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Blog exclusivo del Proyecto Experimental de Comunicación y Difusión on line DELTA 80 a través del cual se publicará todo lo relacionado al Top Ten semanal, Ranking Mensual, Ranking Anual y entrevistas. A su vez contiene el archivo completo de publicaciones de Delta 80 desde su origen hasta el 30 de agosto de 2021.
lunes, 31 de diciembre de 2018
viernes, 28 de diciembre de 2018
Greta Van Fleet admite que tienen influencia de Led Zeppelin
En una reciente entrevista con la revista Guitar World, el guitarrista de Greta Van Fleet, Jake Kiszka, dijo que su banda esta influenciada por Led Zeppelin.
"Lo hemos hablado entre nosotros, y estamos de acuerdo con usar Led Zeppelin y otros grupos como base para lo que hacemos. Para mí, no es diferente a nada ya que Zeppelin fue influenciado por artistas de blues y artistas de blues fueron influenciados por artistas de jazz franceses. Así que queremos usar lo que sabemos y avanzar, y así lo haremos".
Según Billboard, Greta Van Fleet ya se encuentra trabajando en nuevas canciones y debería lanzar nueva música durante el 2019.
Esto es lo que el bajista declaró Sam Kiszka: "Vamos a componer otras canciones, grabar algo y comenzar a trabajar en el próximo álbum".
Sobre un posible lanzamiento de nueva música para 2019, el baterista Danny Wagner agregó: "Por supuesto, absolutamente. Nos derretimos si no lo hacemos ".
Fuente: Wikirock
"Lo hemos hablado entre nosotros, y estamos de acuerdo con usar Led Zeppelin y otros grupos como base para lo que hacemos. Para mí, no es diferente a nada ya que Zeppelin fue influenciado por artistas de blues y artistas de blues fueron influenciados por artistas de jazz franceses. Así que queremos usar lo que sabemos y avanzar, y así lo haremos".
Según Billboard, Greta Van Fleet ya se encuentra trabajando en nuevas canciones y debería lanzar nueva música durante el 2019.
Esto es lo que el bajista declaró Sam Kiszka: "Vamos a componer otras canciones, grabar algo y comenzar a trabajar en el próximo álbum".
Sobre un posible lanzamiento de nueva música para 2019, el baterista Danny Wagner agregó: "Por supuesto, absolutamente. Nos derretimos si no lo hacemos ".
Fuente: Wikirock
lunes, 24 de diciembre de 2018
miércoles, 19 de diciembre de 2018
Geddy Lee: "Neil Peart no se retiró de Rush sino de la batería"
Traducción: Fabián Solari / Ayer en "Trunk Nation" de SiriusXM, el bajista y vocalista de Rush Geddy Lee confirmó una vez más que es poco probable que la banda toque más shows o haga música nueva. "Neil está retirado", dijo Geddy , refiriéndose al baterista de Rush, Neil Peart . "No se ha retirado de Rush, se ha retirado de la batería. Ya no está tocando la batería y está viviendo su vida. Lo que está bien: Alex [Lifeson, guitarrista de Rush] y yo estamos bien con eso. Seguimos siendo amigos, de hecho, Alex y yo estuvimos hace unas semanas visitándolo y nos mantenemos en contacto. Y, por supuesto, Alex
vive muy cerca de mí, por lo que constantemente salimos a cenar, porque le gusta beber todo en mi bodega. Todavía somos amigos, y todos
hablamos, pero ese período de nuestra vida está terminado".
Lee, quien recientemente lanzó un libro llamado "Big Beautiful Book of Bass de Geddy Lee", no descartó futuras colaboraciones con al menos uno de sus compañeros de banda.
"¿Hay más música mía y de Alex ?" preguntó retóricamente. "No sé cuándo y qué forma tomará. No sé si Alex y yo haremos algo juntos".
"La gente me hace preguntarme y quiere que sea definitivo, y no puedo, porque realmente no he pensado tan lejos", agregó Geddy .
"He estado trabajando en este libro por más de dos años, y ha sido muy
divertido, ha sido un proyecto apasionante para mí. Y ha sido muy bueno
para mi cabeza. Y, en cierto modo, fue un buen descanso". "Eso me
lanzó a otra obsesión, que fue educativa, en términos de aprender sobre
mi instrumento, pero también en términos de aprender cómo hacer un libro
y lo que está involucrado. Así que lo disfruté. Ahora comenzaré a
pensar qué voy a hacer a continuación y comenzaré a tocar todas esas
bellezas - refiriéndose a sus bajos - que me miran fijamente cuando
entro a mi estudio".
Rush ha estado completamente inactivo desde que completó su gira "R40 Live" hace tres años. Peart
dice que tocar en conciertos a su edad causa mucho dolor y desgaste en
su cuerpo y que prefiere dejar de fumar antes de que las actuaciones
comiencen a disminuir en calidad.
Preguntado por "Trunk Nation" si está contento con la forma en que finalizó la gira final de Rush, Geddy
dijo: "Oh, sí. Ese último concierto fue una noche difícil. Pero de lo
que estás hablando es en realidad de lo que fue pasando por la mente de Neil
. Estaba luchando a lo largo de la gira para tocar en su mejor momento,
debido a dolencias físicas y otras cosas que estaban sucediéndole.
Y es un perfeccionista, y no quería salir y hacer nada. menos de lo que
la gente esperaba de él. Eso fue lo que lo impulsó en toda su carrera, y
así es como quería salir, y lo respeto totalmente. Y para Alex y yo, por supuesto, no somos bateristas, así que no lo hacemos. No tomes el mismo abuso físico, aunque Alex
sufre de artritis y él estaba pasando un momento muy difícil en la gira
en un show de tres horas. Así que estaba claro que lo que sucediera en
el futuro no iba a ser así. Pasé mucho tiempo diseñando esa gira con
todas nuestras grandes personas creativas y tratando de asegurarme de
que dijera eso. historia a la inversa, y fue muy divertido de hacer.
Y creo que mi tristeza fue solo el hecho de estar tan feliz que lo
logramos con todo lo cronológico inverso que me gustaría que tuviera el
resto del mundo, que no pudiera venir a esas ciudades, experimente eso. Y esa es realmente la única queja que tengo, de que no pudimos hacer más shows. Pero ahora, en retrospectiva, y con el beneficio del tiempo, estoy muy contento con la forma en que se produjo. Simplemente no me senté bien para hacer una gira de despedida e intentar capitalizar esa palabra.
Simplemente no funcionó para mí. No fue lo más fácil de lograr, pero
me siento bien con nuestro cuerpo de trabajo, y me siento bien con la
forma en que terminó. Y, ya sabes, adelante y arriba".
Lifeson y Lee han dicho repetidamente que Rush nunca hará un espectáculo a menos que los tres músicos acepten participar. No se han presentado como Rush sin Peart desde que se unió a la banda en 1974.
Durante los primeros seis años de la existencia de Rush, John Rutsey estuvo detrás del kit y tocó en el álbum debut homónimo de la banda.
Fuente: Blabbermouth
sábado, 15 de diciembre de 2018
"En AC/DC a nadie en el grupo se le pagaba, por eso me fui", Dave Evans
Si bien no es conocido por el público en general, seguramente los más rockeros saben de él porque es un histórico de la música. Dave Evans fue nada menos que el primer cantante de AC/DC,
de los tiempos de sus EP´s debutantes y primeros shows. Evans dejó la
banda antes de que a los australianos les llegara el éxito y el
reconocimiento que ostentan hasta la actualidad.
El artista llegó a nuestro país y realizó shows por varios escenarios, con gran respuesta del público. En charla con DiarioShow.com, Dave comentó que “fue
mi primera vez en Argentina. Fui a Brasil dos veces. La pasé muy bien, y
lo mismo con Argentina, la pasé genial. La gente está loca, como me
gusta a mí, le gusta mucho el rock”.
Sobre sus shows en el país, detalla que “toqué en un local que se
llama Gier, aquí en Buenos Aires. No me esperaba que sucediera lo que
pasó, en ninguno de mis shows de Argentina. Desde el primer show
cantaban, la gente se volvió loca. Me encanta cuando cantan, saben todos
los temas. Hacemos una mezcla del primer AC/ DC, canciones clásicas de
rock, y algunas cosas de mi etapa solista, y de los grupos que tuve,
Rabbit y Thunder Down Under”.
Sobre el estar de gira por tanto tiempo, rescata que “fue muy
larga pero muy linda. Mi último show del tour fue aquí y me voy muy
feliz a descansar a Australia. Fue uno de los mejores años de mi vida,
sin dudas. Ahora siento que tengo amigos en Argentina, no sólo los
músicos, sino la gente que va a tus shows. Se da algo especial, y cuando
vuelves a cada lugar en donde tocaste, te sientes en casa”.
Sobre sus sentimientos acerca de esa banda que formó en Australia en los ‘70, confiesa que “soy parte de AC/DC, me siento AC/DC. No existiría el grupo sin los miembros fundadores, como lo fui yo. Diría que el único AC/DC,
el original. Hubo muchas formaciones durante los años, como 20
integrantes, tres cantantes, y hace poco Axl Rose participó, cuando
Angus lo invitó como un favor para que termine el tour que tenían
pendiente. Todavía están los chicos activos, excepto Malcolm, que
descanse en paz”.
Sobre si volvería a tocar en el grupo, asegura: “Volvería, si me
pagaran. Yo me fui porque no me pagaban. A nadie en el grupo se le
pagaba y habíamos hecho muchos shows por Australia. Tuve una pelea con
el manager, fue muy triste. Después las cosas mejoraron, cambiaron y se
convirtieron en lo que son ahora, una marca. Ya no quedan muchos
rockeros en el mundo, pero el rock es la música más popular en el mundo y
AC/DC, una de las
bandas más populares. No se vive en el rap, ni en el metal, ni en el
pop, lo que se vive con el rock. El mundo del rock necesita de AC/ DC
para vivir. Mientras Angus esté, la gente seguirá yendo a ver a AC/DC”.
Fuente: Crónica
miércoles, 12 de diciembre de 2018
Fabián Iurino & The Band presentan "Nadar", su segundo disco de estudio
Fabián Iurino es un cantante y compositor nacido en 1988 en la ciudad de Villa de Mayo, provincia de Buenos Aires. En 2016 editó su ópera prima "Todos los días" y este año llega el lanzamiento de "Nadar", un disco acústico bisagra que se despega armoniosamente de la etapa anterior de desamor.
Si bien la canción sigue estando al frente de la obra, se evidencia la experimentación con todos los materiales que la conforman, dando cuenta de una interacción y búsqueda musical más compleja. Se agregan instrumentos de viento, cuerdas y sintetizadores, con la consiguiente marcada presencia y participación de The Band, el grupo que acompaña a Fabián y que tuvo una importante interacción en la producción del álbum. A través de las letras, Iurino intenta transmitir un mensaje de liberación inspirado en sus artistas referentes que fueron o son seres en conflicto consigo mismo y con el mundo que los rodea. Apoyado en su lado oscuro, busca darse un poco de luz y sonreír.
El jueves 20 de diciembre en Circe (Av. Córdoba 4335 - Palermo) será la presentación oficial del disco y se podrá apreciar en directo la intensidad de los shows que caracterizan a Fabián Iurino & The Band.
"Con Nadar buceé un poco más profundo para encontrar algo nuevo en mí y así algo nuevo que decir, que contar de ese "viaje", de esa búsqueda. Aprendí a resistir porque en el mar, cuanto más abajo te vas, más difícil y oscuro se pone pero quería encontrar el tesoro y esa era la única manera" , Fabián Iurino & The Band.
martes, 11 de diciembre de 2018
El heavy metal pone el pecho para "sortear la incomunicación"
La Unión de Radios Metaleras hace su vigésimo festival para "sortear la incomunicación". Cinco bandas en un espacio público y con fines benéficos amenizarán un encuentro que expone la radiofonía metálica argentina.
En abril de 2006, Diego Abrego se hizo
“conocido” por un mérito particular: fue el primer imputado del rock en
el post-Cromañón. Había organizado un festival metalero libre y gratuito
en Constitución, con el fin de recaudar alimentos para un comedor
comunitario, pero el Gobierno de la Ciudad le cayó con todo el peso del
Código Contravencional y eso lo llevó al banquillo. Lo acusaron de
utilizar el espacio público sin aplicar “los recaudos de organización y
seguridad exigidos”. El juicio perfilaba para condenarlo a un mes de
arresto y sólo la presión de un importante colectivo de músicos logró
que eso quedara en la nada. Fue una resolución valiosa para sentar
precedente y servir de modelo de lucha ante futuras criminalizaciones
del uso del espacio público para eventos culturales.
Una docena de años después, Abrego se alza tras aquel mal
trago con la edición número 20 del festival de la Unión de Radios
Metaleras; un evento que, al igual que el de 2006, también reúne a
bandas en un lugar público y con fines benéficos, pero además sirve como
punto de encuentro para uno de los vectores simbólicos más importantes
de la cultura heavy doméstica: la constelación de programas
alternativos, independientes y pulmonares, y que fans de todas las
edades llevan adelante con entusiasmo en emisoras y plataformas varias
de todo el país. “Cualquier canal de expresión es válido mientras se
pueda romper la barrera de la incomunicación, y nosotros encontramos en
el heavy un espacio para difundir mensajes y valores genuinos”, defiende
Diego, quien conduce los programas Demasiada TV y La cadena ortodoxa en la radio Che Barracas.
“Ante la imposibilidad que tienen las bandas para tocar en
condiciones dignas de laburo, se decidió crear esta agrupación para
generar alguna estructura. Alquilamos un sonido de excelente calidad
pero, a diferencia de lo que pasa en muchos otros lugares, acá nadie
pone un mango: es todo independiente y autogestivo y se cubre con un
bono contribución de 30 pesos”, amplía el también cantante del grupo
Exocet.
Como en casi todas las ediciones anteriores, ésta también se
realizará en un espacio del Frente Popular Darío Santillán en el polo
textil de la Estación Darío y Maxi (ex Avellaneda), a la altura 400 de
la avenida Hipólito Irigoyen. Será el sábado 22 de diciembre desde las
16, y tocarán Exocet, Disidente Inmortal, Orgullo Fisura, Máquina
Suicida y Zonanegra. “A las bandas las elegimos entre los programas”,
dice Diego.
La idea de unión under y comunicacional también está relacionada con
la necesidad de amalgamar una escena heavy que, según Abrego, ya no es
únicamente un movimiento sino más bien un colectivo cultural. “Esto
tiene que ver con la aparición de otras expresiones como la Feria del
Libro Heavy o el Grupo de Investigación de Heavy Metal Argentina.” De
éste último –surgido en el ámbito de la Universidad de Buenos Aires–,
Diego retoma el concepto de “parricidio” postulado este año a través de
un libro con ese mismo título: “La traición de Ricardo Iorio a los
valores del heavy argentino a partir de sus expresiones nacionalistas
obliga a pensar en un recambio generacional que debió darse hace ya
varios años”.
“Como artistas y comunicadores tenemos que acompañar las luchas que
hay en las calles, como las del colectivo feminista o los reclamos
docentes, por tierras o de los pueblos originarios. Y nada más lejos de
todo esto que estar pidiendo balas para las masas empobrecidas”,
enarbola Abrego. “Mi sueño es que el colectivo metalero acompañe ese
tipo de causas, porque nuestro enemigo es el sistema capitalista. Y así
como en su momento se bajaron los cuadros de los milicos, ahora tenemos
que quemar a los ídolos que perdieron representatividad popular, aunque
siempre respetando la obra hecha. El contexto social y político adverso
tiene que alimentar este sentimiento contracultural que nos moviliza.
Tomémoslo como un nuevo florecer.”
Fuente: Página 12
lunes, 10 de diciembre de 2018
Revanchistas cierra el año en Niceto Club
Llegó diciembre y se aproxima cada vez más, el cierre de año y fin su gira ‘Árboles de buena madera’. Revanchistas, la banda de Villa Luro prepara con entusiasmo y dedicación los preparativos para el gran festejo de fin de año, para que el mismo sea verdaderamente una noche única y repasar junto a sus seguidores todas sus canciones y además, presentar su próximo EP digital "Canciones de necesidad y urgencia".
La cita para dicho encuentro será la velada del Sábado 22 en el reconocido escenario de Niceto Club, ubicado en Av. Niceto Vega 5510 del barrio de Palermo. Las entradas ya se encuentran a la venta por Sistema Ticketek.
Revanchistas, cierra un gran año, a lo largo del mismo la banda presentó su show en las ediciones de festivales importantes como el Cosquín rock, Baradero Rock, en la “Fiesta de la Primavera” de Carlos Paz ante 120 mil personas; donde además compartieron escenario con Rolo Sartorio de La Beriso y otras presentaciones en localidades tanto de la provincia de Buenos Aires como en el interior del país.
Por otro lado, la banda se encuentra presentando “Bravio” un nuevo corte que se desprende de su último álbum de estudio “De buena madera”.
En su corta trayectoria, la grupo de rock publicó tres discos de estudio, el debut fue con “Álbum veintisiete” en 2014, siguiendo por “De sangre caliente” y por último “De buena madera” (Popart Discos, 2017). Este último trabajo es un disco que abarca lo más puro del ADN de Revanchistas, que en sus tres guitarras tiene un sello particular y distintivo, asimismo con sus letras que realzan la identidad de la banda, con una potencia en su música y con matices en el vivo que se incorporaron para dejar su huella impregnada.
La cita para dicho encuentro será la velada del Sábado 22 en el reconocido escenario de Niceto Club, ubicado en Av. Niceto Vega 5510 del barrio de Palermo. Las entradas ya se encuentran a la venta por Sistema Ticketek.
Revanchistas, cierra un gran año, a lo largo del mismo la banda presentó su show en las ediciones de festivales importantes como el Cosquín rock, Baradero Rock, en la “Fiesta de la Primavera” de Carlos Paz ante 120 mil personas; donde además compartieron escenario con Rolo Sartorio de La Beriso y otras presentaciones en localidades tanto de la provincia de Buenos Aires como en el interior del país.
Por otro lado, la banda se encuentra presentando “Bravio” un nuevo corte que se desprende de su último álbum de estudio “De buena madera”.
En su corta trayectoria, la grupo de rock publicó tres discos de estudio, el debut fue con “Álbum veintisiete” en 2014, siguiendo por “De sangre caliente” y por último “De buena madera” (Popart Discos, 2017). Este último trabajo es un disco que abarca lo más puro del ADN de Revanchistas, que en sus tres guitarras tiene un sello particular y distintivo, asimismo con sus letras que realzan la identidad de la banda, con una potencia en su música y con matices en el vivo que se incorporaron para dejar su huella impregnada.
domingo, 9 de diciembre de 2018
1915 cierra el 2018 en La Tangente
Es que este ha sido sin duda el mejor año para 1915 y hay muchas razones para festejar: el lanzamiento de su segundo disco “Bandera”, su participación en Lollapalooza Argentina 2019 y haber sido invitados para abrir el show de Usted Señálemelo en C.C. Konex, entre otras.
Su nuevo disco “Bandera” lanzado este año ha tenido una gran recepción, el anuncio que participaran de la grilla del Lollapalooza Argentina 2019 y haber sido invitados para abrir el show de Usted Señalemelo el jueves 13 de diciembre en el Konex, son solo algunas razones para acompañar a la banda compuesta por Cruz Hunkeler (guitarra y voz), Federico Norzi (teclados y voz), Jeremías Alegre (batería) y Alejo Freixas (bajo) este jueves 20 de diciembre a la medianoche en La Tangente.
Con su segundo disco “Bandera” recién lanzado, un álbum de synth-pop groovero y orgánico, que esta lleno de grandes canciones pop comprometidas con su tiempo con letras que plantan bandera sobre lo que piensan del presente, pasado y futuro. Sin duda “Bandera” es uno de los grandes discos del año.
* 1915 abriendo el show de Usted Señálemelo
Jueves 13 de Diciembre, 19:00hs
en el C.C. Konex (Sarmiento 3131, Abasto, Capital Federal)
* 1915
Jueves 20 de Diciembre, 21:00hs (empieza medianoche)
en La Tangente (Honduras 5317, Palermo, Capital Federal)
Entradas anticipadas $200 en https://bue.tickethoy.com/entradas-musica/1915-en-la-tangente
y en la boletería de La Tangente, Honduras 5329 // de miércoles a sábados de 16hs a 19hs (sólo efectivo)
Su nuevo disco “Bandera” lanzado este año ha tenido una gran recepción, el anuncio que participaran de la grilla del Lollapalooza Argentina 2019 y haber sido invitados para abrir el show de Usted Señalemelo el jueves 13 de diciembre en el Konex, son solo algunas razones para acompañar a la banda compuesta por Cruz Hunkeler (guitarra y voz), Federico Norzi (teclados y voz), Jeremías Alegre (batería) y Alejo Freixas (bajo) este jueves 20 de diciembre a la medianoche en La Tangente.
Con su segundo disco “Bandera” recién lanzado, un álbum de synth-pop groovero y orgánico, que esta lleno de grandes canciones pop comprometidas con su tiempo con letras que plantan bandera sobre lo que piensan del presente, pasado y futuro. Sin duda “Bandera” es uno de los grandes discos del año.
* 1915 abriendo el show de Usted Señálemelo
Jueves 13 de Diciembre, 19:00hs
en el C.C. Konex (Sarmiento 3131, Abasto, Capital Federal)
* 1915
Jueves 20 de Diciembre, 21:00hs (empieza medianoche)
en La Tangente (Honduras 5317, Palermo, Capital Federal)
Entradas anticipadas $200 en https://bue.tickethoy.com/entradas-musica/1915-en-la-tangente
y en la boletería de La Tangente, Honduras 5329 // de miércoles a sábados de 16hs a 19hs (sólo efectivo)
“Enemigo” es el tercer corte del nuevo disco de 1915 y se puede escuchar a continuación
sábado, 8 de diciembre de 2018
Rayo en vivo el 14 de diciembre en Roxy Live
Rayo es un trío porteño fundado en 2014 por Sebastián Petrocelli en voz, guitarra y teclados; Jonathan Saldivia en bajo y Federico Salusso en batería y coros. Bajo el nombre "Despiértate rayo", editaron un primer EP homónimo que vio la luz en 2015 y los llevó de gira por la Provincia de Buenos Aires y Córdoba.
En 2016, continuaron con sus presentaciones de forma paralela a la grabación de su segundo EP “Una voz”, con este álbum lograron consolidar la identidad y el sonido de la banda. El 2017 los encuentró publicando Panda, una sesión de dos versiones del primer EP donde la agrupación logra capitalizar la experiencia sonora y el camino recorrido. Actualmente están presentando "Encontrarte", su nuevo single adelanto de lo que sera su próximo disco.
Rayo presenta sus dos nuevos singles “Encontrarte” y “Fantasmas”, adelanto de su primer disco Arcadia. El Viernes 14 de diciembre en The Roxy Live a las 23:30hs (Niceto Vega 5542, Palermo).
En 2016, continuaron con sus presentaciones de forma paralela a la grabación de su segundo EP “Una voz”, con este álbum lograron consolidar la identidad y el sonido de la banda. El 2017 los encuentró publicando Panda, una sesión de dos versiones del primer EP donde la agrupación logra capitalizar la experiencia sonora y el camino recorrido. Actualmente están presentando "Encontrarte", su nuevo single adelanto de lo que sera su próximo disco.
Rayo presenta sus dos nuevos singles “Encontrarte” y “Fantasmas”, adelanto de su primer disco Arcadia. El Viernes 14 de diciembre en The Roxy Live a las 23:30hs (Niceto Vega 5542, Palermo).
viernes, 7 de diciembre de 2018
Otra vez con acusaciones de acoso sexual Gene Simmons
Gene Simmons
no está viviendo sus mejores días. Además de estar atravesando el duelo
tras reciente el fallecimiento de su madre, el bajista de Kiss
también tendrá que lidiar con una demanda iniciada por una mujer que
afirma que la manoseó durante la apertura de su restaurante Rock &
Brews en 2016.
Según documentos judiciales obtenidos por The Blast y revisados por Pitchfork,
la mujer, que prefirió mantener su identidad en el anonimato, declaró
que estaba trabajando como lavaplatos en el restaurante de Gene el 6 de
diciembre de 2016, día de la apertura del establecimiento.
A
su vez, la acusadora aseguró que cuando el músico se acercó al staff
para sacarse una foto en la cocina, Simmons “se estiró y colocó con
fuerza su mano en su vagina, cubriéndola por completo”.
Además, la demandante manifestó que durante la visita presenció otros
actos indebidos de parte de Simmons, quien actuó “de manera sexual con
otras mujeres”, y afirmó que lo vio tocándoles el pelo y “decirles que
se desabrochen las camisas”.
Esta no es la primera vez que Gene Simmons atraviesa por una
situación de este tipo. Sin ir más lejos, hace casi un año atrás, el
nacido en Israel fue denunciado por otra mujer que también fue blanco de
conductas sexuales y totalmente indebidas de parte del rockero de 69
años mientras la víctima le realizaba una entrevista radial.
Fuente: Indie Hoy
jueves, 6 de diciembre de 2018
Luca Turillli y Fabio Lione se unen en un nuevo Rhapsody
Los miembros originales de Rhapsody,
Luca Turilli y Fabio Lione, han unido sus fuerzas para escribir y
grabar un dsco bajo el nombre "Turili / Lione Rhasody". Esta será la
primera vez en que grabarán nuevas canciones juntos en más de 8 años. La
banda se completará con los ex-miembros de RHAPSODY Dominique Leurquin, Patrice Guers y Alex Holzwarth.
La banda entrará en el estudio este invierno para grabar su primer
disco. Para ayudar a financiarlo, han lanzado una campaña de
crowdfunding, donde se puede reservar el nuevo disco además de otros
detalles: https://igg.me/at/TLRHAPSODY
Fuente: Metal Total
domingo, 2 de diciembre de 2018
Murió el propietario de la legendaria tienda de discos neoyorquina Bleecker Bob
Robert Plotnik, el propietario titular de la icónica tienda de discos de la ciudad de Nueva York, Bleecker Bob's, murió. La triste noticia fue confirmada por la amiga y socia de la tienda Jennifer Kitzer. Bob había estado disminuyendo su salud por algún tiempo después de sufrir un derrame cerebral en 2001. La tienda permaneció abierta hasta 2013. La tienda de NYC / Brooklyn Academy Records ofrece este tributo:
RIP a Bleecker Bob, una verdadera leyenda en la escena de la tienda de discos de Nueva York y probablemente el personaje más singular de ese grupo tan idiosincrásico. Conocí a Bob y su sabio sarcasmo cuando era un adolescente a finales de los 70, cuando me manché los dedos mientras revolvía sus sucias fundas de discos reutilizadas. También aprendí rápidamente que a él le encantaba una dosis igual de sarcasmo a cambio y nuestras interacciones fueron algunos de mis primeros gustos de lo que significaba ser un verdadero neoyorquino. Cuando abrí mi tienda por primera vez en 2001, era una verdadera insignia de honor cuando vino a comprobarlo y me dijo que no estaba tan mal. Atraparte en el lado B ..
Bleecker Bob's Golden Oldies fue una de las tiendas de discos más emblemáticas de Nueva York, y el tono bronceado de Bob es tan conocido como la selección de vinilos vintage de la tienda. Bowie, Robert Plant, Frank Zappa y otros eran clientes habituales, y Bob's era un punto de trama famoso en un episodio de Seinfeld en 1993. (Mire un clip a continuación.) Cuando la tienda cerró en 2013, SPIN ejecutó una gran característica en ella, Bob y el legado de la tienda:
"La tienda de discos de Bleecker Bob fue la primera tienda que vi que era el modelo para las pequeñas tiendas de discos independientes que ahora están en todas partes", dice el guitarrista de Blondie Chris Stein. “Fue muy funky, y Bob era un personaje extraño muy específico. Definitivamente hay una película en alguna parte ".
Un personaje de la era punk, el guitarrista de Patti Smith Group, Lenny Kaye, frecuentaba tanto la tienda que Plotnik le ofreció un trabajo. Kaye trabajó en Village Oldies desde 1970 hasta aproximadamente 1975. Mucho antes de que él y Smith consideraran la posibilidad de tocar música entre ellos, Smith entraría y pasaría el rato en la tienda, haciendo girar los discos. "Principalmente escuchamos los registros de armonía grupal del área de South Jersey, Filadelfia", dice el guitarrista. "Jugaríamos" Today's the Day "de Maureen Gray," Bristol Stomp "de los Dovells," My Hero "de los Blue Notes, y el ocasional Smoky Robinson, por supuesto. Ella había entrado y si no había nadie en la tienda, bailábamos un poco. Fue agradable. Ella vivía a la vuelta de la esquina. Era nuestro hang local.
Kaye acredita la forma en que tocó sus 45s favoritos de los años 60 en la tienda como una de sus inspiraciones para su célebre compilación de psicopartes y rock en 1972, Nuggets: Artyfacts originales de la primera era psicodélica, 1965–1968. "Tarde en un sábado por la noche, cuando no había nadie cerca y me tomaba una cerveza, simplemente estaría sacando discos del estante", dice. “Entonces, cuando tuve la oportunidad de hacer Nuggets para Elektra, tuve una especie de mapa básico de los tipos de grupos y canciones que encajarían en este concepto. Eran mis discos favoritos de los años 60. Sacaría los ascensores del piso 13, luego sacaría "Mentiroso mentiroso" junto a los náufragos y seguiría con la "Reacción psicótica" del [número cinco] ".
Descansa en paz, Bob.
Fuente: Brooklyn Vegan
viernes, 30 de noviembre de 2018
El reggae ya es Patrimonio Cultural de la Humanidad
El reggae de Jamaica, que han popularizado músicos legendarios como el inolvidable Bob Marley, fue declarado hoy Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad por la Unesco.
“Su aporte a la reflexión internacional sobre cuestiones como la injusticia, la resistencia, el amor y la condición humana pone de relieve la fuerza intelectual, sociopolítica, espiritual y sensual de este elemento del patrimonio cultural”, explicó la organización en un comunicado.
La Convención de la Organización de las Naciones Unidas para la Educación, la Ciencia y la Cultura (Unesco) anunció la decisión en su reunión de Port Luis (República de Mauricio), donde examina esta semana varias candidaturas para su Lista Representativa del Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad.
La Unesco destacó que el reggae “conserva intactas toda una serie de funciones sociales básicas de la música -vehículo de opiniones sociales, práctica catártica y loa religiosa- y sigue siendo un medio de expresión cultural del conjunto de la población jamaicana”.
La organización de la ONU recordó que ese género musical surgió de una “amalgama de antiguos ritmos musicales jamaicanos y de otros de orígenes muy diversos: caribeños, latinoamericanos y norteamericanos”.
En todos los niveles del sistema educativo del país, agregó, “está presente la enseñanza de esta música, desde los jardines de infantes hasta las universidades”.
Fuente: CRock
jueves, 29 de noviembre de 2018
Maria Armellín presenta su nuevo single
María Armellín es la nueva promesa de las voces femeninas en Argentina. Con apenas 24 años, su voz atractiva se despliega en canciones nutridas de influencias del jazz, el soul y el ryhthm & blues. Joni Mitchell, Lianne La Havas, Ella Fitzgerald y Aretha Franklin son algunas de sus referentes, y así queda demostrado en su primer single, “Elusión”.
Desde chica necesita escribir para entenderse y expresarse. Siente
profundo, hace canciones sinceras y en la constante búsqueda refleja su
personalidad fresca. Joni Mitchell, Lianne La Havas, Ella Fitzgerald y
Aretha Franklin son algunas de sus grandes influencias. Cree
especialmente en lo importante que fue y es el papel de las mujeres en
la música y busca hacerse su lugar, pisando fuerte como cantautora
Argentina.
“Elusión” presenta un sonido nocturno y sensual, sostenido con un ajustado groove de R&B. María canta con seguridad y elegancia, despuntando estrofas cargadas de desencanto y decepción. “No voy a desear”, “no quiero”, se planta en la letra. Su sentir es profundo y eso se refleja en sus canciones sinceras. Con “Elusión”, María hace su carta de presentación y nos deja a todos deseosos de más.
miércoles, 28 de noviembre de 2018
Peter Baltes, histórico bajista de Accept, se aleja de la banda tras 40 años de carrera
Un golpe duro para los seguidores de Accept y del heavy metal
clásico: el bajista Peter Baltes, miembro histórico de la agrupación
durante 40 años, se va de la banda.
Él mismo lo comunicó
con un mensaje en el Facebook del grupo, sin dar mayores razones y
simplemente agradeciendo por el apoyo en todo este tiempo.
Peter
Baltes, junto al guitarrista Wolf Hoffmann, eran los dos pilares de la
formación actual de Accept, que a fines de octubre estuvo tocando en Sudamérica. Y todo esto ocurre pocos días después que la banda lanzó su más
reciente producción, el registro en vivo “Symphonic Terror – Live at
Wacken”.
La banda y el mismo Wolf Hoffmann emitieron también
comunicados agradeciendo todo este tiempo de compañerismo con Peter
Baltes y aclarando que la banda seguirá adelante, aunque todavía no hay
reemplazante.
To all Accept fans:
I hereby like to announce my departure as Bassplayer from ACCEPT.
I have been with the band from the very beginning. Many of you have been there as well.
I like to thank you all for the great years we shared together.
Keep it Metal.
Peter
Fuente: Radio FuturoWe spent four decades together and went through thick and thin, ups and downs and I remember some incredible moments on stage. There was a blind understanding between us, personally and musically, that is very rare in this business!
Looking back, I will forever cherish the carefree early years, the countless hours we spent writing songs, goofing around or roaming the cities together on tour - just having a good ol’time!
Especially these last 10 years, after the revival of ACCEPT being so much fun and so successful that I thought we would continue forever and sail into the proverbial sunset together - maybe until one of us would drop dead on stage. But I guess I was wrong, it wasn’t meant to be.
To see Peter leave ACCEPT now saddens me immensely but there’s nothing I can do but to wish him well - hoping that this is the right decision for him and that he will find whatever he is looking for ...
I will certainly miss my musical brother!
One thing is certain, however :
ACCEPT will continue full steam ahead !!
Wolf
martes, 27 de noviembre de 2018
Vuelo Eterno presenta "La transformación de los días"
Escucha Vuelo Eterno |
Vuelo Eterno presenta su último disco: "La transformación de los días". Este trabajo explora el sonido mas versátil de la banda. En 40 minutos
el disco viaja desde el rock pop alternativo al funk, con sintetizadores
en primer plano y melodías de voz concisas, hasta baladas con guitarras
acústicas.
Grabado en los Estudios El Pie y Alto Voltaje por Joaquín Salamero, masterizado por Eduardo Bergallo en Puro Mastering y la producción general a cargo de la propia banda.
Grabado en los Estudios El Pie y Alto Voltaje por Joaquín Salamero, masterizado por Eduardo Bergallo en Puro Mastering y la producción general a cargo de la propia banda.
Vuelo Eterno nace en el año 2012, en capital Federal,
formado por Iván Busquets en guitarra y voz/ Matías Busquets en Bajo /
Guido Pérez en batería.
Luego de varios años con shows a sala llena, presentando su primer trabajo "Poderoso Feedback" (2015) y con sus canciones sonando en radios como Vorterix, Nacional Rock y Reactor 105.7 (México) y otras emisoras de diferentes ciudades, Vuelo Eterno decide encerrarse a componer y grabar su nuevo material "La transformación de sus días" (2017), su segundo disco, enfocado en un estilo más intimo que su antecesor pero sin perder la esencia de sus comienzos.
Luego de varios años con shows a sala llena, presentando su primer trabajo "Poderoso Feedback" (2015) y con sus canciones sonando en radios como Vorterix, Nacional Rock y Reactor 105.7 (México) y otras emisoras de diferentes ciudades, Vuelo Eterno decide encerrarse a componer y grabar su nuevo material "La transformación de sus días" (2017), su segundo disco, enfocado en un estilo más intimo que su antecesor pero sin perder la esencia de sus comienzos.
lunes, 26 de noviembre de 2018
Lanzamiento de ciclo Rock Nacional - Cultura Nacional
Para los que se perdieron el homenaje al rock argentino en el Congreso y
el lanzamiento del proyecto de Ley, aquí está la versión completa con
las participaciones de los músicos y las versiones musicales al final.
Día histórico.
domingo, 25 de noviembre de 2018
Delirio en Obras con New Order
La legendaria banda de Manchester brindó un excelente show de más de dos
horas en el que repasó sus más grandes clásicos y varias gemas de Joy
Division.
La mezcla perfecta de pop, rock y música electrónica. Eso es lo que ofreció (otra vez) New Order, el viernes por la noche en el estadio Obras, en su nueva visita a Buenos Aires.
En un recital de más de dos horas, los formados en Manchester volvieron a demostrar que son los reyes de este estilo surgido en la riquísima década de los ’80 e hicieron bailar y delirar a un público entusiasta y fiel que, si bien estuvo integrado por un considerable número de fans (en su mayoría pasando los treinta y varios), no llegó a colmar el mítico Templo del Rock porteño.
Poco antes de las 21:30, las luces se apagaron y una monumental pantalla se encendió, mostrando ensoñadoras imágenes de clavadistas realizando saltos ornamentales en cámara lenta, dando el primer indicio de uno de los puntos más elevados que tendría el show: la calidad, buen gusto y potencia del material visual que acompañó a los músicos durante todo el espectáculo, con piezas diversas y diferentes para cada una de las canciones. Segundos después, Bernard Sumner, Stephen Morris, Gillian Gilbert, Phil Cunningham y Tom Chapman pisaron el escenario y abrieron el fuego con “Singularity”.
Y si la recepción que tuvo este tema, el primero de los cuatro que tocaron de su última placa de estudio “Music complete”, fue muy buena, ¡imagínense lo que pasó cuando el riff de “Age of consent” comenzó a sonar!
A partir de ese momento, una verdadera catarata de clásicos comenzó a inundar el recinto de Núñez y a empapar los cuerpos y corazones del respetable, que vibró con cada uno de ellos. Así pasaron “Ultraviolence”, “Disorder” (el primero de Joy Division de la noche), “Your silent face” (una de las mejores interpretaciones de la velada), el ultra hitazo “Bizarre love triangle” y las geniales e inoxidables “True faith”, “Blue monday” y “Temptation”.
Pero, al parecer, las brillantes performances de todos los músicos -que, salvando el bajo volumen inicial, sonaron increíble durante todo el concierto (especial mención para Chapman, ocupando los pesados zapatos que dejó el histórico, talentoso y carismático Peter Hook tras su partida del grupo en 2007 y siempre presente en la memoria de los fans)- no eran suficientes. Faltaba un broche de oro.
Así fue que, tras haber abandonado las tablas por unos minutos, el legendario quinteto volvió para revivir una buena parte de lo que, justamente, los convirtió en leyenda. En otras palabras, esas dos palabras: Joy Division. Y esas otras dos palabras, tan importantes como las primeras: Ian Curtis.
Con imágenes de su ex líder (verdadero ícono de la historia del Rock tras su suicidio en 1980) apareciendo en los videos de las pantallas como si fuese una visión fantasmal (¿efecto buscado?), los ex JD se despacharon con grandes versiones de tres verdaderas gemas post-punk: “Atmosphere”, “Decades” y ese himno que es “Love will tear us apart”.
Y con los británicos felices, y los argentinos más aún, pasó un nuevo show de New Order en la Argentina. Y pasó dejando una certeza: no fue uno más.
En un recital de más de dos horas, los formados en Manchester volvieron a demostrar que son los reyes de este estilo surgido en la riquísima década de los ’80 e hicieron bailar y delirar a un público entusiasta y fiel que, si bien estuvo integrado por un considerable número de fans (en su mayoría pasando los treinta y varios), no llegó a colmar el mítico Templo del Rock porteño.
Poco antes de las 21:30, las luces se apagaron y una monumental pantalla se encendió, mostrando ensoñadoras imágenes de clavadistas realizando saltos ornamentales en cámara lenta, dando el primer indicio de uno de los puntos más elevados que tendría el show: la calidad, buen gusto y potencia del material visual que acompañó a los músicos durante todo el espectáculo, con piezas diversas y diferentes para cada una de las canciones. Segundos después, Bernard Sumner, Stephen Morris, Gillian Gilbert, Phil Cunningham y Tom Chapman pisaron el escenario y abrieron el fuego con “Singularity”.
Y si la recepción que tuvo este tema, el primero de los cuatro que tocaron de su última placa de estudio “Music complete”, fue muy buena, ¡imagínense lo que pasó cuando el riff de “Age of consent” comenzó a sonar!
A partir de ese momento, una verdadera catarata de clásicos comenzó a inundar el recinto de Núñez y a empapar los cuerpos y corazones del respetable, que vibró con cada uno de ellos. Así pasaron “Ultraviolence”, “Disorder” (el primero de Joy Division de la noche), “Your silent face” (una de las mejores interpretaciones de la velada), el ultra hitazo “Bizarre love triangle” y las geniales e inoxidables “True faith”, “Blue monday” y “Temptation”.
Pero, al parecer, las brillantes performances de todos los músicos -que, salvando el bajo volumen inicial, sonaron increíble durante todo el concierto (especial mención para Chapman, ocupando los pesados zapatos que dejó el histórico, talentoso y carismático Peter Hook tras su partida del grupo en 2007 y siempre presente en la memoria de los fans)- no eran suficientes. Faltaba un broche de oro.
Así fue que, tras haber abandonado las tablas por unos minutos, el legendario quinteto volvió para revivir una buena parte de lo que, justamente, los convirtió en leyenda. En otras palabras, esas dos palabras: Joy Division. Y esas otras dos palabras, tan importantes como las primeras: Ian Curtis.
Con imágenes de su ex líder (verdadero ícono de la historia del Rock tras su suicidio en 1980) apareciendo en los videos de las pantallas como si fuese una visión fantasmal (¿efecto buscado?), los ex JD se despacharon con grandes versiones de tres verdaderas gemas post-punk: “Atmosphere”, “Decades” y ese himno que es “Love will tear us apart”.
Y con los británicos felices, y los argentinos más aún, pasó un nuevo show de New Order en la Argentina. Y pasó dejando una certeza: no fue uno más.
Fuente: Diario Popular
viernes, 23 de noviembre de 2018
Jóvenes Pordioseros despide el año y el disco “Late” en el Marquee Session Live
Descarga el corte de difusión "Heredero" en mp3 |
Jóvenes Pordioseros
cierra este 2018 en Capital Federal con un show íntimo y eléctrico en el Marquee Session Live - Scalabrini
Ortiz 666, Caba - mítico lugar
del barrio de Villa Crespo que los vio nacer en los primeros años de la banda el
Viernes 14 de Diciembre
desde las 22hs.
Este concierto pone un cierre al año y despide
el disco "Late",
su álbum de estudio editado a mediados de 2017, y que además dará inicio a los festejos por los 20 años de la banda que se celebrará durante el transcurso del 2019 con la grabación de un DVD y su primer disco en vivo que luego será presentado en todo el país
como es costumbre de la banda liderada por Toti Iglesias recorriendo las ciudades y los pueblos de todas las provincias. Conseguí tus entradas por Sistema Passline.com o
haciendo clic aquí.
Próximas fechas
▶Viernes 14 Diciembre – Marquee Session Live (Caba) DESPIDE EL AÑO Y EL DISCO “LATE”
▶Sábado 22 Diciembre – Mercedes
▶Sábado 29 Diciembre – Florencio Varela (Pcia. Bs. As) REINAS ROCK – 23hs
▶Domingo 30 Diciembre – Del Viso (Pcia. Bs. As) RUTA 26 – 23hs
▶Sábado 22 Diciembre – Mercedes
▶Sábado 29 Diciembre – Florencio Varela (Pcia. Bs. As) REINAS ROCK – 23hs
▶Domingo 30 Diciembre – Del Viso (Pcia. Bs. As) RUTA 26 – 23hs
miércoles, 21 de noviembre de 2018
Conoce a Tabulé y su ultimo single "Los imborrables"
Tabulé es una banda integrada por Nico
Lanz y Gabi Gagliardi formada en la ciudad de Córdoba. La propuesta
musical retoma del rock sus armas más clásicas, del pop su vanguardia y
estructura melódica, y de la electrónica su pulso
generador de baile y encuentro.
Por su parte, la propuesta lírica acompaña la filosofía de la banda: las historias de amor y encuentro, como las de desamor, melancolía y desencuentro, dejar el pasado atrás, reivindicar los errores que nos enseñan sobre quiénes somos, decirle no a los miedos y enfrentar las inseguridades que acompañan nuestro camino, son alguno de los tópicos que se desarrollan en las canciones. Las letras de Tabulé reflejan el espíritu del siglo.
Durante los primeros años la banda se presentó en más de 50 lugares entre bares, boliches y eventos tanto de la capital de Córdoba como del interior, en lugares como Villa Carlos Paz. Este recorrido abrió puertas hacia otras provincias teniendo la posibilidad de abrir el show de Tan Biónica y Los Tipitos en la Fiesta de la Primavera 2014 en la ciudad de La Rioja. Ese mismo año cerraría siendo reconocida como banda revelación en el circuito de música de Córdoba luego de presentarse dos noches seguidas a sala llena en el boliche La Divina.
Desde 2016 Tabulé enfocó sus shows en Buenos Aires y desde entonces sus integrantes viven mitad en esta ciudad y mitad en Córdoba. A principios de 2017 editó un EP de 4 temas que captan lo mejor desde sus inicios hasta este período.
Este trabajo llevó a la banda a participar del Festival Ciudad Emergente 2017 y a entrar en las etapas de audiciones en vivo para la instancia de cuartos de final del concurso Camino a Abbey Road que se llevaron a cabo en la Usina del Arte, en Buenos Aires. La presentación contó con la presencia de artistas como Juanchi Baleiron, Richard Coleman, Diego Uma, Rafael Arcaute.
Actualmente Tabulé prepara la salida de su álbum debut grabado entre febrero y noviembre de 2018 en los estudios Romaphonic bajo la producción de Aaron Oliver. De este disco se desprenden dos singles adelantos "Dame" y "Los imborrables" que están disponibles en todas las plataformas digitales.
Por su parte, la propuesta lírica acompaña la filosofía de la banda: las historias de amor y encuentro, como las de desamor, melancolía y desencuentro, dejar el pasado atrás, reivindicar los errores que nos enseñan sobre quiénes somos, decirle no a los miedos y enfrentar las inseguridades que acompañan nuestro camino, son alguno de los tópicos que se desarrollan en las canciones. Las letras de Tabulé reflejan el espíritu del siglo.
Durante los primeros años la banda se presentó en más de 50 lugares entre bares, boliches y eventos tanto de la capital de Córdoba como del interior, en lugares como Villa Carlos Paz. Este recorrido abrió puertas hacia otras provincias teniendo la posibilidad de abrir el show de Tan Biónica y Los Tipitos en la Fiesta de la Primavera 2014 en la ciudad de La Rioja. Ese mismo año cerraría siendo reconocida como banda revelación en el circuito de música de Córdoba luego de presentarse dos noches seguidas a sala llena en el boliche La Divina.
Desde 2016 Tabulé enfocó sus shows en Buenos Aires y desde entonces sus integrantes viven mitad en esta ciudad y mitad en Córdoba. A principios de 2017 editó un EP de 4 temas que captan lo mejor desde sus inicios hasta este período.
Este trabajo llevó a la banda a participar del Festival Ciudad Emergente 2017 y a entrar en las etapas de audiciones en vivo para la instancia de cuartos de final del concurso Camino a Abbey Road que se llevaron a cabo en la Usina del Arte, en Buenos Aires. La presentación contó con la presencia de artistas como Juanchi Baleiron, Richard Coleman, Diego Uma, Rafael Arcaute.
Actualmente Tabulé prepara la salida de su álbum debut grabado entre febrero y noviembre de 2018 en los estudios Romaphonic bajo la producción de Aaron Oliver. De este disco se desprenden dos singles adelantos "Dame" y "Los imborrables" que están disponibles en todas las plataformas digitales.
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lunes, 19 de noviembre de 2018
Presentamos a Polandria
Fue formada en 2013 por un grupo de amigos del Conservatorio Manuel de Falla. Desde sus comienzos, el quinteto fue armando un repertorio comprendido íntegramente por temas compuestos y arreglados por la banda. Canciones indefinibles o, más bien, eclécticas. Quizás “canción de cámara” o “pop progresivo” sean descripciones aproximadas. Sus canciones son relatos musicales que suelen ser muy distintos entre sí: desde temas acústicos e intimistas con arreglos que remiten a la música académica, hasta canciones con baterías potentes y guitarras distorsionadas.
La característica que mejor define a la banda es la diversidad: de estilos, de instrumentaciones y de personalidades. Siempre dentro del formato canción, experimenta con sonoridades de distintas afluencias: melodías pop con métricas raras, texturas psicodélicas, arreglos con raíces clásicas, folklóricas y jazzeras. O, quizás sin querer, todo al mismo tiempo.
En 2015 graban su primer LP, “Algo ahí que no se ve” en Casa Frida Estudio con la participación de Luciano Dyzenchauz (ex Puente Celeste). Polandria presenta este álbum en vivo en numerosos espacios del circuito under porteño, como Caras y Caretas, CC Julián Centeya, Vuela el pez, Circe, entre otros.
Sus esfuerzos dan fruto y en 2016 la banda es finalista en la convocatoria Proyecto Disco de Estudio Urbano, grabando el simple “Esta realidad / En la lluvia” y en 2017 quedan seleccionados entre los finalistas de la Bienal de Arte Joven de Buenos Aires, presentándose en dos oportunidades en los escenarios del Centro Cultural Recoleta.
La característica que mejor define a la banda es la diversidad: de estilos, de instrumentaciones y de personalidades. Siempre dentro del formato canción, experimenta con sonoridades de distintas afluencias: melodías pop con métricas raras, texturas psicodélicas, arreglos con raíces clásicas, folklóricas y jazzeras. O, quizás sin querer, todo al mismo tiempo.
En 2015 graban su primer LP, “Algo ahí que no se ve” en Casa Frida Estudio con la participación de Luciano Dyzenchauz (ex Puente Celeste). Polandria presenta este álbum en vivo en numerosos espacios del circuito under porteño, como Caras y Caretas, CC Julián Centeya, Vuela el pez, Circe, entre otros.
Sus esfuerzos dan fruto y en 2016 la banda es finalista en la convocatoria Proyecto Disco de Estudio Urbano, grabando el simple “Esta realidad / En la lluvia” y en 2017 quedan seleccionados entre los finalistas de la Bienal de Arte Joven de Buenos Aires, presentándose en dos oportunidades en los escenarios del Centro Cultural Recoleta.
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domingo, 18 de noviembre de 2018
La ciencia analiza el milagro Ozzy Osbourne vivo
John Michael Osbourne (69), conocido en todo el
mundo como Ozzy, es fundador de la banda inglesa Black Sabbath y
considerado hasta estos días como el “Señor de las Tinieblas” y el
“Padrino del Heavy Metal”.
El músico nació en la ciudad de Birmingham, Reino Unido, un 3 de
diciembre de 1948. No caben dudas de que su fama se inició en la década
de los 70, cuando se convirtió en vocalista y líder de la banda antes mencionada. Desde ese momento popularizó canciones como "War pigs", "Paranoid" o "Children of the grave".
Decir que su vida fue frenética desde esos años es quedarse corto, ya que el propio artista confesó en muchos momentos que pasó 30 años borracho y otros 40 adicto a cerca de 10 tipos de drogas diferentes.
Según un reportaje del diario español El País, Osbourne confesó en una entrevista en 1995 que en su juventud más alocada fue adicto a la cocaína, morfina, pastillas para dormir, jarabe para la tos y LSD, entre otras sustancias.
Si a eso le sumamos que en su adolescencia se dedicó a la vida de
pandillero robando en casas particulares para subsistir, razón por la
que estuvo detenido tres meses, se puede decir que su paso por este
mundo ha sido desenfrenado y configura una personalidad casi adictiva.
Sin embargo, hoy lo podemos ver en medio de su gira No More Tours, como un veterano que entrega lo mejor de
sí para deleitar a una fanaticada fiel. Nadie puede entender de dónde
surge esa energía.
Para las nuevas generaciones, Ozzy se hizo conocido al mostrar su
vida en un reality show de la cadena MTV durante 2002 y 2005. En aquel
programa declaró que ni él mismo lograba explicarse cómo estaba vivo tras “haberlo probado todo”, por lo que la respuesta podía estar en sus genes.
Fue esta interrogante la que llevó al laboratorio estadounidense Knome, en 2007, a realizar una proposición insólita a Osbourne: estudiar su genoma para averiguar cómo había resistido a 4 décadas de hábitos sumamente dañinos para la salud.
Fue el propio artista quien aceptó esta propuesta, indicando además que una vez que estuviera muerto donaría su cuerpo a la ciencia para que siguieran haciendo estudios respecto a su resistencia a las sustancias ilícitas.
El mismo confirmó esta investigación al periódico estadounidense Sunday Times, indicando que él mismo tenía curiosidad por saber cómo había llegado a los 60 años de vida con salud plena.
“Tenía curiosidad. Dado el número de piscinas de alcohol que he
bebido a lo largo de los años, por no hablar de la cocaína, morfina,
barbitúricos, LSD, Rohypnol, lo que sea. No había ninguna razón médica plausible de por qué estaba todavía con vida. Tal vez mi ADN podría decir la razón”, expresó en la oportunidad.
Las conclusiones tras 10 años de investigación
Jorge Conde y Nathan Pearson, científicos y directores del laboratorio Knome, indicaron en 2016 en una entrevista a la revista Scientific American que la investigación podría tardar décadas, aunque ya había resultados suficientes para concluir algunas cosas.
En primer lugar, los encargados del estudio indicaron que, por
herencia genética, Ozzy es una persona que está más propensa a
experimentar adicciones y dependencias de sustancia, aunque su
metabolización del alcohol es mucho mejor que la de alguien normal.
“Ozzy lleva varios cientos de miles de variantes que nunca se habían
visto dentro del campo de la ciencia. Pasará mucho tiempo hasta que
podamos responder a todos estas variantes. Muchas de las variantes en el
genoma son acerca de cómo el cerebro procesa toda la dopamina. Ozzy es 2,6 veces más propenso a experimentar alucinaciones con marihuana, tiene un mayor riesgo de adicción a la cocaína (1,3) y mayor predisposición a la dependencia con el alcohol”, expresó Pearson.
A eso agregaron: “En cambio los genes de Osbourne también nos sugieren que es lento para metabolizar el contenido del café”.
En efecto, Pearson destacó que el músico es capaz de metabolizar de
forma más eficiente el alcohol en su cuerpo que una persona corriente,
añadiendo que su variable genética resulta clave.
“Ozzy cuenta con una variante de los genes para procesar el alcohol, el gen ADH4,
que es el responsable de metabolizar todo el alcohol que se toma. Esto
explica de qué forma su cuerpo es capaz de metabolizar de forma más
eficiente la bebida que una persona promedio. Estuvimos ante una persona
que aseguró haber bebido entre una y dos botellas de alcohol al día”.
Por otra parte desde Knome explicaron, según detalla el medio Gizmodo,
que Osbourne tiene 1.3 más probabilidades que una persona normal de ser
adicto a la cocaína, a la vez es menos propenso que alguien normal a
ser consumidor de heroína o tabaco.
“Ozzy cuenta con una variante en el gen CLTCL1 con
una duplicación de esta proteína, a su vez una variante rara e inusual
que provoca una versión distinta a la que produce el resto de los
mortales. En este caso se hace referencia a cómo se comunican las
células nerviosas entre ellas”.
Sin duda, lo que más llamó la atención de aquel informe fue que los científicos encontraron que Ozzy tiene ancestros pertenecientes a un linaje Neandertal.
“Por un largo tiempo, creímos que los neandertales no tenían
descendientes, pero resulta que asiáticos y europeos tienen evidencia de
linaje Neardental… encontramos un pequeño segmento en la cromosoma 10
de Ozzy, que probablemente lleve a un ancestro Neandertal”, estimaron.
Sin embargo, en 2010 los investigadores indicaron a La Vanguardia que este estudio podía tardar décadas, ya que el músico llevaba variables genéticas nunca antes vistas en una persona.
“Ozzy lleva cientos de miles de variables que ningún científico había
visto. Va a pasar un tiempo antes que tengamos la información
suficiente para que la sociedad entienda esas variables”, concluyeron.
Vida de excesos
Dentro de su libro biográfico "I Am Ozzy", el vocalista recordó que conoció y se casó con su esposa Sharon Osbourne en 1971. Ese mismo año tuvo su primera experiencia con la cocaina, la cual fue la puerta de entrada a drogas más duras.
Sus continuos excesos hicieron que fuera expulsado de Black
Sabbath en 1979. Se dice que tras ese hecho estuvo tres meses encerrado
en una habitación y consumiendo diversos tipos de estupefacientes y
alcohol.
El propio Ozzy asegura que si no hubiese sido por su esposa, quien en
1980 lo obligó a entrar en rehabilitación, habría muerto a causa de sus
adicciones.
En 2017, conversando con revista Rolling Stone, el músico aseguró que Sharon fue la persona que lo salvó de muchas crisis existenciales, llevándolo incluso a convertirse en un mejor padre.
“Mi ego manejaba mi vida, pensaba que tenía derecho a ser quien me diera la gana.
Ese no fue el caso, porque cuando traes a alguien al mundo se convierte
en una responsabilidad. Sharon es de esas madres que aunque haya
viajado por todo el mundo, de todos modos regresaría a Inglaterra para
llevar a los niños al zoológico o al cine”, señaló.
A eso agregó: “Mientras ella hacía eso yo estaba en el piso de algún
bar. Pero el estar sobrio les da la esperanza de que regrese para
quedarme. Ahora mi relación con mis hijos es fabulosa”.
La última vez que se supo sobre las adicciones del británico fue en
2013, cuando escribió un dramático posteo en redes sociales indicando
que había estado consumiendo sustancias ilícitas y alcohol por 18 meses.
“Durante el último año y medio he estado bebiendo y tomando drogas.
Estaba hundido en un agujero y he sido un idiota con la gente a la que
más quiero, mi familia. De todas formas, estoy feliz de poder decir que llevo 44 días sobrio”, explicó.
En la oportunidad añadió: “me gustaría pedir perdón a Sharon, mi
familia, mis amigos y mi compañeros de banda por mi demente
comportamiento”.
Cabe señalar que, durante su existencia, tuvo seis hijos y es abuelo de siete nietos. Por ahora tendremos que esperar varios años más hasta que se logren
descifrar qué otros secretos guarda el genoma de Ozzy Osbourne, quien cumplirá 70 años el próximo 3 de diciembre.
Fuente: BioBio
sábado, 17 de noviembre de 2018
Black Sabbath tiene un puente con su nombre en Birmingham
Está ubicado en Birmingham, su ciudad natal, y el arquitecto quiere reunir a los miembros originales para su inauguración
Black Sabbath se retiró de los escenarios con una gira mundial y un
último show en Birmingham, su cuidad natal de Inglaterra. Ahora llegó el
momento de los homenajes y reconocimientos para los pioneros del heavy
metal. Según informó el Birmingham Mail, a través de un proyecto
presentado por el arquitecto Mohammed Osama, fan del grupo, se cambiará
el nombre del puente que se encuentra en Board Street por “Black Sabbath
Bridge”. Pero la iniciativa no finaliza ahí. Los fans que se acerquen
al puente podrán disfrutar de una banca conmemorativa con los retratos
tallados en acero inoxidable junto a la inscripción “Geezer. Ozzy. Tony.
Bill. Made in Birmingham 1968″, diseñado por Tarek Abdelkawi.
En ese lugar en donde se encuentra el puente, Black Sabatth también tendrá su propia constelación en el Paseo de las Estrellas, que se otorga a las personalidades famosas de Birmingham. “Mi visión es reunir a los miembros originales para la revelación de las estrellas y la banca ‘Metal Bench’, que es la joya de la corona de este proyecto”, declaró Osama. “Sería el mejor final y el cierre que puedo imaginar. Para ellos a nivel personal y para sus seguidores en todo el mundo”, agregó el arquitecto. Todavía falta la aprobación del Ayuntamiento de la ciudad para iniciar los trabajos.
En ese lugar en donde se encuentra el puente, Black Sabatth también tendrá su propia constelación en el Paseo de las Estrellas, que se otorga a las personalidades famosas de Birmingham. “Mi visión es reunir a los miembros originales para la revelación de las estrellas y la banca ‘Metal Bench’, que es la joya de la corona de este proyecto”, declaró Osama. “Sería el mejor final y el cierre que puedo imaginar. Para ellos a nivel personal y para sus seguidores en todo el mundo”, agregó el arquitecto. Todavía falta la aprobación del Ayuntamiento de la ciudad para iniciar los trabajos.
Fuente: Soy Rock
viernes, 16 de noviembre de 2018
Blondie: "La tecnología destruyó muchas de nuestras canciones"
Fabrizio Pedrotti - Clem Burke cuenta cómo llegaron al balance con las máquinas en “Pollinator”, y por qué siente que el pop está más clínico. También recuerda su paso por Eurythmics y las veces que puso su cabeza adentro de un horno, antes del Rock & Pop Festival.
“No es que tenés que meter la cara en el horno, sino la parte trasera de tu cráneo. Siempre a una temperatura muy baja, y tratando de ser cuidadoso con tu cabello. ¡Aunque suena loco, funciona!”, dice Clem Burke, el baterista de Blondie, desde Nueva York.
-¿Pero por qué empezaste a hacerlo?
-Bueno, no podía pagar por un secador de pelo, imaginate que eran los ‘70s (risas). Interesantemente, Bob Geldof me recomendó la autobiografía de Rod Stewart. No sé si la leíste, pero ahí cuenta que hacía lo mismo. Por ende, no es tan extraño.
-¿Y seguís con ese método?
-No, ya no. Aunque me sentí bien acompañado cuando me enteré de que Rod también era de los míos, porque tiene uno de los mejores peinados de la industria (más risas). Una gran parte del rock and roll tiene que ver con el cabello, y todos lo sabemos. Fijate el caso de los Beatles, sino.
Pero el verdadero motivo de la entrevista con Clem Burke no es hablar sobre sus obsesiones capilares: Blondie, la banda de la que es casi fundador, vive un gran presente. “Siempre estoy de buen humor cuando hacemos cosas con el grupo. Tengo muchas ganas de ir a Buenos Aires, porque hace más de una década que no estamos por ahí. ¡Es increíble! The Magic Numbers va a tocar con nosotros, ¿verdad? Porque me encantan”, dice con ímpetu detrás del teléfono.
La otra parte de su entusiasmo se da por el décimoprimer álbum de estudio de Blondie, que salió en mayo del año pasado. Las once canciones fueron grabadas en The Magic Shop, el mismo espacio del SoHo en donde David Bowie registró algunas de sus mejores obras.
“Empezamos en Navidad de 2015, y nos tomamos un break. Justo cuando volvimos, él había fallecido. Nos emocionamos mucho, porque podíamos sentir su presencia -señala Burke, que trabajó con el vocalista-. Imaginate que ahí grabó ‘The Next Day’ (2013) y ‘Blackstar’ (2016). Fue triste regresar al lugar, y aunque la gente que laburaba con él tenía un contrato de confidencialidad, nos enteramos de lo que había sufrido y cómo era en el estudio. Irónicamente, The Magic Shop también cerró después de que terminamos nuestro disco, así que fue el final de una era”.
“Pollinator” fue co-escrito junto a figuras como Johnny Marr (The Smiths), Dave Sitek (TV on the Radio, Jane’s Addiction), Nick Valensi (The Strokes), Sia, Charli XCX y Dev Hynes; y recibió 4 estrellas en medios prestigiosos como The Guardian.
Por los resultados, se nota que Debbie Harry, Chris Stein, Clem Burke y compañía disfrutaron mucho del proceso. “La banda está en su mejor versión: tenemos a dos nuevos músicos que son increíbles, el tecladista Matt Katz-Bohen -que se unió en 2008- y el guitarrista Tommy Kessler -incorporado en 2010-. Esta vez, sabíamos que queríamos juntarnos y grabar al mismo tiempo. Eso fue lo que hicimos, sobre todo con las pistas de base. El método fue bastante parecido al de clásicos como ‘Parallel Lines’ (1978) o ‘Eat to the Beat’ (1979). De hecho, el dueño del estudio está remasterizándolos para que salgan en 2019”.
-También van a incluirse otros discos, ¿verdad?
-Sí, “Blondie” (1976), “Plastic Letters” (1977), “Autoamerican” (1980) y “The Hunter” (1982). Pero ahora mismo estrenamos un 12’’ de “Heart of glass”, con todos los demos y demás. Es muy conveniente para que los DJ’s tengan un vinilo con las diferentes versiones, mezclas y tomas. Queremos que los álbumes clásicos lleguen a las generaciones más jóvenes, que por suerte están siguiéndonos mucho.
-¿A qué lo atribuís?
-A internet. Para nosotros fue una buena herramienta, porque nos presentábamos en los programas de los ‘70 y nunca nos volvíamos a ver. Pero ahora, de repente, nos encontramos de nuevo en YouTube. Y creo que el hecho de seguir tocando y sacando discos le permite a los más chicos ver de qué se trata la banda. Es genial lo modernos que ya parecíamos en esos videos de los ‘70 (risas), especialmente con el glamour de Debbie, que era fantástica. Estoy muy feliz de que sigamos juntos, que continúen las giras y que podamos ir a Sudamérica.
LA TECNOLOGÍA, UN ARMA DE DOBLE FILO
Desde el comienzo, Blondie fue inclasificable: la banda -que adoptó ese nombre en honor al apodo que recibía Debbie Harry cuando la acosaban en los ‘70- coqueteó con el punk, la new wave, el disco, el pop, el rap y hasta el reggae. Un elemento que siempre estuvo fueron las bases electrónicas… hasta que, hace poco, Clem Burke sintió que era demasiado.
-“Ghosts of Download” (2014) tuvo muchas baterías programadas, y no quedaste contento. ¿De quién fue la idea de volver a la sangre humana?
-Yo fui el que insistió para que hiciéramos exactamente lo que quedó en “Pollinator”, pero al grupo le llevó tiempo darse cuenta de que éramos capaces de grabar todos a la vez. Siempre hay espontaneidad e improvisación cuando estamos reunidos, y es una parte muy importante del vivo. Desde que Blondie se junta hasta que termina, puede pasar cualquier cosa. Lo mismo en los shows, obviamente que dentro del contexto de las canciones pop. Estuvimos haciendo mucho de eso: no necesariamente cambiándolas drásticamente, pero sí agregando algunas cosas para encontrarnos en sincronía uno con el otro. Igual siempre experimentamos con la tecnología, si te fijás en “Heart of glass”, el rol de la batería programada fue muy importante. Y cuando laburamos con Giorgio Moroder -en “Call me”- tocamos sobre un sintetizador. Volviendo a lo que decías, con los discos previos a “Pollinator” nos dimos cuenta de que los temas realmente cobraban vida en los shows. La tecnología destruyó muchas de nuestras canciones, sobre todo de “Ghosts of Download” y el anterior, “Panic of Girls” (2011). Ambos tienen muy buenas cosas, pero no son de mi agrado.
-Lo gracioso es que también formaste parte de Eurythmics, otra banda llena de sintetizadores. Cuando aparecieron las primeras máquinas, ¿cómo hiciste para sacarles el provecho sin que ocuparan tu espacio? Sé que, por ejemplo, tocabas “en contra” del ritmo.
-Si usás un aparato, la mezcla recién suena más viva cuando le sumás la percusión real. Es interesante que nombres a Eurythmics, porque más allá de que trabajaban con sintetizadores, como en “Sweet dreams”, yo toqué en ese tour y era todo muy orgánico. Cuando grabamos “Revenge” (1986), la gira fue enorme. Éramos músicos muy capaces y no usábamos programaciones en vivo, ni siquiera en canciones como “Sweet dreams” o “Who’s that girl”. La tecnología es un gran agregado, pero creo que ahora se llegó al balance perfecto, como hicimos nosotros en “Pollinator”: la combinamos con excelentes músicos y buenos temas. Las máquinas solas no hacen nada. Todas las herramientas son geniales y tienen sus lados positivos, desde la armónica hasta los sintetizadores, pasando por los banjos. Siempre hay espacio.
Sos zurdo, pero desde el principio usás un kit para diestros. ¿Cuánto de tu sonido creés que hay ahí?
-Ringo Starr también lo era, y es uno de mis bateros favoritos. Me da un estilo diferente, aunque ahora me considero casi ambidiestro. Igual, siendo zurdo, siempre vas a “llevar la batuta” con la mano izquierda; y a la inversa en el otro caso. Pero sí noté que me dio muchos fills únicos. Cuando otros músicos tratan de “emular” mi forma de tocar, les cuesta porque yo llevo el ritmo como un zurdo. Por ejemplo, hago la técnica de “16th notes” en el hi-hat con la izquierda, y es inusual. Así que hay un poco de eso en mi sonido. Por suerte, empecé en una batería para diestros. Incluso probé a hacer lo mismo con la guitarra, pero me fue mucho más difícil.
-Igual. siempre fuiste un arriesgado. Con Eurythmics usabas un tom en lugar del redoblante, y una botella de leche en vez de uno de los platillos...
-(Risas). Bueno, así como Chris y Debbie me abrieron la cabeza, también lo hicieron Annie -Lennox- y Dave -Stewart-, junto con mucha otra gente. Me enseñaron que cualquier cosa está bien en el estudio, y dejaron que haya espacios para experimentar. Fueron muy talentosos y permeables, y es muy importante especialmente con los tracks de las bases. Una canción puede hacerse de muchas formas, pero si es buena, es buena; y funciona con una acústica o sintetizadores. Tanto con Eurythmics como con Blondie teníamos grandes temas, aunque obvio que ahora jugamos más.
-Entiendo.
-A mí encanta tocar, y Debbie ama estar sobre el escenario. En los shows de Blondie hay canciones con programaciones y otras en las que no usamos nada, así que tenemos “lo mejor de los dos mundos”. Un 25% son bases y clicks, pero el resto se da de manera libre. Necesitás tener esa puerta abierta a que cualquier cosa pueda pasar, y a la vez saber qué carajos estás haciendo (risas). Si te fijás en “Live at Leeds” (1970) de The Who, tocaban sobre clicks y pistas. Tampoco tendríamos “A Love Supreme” (1965) de John Coltrane, ni los primeros de Miles Davis, The Rolling Stones o Buddy Holly. Eran todos muy estrictos, más allá de que improvisaban. Cuando ves una banda en la que todo se basa en las programaciones, es aburrido. Me gusta que haya errores de vez en cuando.
-Sí, darle un poco más de humanidad.
-Exacto, como vos dijiste. Por ejemplo, amo el dance de los ‘70, con los Bee Gees, KC & The Sunshine Band y canciones como “Rock the boat” -de The Hues Corporation-. Esos eran verdaderos artistas tocando muy buenos temas. También pasa en la música latina, con las congas y la percusión. Lo hace muy real y emocionante, y lo necesitás. El pop se fue volviendo más clínico con los años, y es una lástima.
EL REGRESO A SUDAMÉRICA
La primera y única vez que Blondie tocó en la Argentina fue en el Personal Fest 2004, junto con Morrissey y Primal Scream. El sábado volverán a compartir escenario con otras bandas, en la vuelta del Rock & Pop Festival, aunque serán los headliners. La grilla se completará con The Vamps, Azealia Banks, The Magic Numbers, Eruca Sativa, Octafonic y Todo Aparenta Normal.
-En el documental “My View” contaste que no te gusta dar shows con los paneles de acrílico alrededor de la batería, porque con el reflejo sólo te ves a vos. ¿Cómo hacés para no desconcentrarte?
-(Piensa). Trato de no ser tan consciente. Es una barrera que controla el ruido, y cuando ponen eso en los estudios, la calidad mejora mucho. A veces me aparta del público, dependiendo de las luces, pero medio que ya me acostumbré. Aunque no es mi aspecto favorito, es lo que necesitan los conciertos de Blondie, y a veces hay que relegar cosas. Si trabajás en conjunto, siempre comprometés algo.
-Obvio, sino es imposible.
-Cuando hay gente puteándose adentro de una banda es porque no están laburando unidos. Tiene que haber una comunicación musical, pero también amistosa y personal. Un ejemplo es el de Los Ramones: mientras estuve en el grupo, no se hablaban uno con el otro. Era horrible, y les dije desde un principio que no quería quedarme, porque había un montón de antagonismo y estrés. Incluso, capaz sea una de las razones por las que ya no viven. Los Beatles, en “A Hard Day’s Night”, crearon el mito de que eran amigos y hermanos, y después Los Ramones lo tiraron abajo en “End of the Century”. Se trataban de una manera terrible, y yo prefiero que mi carrera sea como en “A Hard Day’s Night”. Lo estoy simplificando, pero hay que abrirse en todos los niveles. Lo mismo pasa con la vida en sí: cualquiera debe poder hacer lo que quiera, mientras que no moleste a nadie. La misoginia y la homofobia son malas, y la gente tiene que llevarse bien una con la otra. Aunque claro que es más fácil decirlo que lograrlo. En ese sentido, Blondie es como un microcosmos.
-Volviendo a tu obsesión con el cabello… ¿qué harías si se te cayera hoy?
-Estaría terminado, amigo. ¡Una vez que se va el pelo, el rock and roll también! (risas).
-¿Y nunca se te lastimó adentro del horno?
-No, por suerte al horno nunca le pasó nada (carcajadas).
Fuente: Rock.com.ar
“No es que tenés que meter la cara en el horno, sino la parte trasera de tu cráneo. Siempre a una temperatura muy baja, y tratando de ser cuidadoso con tu cabello. ¡Aunque suena loco, funciona!”, dice Clem Burke, el baterista de Blondie, desde Nueva York.
-¿Pero por qué empezaste a hacerlo?
-Bueno, no podía pagar por un secador de pelo, imaginate que eran los ‘70s (risas). Interesantemente, Bob Geldof me recomendó la autobiografía de Rod Stewart. No sé si la leíste, pero ahí cuenta que hacía lo mismo. Por ende, no es tan extraño.
-¿Y seguís con ese método?
-No, ya no. Aunque me sentí bien acompañado cuando me enteré de que Rod también era de los míos, porque tiene uno de los mejores peinados de la industria (más risas). Una gran parte del rock and roll tiene que ver con el cabello, y todos lo sabemos. Fijate el caso de los Beatles, sino.
Pero el verdadero motivo de la entrevista con Clem Burke no es hablar sobre sus obsesiones capilares: Blondie, la banda de la que es casi fundador, vive un gran presente. “Siempre estoy de buen humor cuando hacemos cosas con el grupo. Tengo muchas ganas de ir a Buenos Aires, porque hace más de una década que no estamos por ahí. ¡Es increíble! The Magic Numbers va a tocar con nosotros, ¿verdad? Porque me encantan”, dice con ímpetu detrás del teléfono.
La otra parte de su entusiasmo se da por el décimoprimer álbum de estudio de Blondie, que salió en mayo del año pasado. Las once canciones fueron grabadas en The Magic Shop, el mismo espacio del SoHo en donde David Bowie registró algunas de sus mejores obras.
“Empezamos en Navidad de 2015, y nos tomamos un break. Justo cuando volvimos, él había fallecido. Nos emocionamos mucho, porque podíamos sentir su presencia -señala Burke, que trabajó con el vocalista-. Imaginate que ahí grabó ‘The Next Day’ (2013) y ‘Blackstar’ (2016). Fue triste regresar al lugar, y aunque la gente que laburaba con él tenía un contrato de confidencialidad, nos enteramos de lo que había sufrido y cómo era en el estudio. Irónicamente, The Magic Shop también cerró después de que terminamos nuestro disco, así que fue el final de una era”.
“Pollinator” fue co-escrito junto a figuras como Johnny Marr (The Smiths), Dave Sitek (TV on the Radio, Jane’s Addiction), Nick Valensi (The Strokes), Sia, Charli XCX y Dev Hynes; y recibió 4 estrellas en medios prestigiosos como The Guardian.
Por los resultados, se nota que Debbie Harry, Chris Stein, Clem Burke y compañía disfrutaron mucho del proceso. “La banda está en su mejor versión: tenemos a dos nuevos músicos que son increíbles, el tecladista Matt Katz-Bohen -que se unió en 2008- y el guitarrista Tommy Kessler -incorporado en 2010-. Esta vez, sabíamos que queríamos juntarnos y grabar al mismo tiempo. Eso fue lo que hicimos, sobre todo con las pistas de base. El método fue bastante parecido al de clásicos como ‘Parallel Lines’ (1978) o ‘Eat to the Beat’ (1979). De hecho, el dueño del estudio está remasterizándolos para que salgan en 2019”.
-También van a incluirse otros discos, ¿verdad?
-Sí, “Blondie” (1976), “Plastic Letters” (1977), “Autoamerican” (1980) y “The Hunter” (1982). Pero ahora mismo estrenamos un 12’’ de “Heart of glass”, con todos los demos y demás. Es muy conveniente para que los DJ’s tengan un vinilo con las diferentes versiones, mezclas y tomas. Queremos que los álbumes clásicos lleguen a las generaciones más jóvenes, que por suerte están siguiéndonos mucho.
-¿A qué lo atribuís?
-A internet. Para nosotros fue una buena herramienta, porque nos presentábamos en los programas de los ‘70 y nunca nos volvíamos a ver. Pero ahora, de repente, nos encontramos de nuevo en YouTube. Y creo que el hecho de seguir tocando y sacando discos le permite a los más chicos ver de qué se trata la banda. Es genial lo modernos que ya parecíamos en esos videos de los ‘70 (risas), especialmente con el glamour de Debbie, que era fantástica. Estoy muy feliz de que sigamos juntos, que continúen las giras y que podamos ir a Sudamérica.
LA TECNOLOGÍA, UN ARMA DE DOBLE FILO
Desde el comienzo, Blondie fue inclasificable: la banda -que adoptó ese nombre en honor al apodo que recibía Debbie Harry cuando la acosaban en los ‘70- coqueteó con el punk, la new wave, el disco, el pop, el rap y hasta el reggae. Un elemento que siempre estuvo fueron las bases electrónicas… hasta que, hace poco, Clem Burke sintió que era demasiado.
-“Ghosts of Download” (2014) tuvo muchas baterías programadas, y no quedaste contento. ¿De quién fue la idea de volver a la sangre humana?
-Yo fui el que insistió para que hiciéramos exactamente lo que quedó en “Pollinator”, pero al grupo le llevó tiempo darse cuenta de que éramos capaces de grabar todos a la vez. Siempre hay espontaneidad e improvisación cuando estamos reunidos, y es una parte muy importante del vivo. Desde que Blondie se junta hasta que termina, puede pasar cualquier cosa. Lo mismo en los shows, obviamente que dentro del contexto de las canciones pop. Estuvimos haciendo mucho de eso: no necesariamente cambiándolas drásticamente, pero sí agregando algunas cosas para encontrarnos en sincronía uno con el otro. Igual siempre experimentamos con la tecnología, si te fijás en “Heart of glass”, el rol de la batería programada fue muy importante. Y cuando laburamos con Giorgio Moroder -en “Call me”- tocamos sobre un sintetizador. Volviendo a lo que decías, con los discos previos a “Pollinator” nos dimos cuenta de que los temas realmente cobraban vida en los shows. La tecnología destruyó muchas de nuestras canciones, sobre todo de “Ghosts of Download” y el anterior, “Panic of Girls” (2011). Ambos tienen muy buenas cosas, pero no son de mi agrado.
-Lo gracioso es que también formaste parte de Eurythmics, otra banda llena de sintetizadores. Cuando aparecieron las primeras máquinas, ¿cómo hiciste para sacarles el provecho sin que ocuparan tu espacio? Sé que, por ejemplo, tocabas “en contra” del ritmo.
-Si usás un aparato, la mezcla recién suena más viva cuando le sumás la percusión real. Es interesante que nombres a Eurythmics, porque más allá de que trabajaban con sintetizadores, como en “Sweet dreams”, yo toqué en ese tour y era todo muy orgánico. Cuando grabamos “Revenge” (1986), la gira fue enorme. Éramos músicos muy capaces y no usábamos programaciones en vivo, ni siquiera en canciones como “Sweet dreams” o “Who’s that girl”. La tecnología es un gran agregado, pero creo que ahora se llegó al balance perfecto, como hicimos nosotros en “Pollinator”: la combinamos con excelentes músicos y buenos temas. Las máquinas solas no hacen nada. Todas las herramientas son geniales y tienen sus lados positivos, desde la armónica hasta los sintetizadores, pasando por los banjos. Siempre hay espacio.
Sos zurdo, pero desde el principio usás un kit para diestros. ¿Cuánto de tu sonido creés que hay ahí?
-Ringo Starr también lo era, y es uno de mis bateros favoritos. Me da un estilo diferente, aunque ahora me considero casi ambidiestro. Igual, siendo zurdo, siempre vas a “llevar la batuta” con la mano izquierda; y a la inversa en el otro caso. Pero sí noté que me dio muchos fills únicos. Cuando otros músicos tratan de “emular” mi forma de tocar, les cuesta porque yo llevo el ritmo como un zurdo. Por ejemplo, hago la técnica de “16th notes” en el hi-hat con la izquierda, y es inusual. Así que hay un poco de eso en mi sonido. Por suerte, empecé en una batería para diestros. Incluso probé a hacer lo mismo con la guitarra, pero me fue mucho más difícil.
-Igual. siempre fuiste un arriesgado. Con Eurythmics usabas un tom en lugar del redoblante, y una botella de leche en vez de uno de los platillos...
-(Risas). Bueno, así como Chris y Debbie me abrieron la cabeza, también lo hicieron Annie -Lennox- y Dave -Stewart-, junto con mucha otra gente. Me enseñaron que cualquier cosa está bien en el estudio, y dejaron que haya espacios para experimentar. Fueron muy talentosos y permeables, y es muy importante especialmente con los tracks de las bases. Una canción puede hacerse de muchas formas, pero si es buena, es buena; y funciona con una acústica o sintetizadores. Tanto con Eurythmics como con Blondie teníamos grandes temas, aunque obvio que ahora jugamos más.
-Entiendo.
-A mí encanta tocar, y Debbie ama estar sobre el escenario. En los shows de Blondie hay canciones con programaciones y otras en las que no usamos nada, así que tenemos “lo mejor de los dos mundos”. Un 25% son bases y clicks, pero el resto se da de manera libre. Necesitás tener esa puerta abierta a que cualquier cosa pueda pasar, y a la vez saber qué carajos estás haciendo (risas). Si te fijás en “Live at Leeds” (1970) de The Who, tocaban sobre clicks y pistas. Tampoco tendríamos “A Love Supreme” (1965) de John Coltrane, ni los primeros de Miles Davis, The Rolling Stones o Buddy Holly. Eran todos muy estrictos, más allá de que improvisaban. Cuando ves una banda en la que todo se basa en las programaciones, es aburrido. Me gusta que haya errores de vez en cuando.
-Sí, darle un poco más de humanidad.
-Exacto, como vos dijiste. Por ejemplo, amo el dance de los ‘70, con los Bee Gees, KC & The Sunshine Band y canciones como “Rock the boat” -de The Hues Corporation-. Esos eran verdaderos artistas tocando muy buenos temas. También pasa en la música latina, con las congas y la percusión. Lo hace muy real y emocionante, y lo necesitás. El pop se fue volviendo más clínico con los años, y es una lástima.
EL REGRESO A SUDAMÉRICA
La primera y única vez que Blondie tocó en la Argentina fue en el Personal Fest 2004, junto con Morrissey y Primal Scream. El sábado volverán a compartir escenario con otras bandas, en la vuelta del Rock & Pop Festival, aunque serán los headliners. La grilla se completará con The Vamps, Azealia Banks, The Magic Numbers, Eruca Sativa, Octafonic y Todo Aparenta Normal.
-En el documental “My View” contaste que no te gusta dar shows con los paneles de acrílico alrededor de la batería, porque con el reflejo sólo te ves a vos. ¿Cómo hacés para no desconcentrarte?
-(Piensa). Trato de no ser tan consciente. Es una barrera que controla el ruido, y cuando ponen eso en los estudios, la calidad mejora mucho. A veces me aparta del público, dependiendo de las luces, pero medio que ya me acostumbré. Aunque no es mi aspecto favorito, es lo que necesitan los conciertos de Blondie, y a veces hay que relegar cosas. Si trabajás en conjunto, siempre comprometés algo.
-Obvio, sino es imposible.
-Cuando hay gente puteándose adentro de una banda es porque no están laburando unidos. Tiene que haber una comunicación musical, pero también amistosa y personal. Un ejemplo es el de Los Ramones: mientras estuve en el grupo, no se hablaban uno con el otro. Era horrible, y les dije desde un principio que no quería quedarme, porque había un montón de antagonismo y estrés. Incluso, capaz sea una de las razones por las que ya no viven. Los Beatles, en “A Hard Day’s Night”, crearon el mito de que eran amigos y hermanos, y después Los Ramones lo tiraron abajo en “End of the Century”. Se trataban de una manera terrible, y yo prefiero que mi carrera sea como en “A Hard Day’s Night”. Lo estoy simplificando, pero hay que abrirse en todos los niveles. Lo mismo pasa con la vida en sí: cualquiera debe poder hacer lo que quiera, mientras que no moleste a nadie. La misoginia y la homofobia son malas, y la gente tiene que llevarse bien una con la otra. Aunque claro que es más fácil decirlo que lograrlo. En ese sentido, Blondie es como un microcosmos.
-Volviendo a tu obsesión con el cabello… ¿qué harías si se te cayera hoy?
-Estaría terminado, amigo. ¡Una vez que se va el pelo, el rock and roll también! (risas).
-¿Y nunca se te lastimó adentro del horno?
-No, por suerte al horno nunca le pasó nada (carcajadas).
Fuente: Rock.com.ar
jueves, 15 de noviembre de 2018
El nacimiento del Heavy Metal y su relación con el inconsciente
Lacan, capturado en un momento profundo, con su puro culebra en la mano |
Julieta Barreyro - Lacan afirma “que el inconsciente está estructurado como un lenguaje”. Hay una división que está en cada uno de nosotros y que la manera más simple y el lugar más “sutil” de ver esa división es a través del lenguaje: escuchando nuestro discurso. Un olvido, un acto fallido. Yo quería hacer algo, pero no lo hice; yo quería decir una cosa, pero dije otra.
Al poco tiempo, JL Parise ( a quien yo considero un Gran Maestro y de quien Aprendo muchísimo) me mostró la raíz etimológica de la palabra “di-ablo”: División al Hablar.
Tengo que Escuchar lo que Digo.
Decir, Hablar, Nombrar, Poner en Palabras. El Poder de La Palabra, eso que todas las Culturas Sagradas Valorizaban por sobre todas las cosas.
Mientras, vemos lo “DIabólico” y lo “DIvino” unidos por el prefijo DI, de DECIR.
Y ya que hablamos de lo DIabólico y lo DIvino: ¿Hay algo más “DIvino” que la música?
Desde las composiciones de Mozart hasta un Ícaro (canto sagrado de poder del Chaman), la música es un puente que nos conecta con mundos y estados de ánimos muy palpables y a la vez muy intangibles.
Sin embargo , volviendo a la “Mitológica” batalla de “lo DIabólico” y lo “DIvino”, en la edad media, la iglesia decidió dejar a un lado lo que ellos consideraban el “diablo” en la Música: el tri-tono (un intervalo o distancia de 3 tonos, el IV y VII grado de una escala tocado al mismo tiempo).
La iglesia cristiana eran tan poderosa e influyente entonces-ya que la mayoría de los reinos de Europa Occidental acataban la autoridad del “Papa” y se veían a sí mismos como resultados de la voluntad de “DIos”- que el tri-tono fue completamente reprimido ya que producía un sonido tan seductor y oscuro, generado por la tensión que esos intervalos producían entre sí, que creían que al escucharlo, que al ejecutarlo, invocaban “fuerzas demoníacas”.
Por muchos años el tri-tono fue prohibido de ser tocado e interpretado. Al tri-tono se lo reprimió.
Y ¿Qué es reprimir? Reprimir es un mecanismo de rechazo que se usa para “contener” “menguar” “regular” algo (una idea o sentimiento, etc) que sea considerado como inaceptable.
Freud decía que “El psicoanálisis nos ha revelado, que la esencia del proceso de la represión no consiste en suprimir y destruir una idea que representa al instinto, sino en impedirle hacerse consciente”.
Pero ese mismo Freud es el que también enseñó “El Retorno de lo Reprimido”. Se trata de un proceso del psiquismo por el que todo aquello que fue “reprimido”, es decir “echado de la parte consciente”, tendrá la tendencia constante de surgir nuevamente, de reaparecer. Aunque, por lo general, la forma en la que lo hace, no es precisamente la que esperamos.
Casualmente la música Blues , cuya escala contiene el Si bemol (el tri-tono) , es la música cuyas raíces provienen del continente Africano. Continente sumamente excomulgado de todo, excluído aún con sus grandes Mitos de Magia y hasta con la historia del Origen de la mismísima humanidad. Será también por eso que nada de África queremos saber.
Pero esa música, de gente reprimida, es la que re-ubicó de la forma menos pensada el tri-tono como actor principal.
Freud, en su escritorio en Londres |
Parise, ese Gran Maestro que cité más arriba, es el mismo que en su libro “Casualizar” escribió :
“... No es extraño que Quienes han Develado Su Secreto y encontrado El Método con que Invocarla...hayan sido llamados “MAGOS”. Pues..Cuando el Hombre perdió El Contacto con La Magia...la llamó Casualidad…”
Y es por Casualidad, que, por lo general, las mejores cosas llegan en La Vida, las mejores Oportunidades y Grandes Inventos. Así mismo lo confesó Tony Iommi. Pero "...¿Quien es Tony Iommi?",se preguntarán Ustedes. Él es uno de los fundadores de Black Sabbath, banda considerada creadora del estilo HEAVY METAL.
Casualmente Tony trabajaba en una fábrica de metal y el día que quiso renunciar para dedicarse a la música , una máquina le cortó parte de dos de sus dedos. Pero él, inspirado en Django Reinhardt -un guitarrista de Jazz que tenía dos dedos paralizados y sólo tocaba con 2 dedos- se hizo unas prótesis de elementos caseros, le quitó tensión a las cuerdas de su guitarra para hacer menos fuerza, y eso afectó la afinación de la misma.
Mientras Geezer Butler - bajista de la banda - junto con Ozzy Osbourne- vocalista- escribían las primeras letras de Black Sabbath inspirados en algunas experiencias perturbadoras que estando en diferentes lugares ambos habían tenido por igual; además de que Geezer estaba sumamente interesado en el ocultismo y en la ciencia ficción.
Toda esa conjunción basada en la Casualidad dió nacimiento al Estilo Heavy Metal.
La primera vez que yo vi claramente la unión entre la Magia y la música fue en ese género, con canciones que transmitían muchísima intensidad, potencia y en cuyos relatos se plasman desde historias fantásticas entre dragones y Magos, hasta la declaración de esa lucha que hay entre lo supuestamente Divino y diabólico.
Aunque muchos prejuzgan el género Heavy Metal, es el lugar en dónde claramente yo percibí en sus canciones esa batalla entre “lo bueno y lo malo”. Esa batalla está totalmente estigmatizada y no transcurren donde el imaginario religioso estandarizó que suceda, sino que es una batalla que cada Quien llevamos a cabo dentro de nosotros mismos en la cual es necesario atravesar y vencer barreras socio-culturales que se interponen entre cada quien y lo que queremos lograr para nosotros mismos.
Años después descubrí, que era mucha mi ignorancia al creer que la conexión entre la Magia y la Música podía estar reducida a un sólo género o acotada a un tiempo-espacio.
Si las antiguas civilizaciones usaban la música para sanar con sus palabras, para aprender matemáticas, para crear la realidad que querían en su aldea, en su pareja, en su cosecha...entonces ellos ya advertían la Unidad Mágica que hay entre lo sutil (canciones) y lo terreno (lo que querían lograr en lo real), y que se corresponden la una con la otra.
Si a nosotros Eso nos parece una inconsistencia, quienes estamos totalmente divididos somos nosotros. Y cuanto más creamos que no tenemos algo que ver con lo que nos pasa, con lo que hacemos, las Casualidades positivas o negativas que producimos, más oportunidades desaprovechamos de crecer espiritualmente en esta encarnación.
Por eso para que el “di-ablo”( y no la imaginería socio-cultural impuesta que nos quieren hacer creer) NO entre en tu realidad o en tu vida, sé uno con tu Palabra, hacé lo que decís y entonces…. lo Divino ...vendrá a vos!!!
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