heisenberg”, a puro pulso y sincronía para encandilarse con los sonidos que se desprenden de la Gibson Les Paul. El guerrero avanza a paso firme en “Entre dos mundos”, trayendo un sonido más depurado en donde resaltan las ejecuciones blues y una base rítmica bajo/batería intensa. “Methamorfosis” experimentación con acento jazzero, demuestra la capacidad de girar 180° grados en la composición de cada tema, para terminar en una verdadera explosión. El camino sigue y es ahí donde el protagonista de la historia se encuentra con el “Emperador Elefante”, un bajo sólido y omnipotente, en contraste a una guitarra con altas dosis de feeling y un solo que rememora a Steve Vai, por forma y belleza. “Crisálida” es una oda a la plasticidad: finas estructuras y delicadas interpretaciones. En “Kraken”, el guerrero vuelve a la carga y nos introduce uno de los cortes más experimentales del disco, un soundtrack perfecto para viajar al espacio sideral. “Hipnosis” es una nueva aventura cósmica, riffs duros y líneas progresivas. “Caleidoscopio” cierra el viaje instrumental y nos regala guitarras que fusionan en iguales dosis, virtuosismo, vitalidad y brillo, equilibrando el sonido entre el stoner y rasgos de blues.
Como bonus se incluye una la versión demoledora “Since I’ve been loving you” de Led Zeppelin, con las voces a cargo de Paula Schneider, de Rael Magú, como invitada. Elefante Guerrero Psíquico Ancestral propone recorrer el camino con "corazón y disfrute constante". Ese es el verdadero Camino del Guerrero.
ELEFANTE GUERRERO PSÍQUICO ANCESTRAL es:
Eduardo Torales: guitarra
Mauro Albornoz: batería
Juan Ricossa: bajo
Lista de temas “El camino del guerrero” (Independiente, 2015):
1 - Heisenberg
2 - Entre dos mundos (La última batalla de la serpiente y el escorpión)
3 - Methamorfosis
4 - Emperador Elefante
5 - Crisálida
6 - Kraken
7 - Hipnosis
8 - Caleidoscopio
9 - Since I’ve been loving you
Grabado en vivo en Estudios El Pie, el 12 y 13 de septiembre del 2015.
Mezclado en estudios Alto Voltaje y masterizado en estudio Rec en Octubre 2015.
Productor Fonográfico: Eduardo Torales.
Fotografía: Mariano Corvatta.
Diseñador Gráfico: Daniel Espinoza.
Ingeniero de grabación y mezcla: Joaquín Salamero.
Asistentes de grabación: Ramiro Pereyra y Guillermo González.
Drum doctor: Gastón Blander.
Todos los temas fueron compuestos por Elefante Guerrero Psíquico Ancestral.
Los dos primeros singles del nuevo álbum de Elefante Guerrero Psíquico Ancestral están disponible para escucha y descarga libre en el Soundcloud de la banda:
La agencia Rock City a través de Sylvie Piccolotto nos pone en conocimiento de la información que compartimos tal cual nos llegó.
Muñecas Rusas se meten en sonidos relacionados con el indie rock, combinando también psicodelia y rock de los '60/'80. La banda de Rosario está formada por Manuel Camarasa, Lucio Piccoli, Ignacio Simunovich, Pablo Cravsov, Marcos Ribak y Fabricio Zero. En 2012 lanzaron su primer single llamado “Criminal” compuesto por tres canciones. Entre finales de 2013 y principios de 2014 trabajaron muy duro en lo que terminó siendo “Árboles”, el primer EP de Muñecas Rusas, producto de su crianza musical diversa, donde buscaron crear una marca registrada.
En “Árboles”, se demuestra que no se quedan estancados en un sólo estilo, sino que se dan el placer de combinarlos a su manera, deambulando entre el brit rock y una fuerte influencia de Gustavo Cerati. Así, los cinco temas que conforman este EP son ejemplos de originalidad y cobran vuelo propio. Los shows de la banda son espectáculos de alto nivel musical, imperdibles. Grabado por Martín Re y masterizado por Carlos Altolaguirre en Blue Room Estudio en Rosario, el disco fue producido por Marín Re junto a Muñecas Rusas. La edición estuvo a cargo de Fluorescente Discos.
MUÑECAS RUSAS actualmente es:
Manuel Camarasa: bajo, teclados y voces
Lucio Piccoli: guitarra y voces
Ignacio Simunovich: batería
Fabricio Zero: guitarra, teclados, voz líder
Pablo Cravsov: teclados
Marcos Ribak: guitarra
Lista de temas de “Árboles” (Fluorescente Discos, 2014):
Grabación, mezcla y mastering en Blue Room (Rosario, Santa Fe, Argentina).
Ingeniero de grabación: Martín Re.
Mastering: Carlos Altolaguirre.
Mezcla por Martín Re y Fabricio Zero.
Producción: Martín Re y Muñecas Rusas.
Diseño: Estudio Kermés.
Fotos: Melisa Quinteros.
La agencia Rock City a través de Sylvie Piccolotto nos pone en conocimiento de la información que compartimos tal cual nos llegó.
JAVIER SYD es un artista oriundo de La Plata, Buenos Aires. Formado desde muy chico en el prestigioso conservatorio Gilardo Gilardi.
Como guitarrista y compositor fue integrante de las bandas Los Infantes de Carrión y Sudacca Blood y más adelante, ya instalado en la Ciudad de Buenos Aires, participó en la grabación de dos discos de diferentes agrupaciones en calidad de productor y fue guitarrista invitado de la banda chilena Astrolabio para una serie de shows en Santiago de Chile. En el 2015 ya en calidad de solista fue invitado por el Noise Off Festival a sus estudios de Madrid para ser entrevistado y brindar un show acústico. Tiene editado un EP al que tituló “Javier Syd y El Sueño de Dickens” (2013) y al año siguiente entró a estudios a grabar su primer placa de larga duración titulada: “Radioactivo”.
"Radioactivo" de Javier Syd (Rebel Música, 2015): este LP es el salto grande de Javier Syd. Producido por el reconocido músico y productor Tito Fargo, aborda el rock pop con melodías de guitarras rockeras y letras que hablan de situaciones cotidianas, y la forma de paliar y hacerle frente a eso. Son ocho piezas con el espíritu rockero y a la vez el ánimo pop que hacen parte de un tema. Este álbum de Javier Syd demuestra al cien por ciento su manera de componer y arreglar canciones, siendo el inicio de un camino que puede llevarlo a ser un gran compositor.
Lista de temas de “Radioactivo” (Rebel Música, 2015):
1 - Antes
2 - Noctámbulo
3 - Alas de papel
4 - Metamorfosis
5 - Al abismo
6 - Río Santo
7 - Viajero
8 - Fuego
Músicos participantes del disco:
Javier Syd: guitarra y voz
Dani Castro: bajo eléctrico
Dani Ávila: batería
Guillermo Trápani: órgano Hammond en tema 7
Todos los temas compuestos por Javier Syd.
Grabado en estudios Romaphonic. Producido por Tito Fargo.
Mezcla y masterización: Walter Chacón.
Presentamos dos temas de "Radioactivo" de Javier Syd para escucha y descarga gratuita:
LOS CORDEROS es un grupo de rock experimental formado en el Gran Buenos Aires en el 2001. En la actualidad la formación de la banda cuenta con Juan Albin en bajo, Sacha Zadunaisky en batería y percusión, Maxi Iglesias en teclado, guitarras, acordeón y coros, y Nicolás Zadunaisky en guitarra y voz. Hasta el momento han editado dos albums: En la ciudad de los hombres oscuros (2006) y Salamanca (2014).
En el año 2006 grabaron su primer disco de estudio, titulado En la ciudad de los hombres oscuros, ópera rock que fue presentada en una casa abandonada del barrio de La Paternal.
El espectáculo se presentó trece veces en este formato entre el 2006 y el 2008. El mismo estaba preparado para albergar cuarenta personas por show y el público veía el espectáculo desde la borda de un barco. El disco narraba las desventuras de un grupo de marginados que gracias a un barco se salvaban de un nuevo diluvio.
El segundo disco llegaría recién en el 2014. Salamanca es un disco de pop rock psicodélico, muy variado en estilos e instrumentación.
Los Corderos compartieron escenario con bandas como Lefunders, Nikita Nipone y Capitán Espora, entre otros. Realizaron giras por la costa y el norte Argentino.
Actualmente siguen presentando su último material en diferentes salas de Capital Federal y Buenos Aires y ya están preparando lo que será el sucesor de Salamanca con fecha de salida en 2016.
El disco "Salamanca" gira alrededor de trece temas donde encajan correctamente la cantidad de instrumentos que tocan, como las guitarras eléctricas congeniando con el acordeón. Predominan todo tipo de sonidos, aunque el enfoque general se da en el rock pop con toques psicodélicos. "A donde yo no pertenezco" y "No me esperes despierta", los dos temas que abren el álbum, contiene melodías acústicas, mientras que a partir de "Los Pájaros, incluyendo "Pampero" y "La noche profunda del alma" todo se electrifica, con algunos momentos de misterio que ofician de apertura a pasajes experimentales. El acordeón toma más protagonismo en "La sinfonía de los ahorcados" y "Papelito", continuando con "Navegando" con un comienzo al ritmo de ska y finalizando con un suave estilo hawaiano, con olas de fondo. El tema "Las horas caen" se destaca por mezclar un muy buen tecnopop con rock, haciendo que sea el más resonante del disco. Además, hay algo de folklore con "El general" y "Olvidado", el tema que cierra la obra no sin antes pasar por la canción que le da nombre al disco, donde el acordeón vuelve a tomar un lugar importante. En este segundo disco Los Corderos logran hacer convivir en armonía una gran caudal de instrumentos y ritmos, logrando un álbum equilibrado.
Lista de temas de Salamanca, el nuevo álbum de Los Corderos (Independiente, 2014):
1 - A donde yo no pertenezco
2 - No me esperes despierta
3 - Los pájaros
4 - Pampero
5 - Las horas caen
6 - La noche profunda del alma
7 - La sinfonía de los ahorcados
8 - Papelito
9 - Navegando
10 - El general
11 - Sirenas
12 - Salamanca
13 - Olvidado
Los Corderos son:
Nicolás Zadunaisky: voces.
Maximiliano Iglesias: teclado, acordeón, guitarras y voces.
Juan Albin: bajos.
Sacha Zadunaisky: baterías y percusión.
Invitados especiales:
Facundo Reynal: percusión en “Salamanca”.
Abel Wajnerman: violín en “Salamanca”, “Papelito” y “La sinfonía de los ahorcados”.
Todas las canciones fueron compuestas por Los Corderos a excepción del final
instrumental de “Navegando”, titulado “Sleepwalk” y compuesto por Santo & Johnny Farina.
Grabado
entre marzo de 2013 y marzo de 2014 en el estudio de Los Corderos,
excepto las baterías que fueron grabadas en el estudio de Sebastián
Puppo.
Producido por Los Corderos.
Ingeniero de grabación y masterización: Maximiliano Iglesias.
Arte de tapa: Buci Szalontay.
NARFROCK es el proyecto de rock/pop de Fran Fernández. La banda nace en el año 2012, y está integrada por Pato Episcopo en Bajo, Federico Orlando en Batería y Francisco Fernández en guitarra y voz. Influenciados por Soda Stereo, Spinetta, Charly García, entre otros, la idea de NarfRock fue la formación de un grupo de Rock en el cual se priorizara la canción por encima de riffs o la instrumentación.
Durante el 2013 empezó el armado y la composición del repertorio propio, siempre intercalado por clásicos del rock nacional y luego de varios shows en Buenos Aires, en 2014 surgió la idea de plasmar esas canciones en lo que sería el disco debut del grupo. Así nace “Día eterno”, como punto de llegada de estas 9 canciones originales y, al mismo tiempo, punto de partida de la carrera del trío.
El primer disco de la banda se titula “Día eterno” y aborda los principios naturales del rock y pop tradicional, sin perder la originalidad que se refleja en los diez temas que ocupan el álbum. Un disco ideal para acompañar los distintos momentos del día a día. Las letras abordan situaciones problemáticas, tanto en primera como en tercera persona, y las maneras de superar esas barreras en modo poético. Cada canción cuenta con melodías precisas; cada sonido de guitarra y bajo y cada golpe de batería congenian perfectamente y entregan piezas únicas. NarfRock tiene un disco debut bien logrado y que puede ocupar un lugar importante en quien lo escuche.
NARFROCK son:
Francisco Fernández: guitarra, voz y coros
Patricia Episcopo: bajo y coros
Federico Orlando: batería
Lista de temas de “Día eterno” (Independiente, 2015):
1 - Tres minutos
2 - Volviendo al ruedo
3 - Mil noches más
4 - Desde el interior
5 - Luna
6 - Lo que no fue (sin probarte)
7 - Impulsos
8 - Críticas
9 - Fina ropa blanca
10 - Día eterno
Todos los temas compuestos por Francisco Fernández excepto “Fina ropa blanca” (Luis Alberto Spinetta).
Grabado en Estudios Chinatown y Estudiorlandia durante 2014.
Mezcla: Francisco Fernández.
Mastering: Hernan Caratozzolo y Francisco Fernández en Casa Frida.
Foto de tapa: Lucía Bellusci.
Diseño de tapa: Lucía Bellusci y Francisco Fernández.
Diseño: Scaramouche.
Producción general: Francisco Fernández.
LOS TURBINA. La banda nació en el año 2007 con el propósito de versionar aquellos éxitos a su manera, o como se describen sus integrantes mismos, “nacieron para tocar grandes éxitos gronchos retro a lo punk bien cabeza”. Su historial de presentaciones en vivo pasan por eventos como Personal Fest, Pepsi Music y Hot Festival, además de actuar en lugares como Niceto y La Trastienda y participar de eventos de reconocidas marcas. Continuando sus proyectos como banda, editaron su primer disco que hacen honor a toda la trayectoria hecha hasta el momento. Con ellos, la diversión está asegurada.
"Grandes éxitos a lo punk bien cabeza" propone un rato de diversión a ritmo acelerado. Para eso, agarran clásicos de otros artistas no precisamente del mundo punk y los convierten en temas aptos para cualquier clase de disturbio recitalero. Algunos de por sí movidos (como, vaya casualidad, "Movidito", la canción emblema de Sebastián) como otros no hechos para pegar patadas pero que Los Turbina lo reformaron a la fuerza para gente fanática de lo más bizarro. Más precisamente, esto se genera en "Fuego de noche, nieve de día", donde Ricky Martin describe con mucho dolor una historia de amor, y esta banda omite ese estado y lo convierte en alegría punk. Incluso se animan a hacer un megamix de Xuxa, y "Auto rojo" de Vilma Palma y hasta "Bailar pegados" de Sergio Dalma no se salvan de ser versionados. Y que no falte una de Sergio Denis, como "Te guiero tanto". Definitivamente, Los Turbina plasmaron nueve canciones convirtiéndolas en verdaderos himnos de la alegría.
LOS TURBINA son:
Tony: voz
Wacho Turbo: guitarras
El Vikingo: bajo
Apu: guitarras
Yate: guitarras
Cherry: batería
Lista de temas "Grandes éxitos a lo punk bien cabeza" (Independiente, 2015):
1 - Movidito
2 - Te quiero tanto
3 - Te recuerdo
4 - Fuego de noche, nieve de día
5 - Espinas en el corazón
6 - Tractor amarillo
7 - Xuxa
8 - Auto rojo
9 - Bailar pegados
Producido por Los Turbina
Grabado en Estudios Concreto y Estudios Castillo
TRANSLÚCIDO se define como una banda de "Electro Go", imponiendo un nuevo sonido, que aborda y engloba géneros como el space rock, la psicodelia, el synth pop y el rock progresivo.
Formada en el año 2010 por Manuel Acosta y Ramiro Rodriguez Goitia, quienes ya habían estado juntos en un grupo de power rock. Además está integrado por Martín Rizzola en sintetizadores, y Martin Greiner en batería.
Los primeros años de banda sirvieron para dar a conocer su propuesta, que no sólo experimenta desde la música sino también desde las visuales, con juego de luces y proyecciones a cargo de un vj y una muy buena puesta en escena. Tocaron en lugares como Voodoo Motel, La Trastienda, Niceto, Roxy Club y Uniclub, y tuvieron la posibilidad de estar en provincias como Corrientes, Córdoba y Santa Fe, participando en distintos festivales locales culturales. Editaron dos EPs y actualmente están presentando su primer larga duración titulado "Bioma".
Si bien se define como rock instrumental, "Translúcido", "Ojos del desierto" y "El sonido del trueno" cuentan con Camila Fourcade y Carolina Bettoli, que aportan melodías vocales congeniando con la atmósfera presente en cada canción mencionada y logrando los mejores momentos del disco. Por momentos, suena jazzero y por momentos psicodélico. Los diez tracks abarcan varios géneros combinándolos en un sólo tema y cada uno es una pieza que encaja perfectamente con la siguiente. El álbum cierra con el hipnótico y cálido tema llamado "Átomos", el cual es el corte del disco y tiene un track oculto que corona la obra como una de las mejores de la materia. "Bioma" es uno de los puntos de partida para empezar a escuchar y ver lo interesante del género de rock instrumental en Argentina.
Translúcido es:
Martín Rizzola: teclas, programaciones FX y percusión
Manuel Acosta: guitarra eléctrica, criolla y FX
Ramiro Rodriguez Goitia: bajo eléctrico
Martin Greiner: batería
