Blog exclusivo del Proyecto Experimental de Comunicación y Difusión on line DELTA 80 a través del cual se publicará todo lo relacionado al Top Ten semanal, Ranking Mensual, Ranking Anual y entrevistas. A su vez contiene el archivo completo de publicaciones de Delta 80 desde su origen hasta el 30 de agosto de 2021.
Tenemos el placer de anunciar que se viene el primer festival de hard rock, heavy metal y A.O.R de Argentina, festejando el décimo aniversario de Anubis Music.
El Festival Online será el 13 y 14 de agosto 2021, desde Argentina para todo el mundo gratis, solo hay que suscribirte para poder verlo en el canal oficial Anubis Metal Fest: https://www.youtube.com/channel/UCwbKrFMMo8KiQh2IF_hAHZw
En el canal YouTube estaremos publicando videos oficiales y en vivo de los artistas de Anubis Music y de las bandas que participaron en los Shows que organizamos durante estos diez años de vida.
"Defraudado" es el primer single de la sesión que grabó Lucas Galiñanes bajo la dirección de Florencia Minguillón a travé de Discográfica Tempuja y ya esta disponible en YouTube.
Una canción de rock moderna que nace de un estado de impotencia, de enojo y frustración, un desahogo hecho canción, con tintes bluseros, melancólicos. "Defraudado" abreva del rock 70's, con una letra contundente, buenos riffs, mucha dinámica y un final explosivo.
Lucas nos cuenta acerca de la canción “Los nuevos comienzos siempre sueltan un pasado, del cual se aprende, se reflexiona, se analiza, se recuerda y se utiliza para afianzar lo bueno y transmutar lo que ya no sirve… Mi vida, tu vida, la vida, mi búsqueda, mi música, las creaciones, tus acciones, tu cuerpo, mi mente, tiene ciclos, tiene comienzos y finales, constantes y dinámicos, errantes y acertados, estamos en movimiento y reconociendo los estados avanza nuestra consciencia. Este tema suelta una etapa confusa y abraza un porvenir sincero y repleto de sueños reales, se los comparto con amor, es experiencia transformada en canción y la primera de esta hermosa sesión”.
Grabado en 713 Studios por Mariano Cuello. Mezclado y Masterizado por Manuel Gozalvez. Drum Doctor: Miranda López Prieto.
Música a cargo de:
Voz, guitarra, batería, autor y compositor Lucas Galiñanes Guitarra, producción y coros Manuel Gozalvez Batería Melanie Williams Guitarra David Felet Bajo Pablo Buscarons
Lucas nació el 27 de mayo de 1989 en Quilmes. Desde muy chico, bajo la enseñanza de su hermano mayor Sebastian se relaciono con la música, la guitarra, el bajo, la percusión y el canto.
A sus 9 años aprendio los primeros acordes y melodías, a los 12 llegó su primer bateria y a partir de los 14 comenzaron las bandas y shows en vivo. Luego de Leprachauns y Efecto Cero comenzó en el 2007 la era de The Dagg,el primer proyecto encarado con una búsqueda fuerte de identidad y personalidad, donde afianzó la idea de compositor, baterista, vocalista y algunas veces guitarrista. Grabaron y editaron un disco físico, tocaron en grandes escenarios del conurbano, capital y el interior de la provincia hasta el 2017, donde la banda llegó a su fin. Durante esta misma etapa también integró otros proyectos de rock, jazz, improvización libre, bandas de covers y musicales escolares, algunos continuan en la actualidad.
En lo que va de su carrera tuvo el agrado de participar en importantes festivales y escenarios como Vorterix, The Roxy, Niceto, El Recoleta o La Trastienda, entre otros, asi como también en teatros y espacios del interior del país. En varias oportunidades compartiendo con destacados músicos de la actualidad y la escena nacional. En el presente desarrolla su proyecto solista, que nació en el 2014, y dos bandas que integro desde el 2016, Kalatu Alma y Ah? donde apuesta y disfruta de las composiciones originales y en conjunto. Ademas trabaja como productor y gestor cultural en su ciudad con el Sello de Arte Tempuja.
El músico tenía 55 años. Fue un gran referente del stoner y el metal argentino.
Pato Larralde, integrante de la banda Sauron y fundador de Los Antiguos, falleció este domingo, según informaron fuentes cercanas al músico en las redes sociales.
Los Antiguos fue una banda de heavy metal con espacio para el stoner rock y el hard rock más rutero, con letras que hacen especial hincapié en rescatar la cosmovisión de los mapuches y mucha de su filosofía de vida.
Cabe destacar que Pato Larralde fue sobrino del notable folclorista José Larralde y tomó esa visión de la inmensidad geográfica de la Argentina, que tan bien ha retratado su tío, pero también nociones de Atahualpa Yupanqui. Además le sumó un estudio preciso y detallado de los parámetros con los que los pueblos originarios consideraban que estaba regido el mundo.
World Circuit anunció los detalles de las ediciones del 25 aniversario de Buena Vista Social Club, que estarán disponibles el 17 de septiembre y que incluyen 2LP + 2CD Deluxe Book Pack, 2CD Casebook, 2LP Gatefold Vinyl y formato digital. Estas ediciones definitivas están programadas para celebrar el 25 aniversario de la grabación del álbum, y también contendrán el álbum original remasterizado por el ingeniero ganador del GRAMMY Bernie Grundman, así como canciones nunca antes escuchadas de las cintas de la sesión original de 1996, incluida "Vicenta" que se dio a conocer por esas horas. Además, todos los formatos incluyen nuevas notas, fotografías y letras inéditas, con más biografías, impresiones artísticas y una historia escrita del legendario Havana Club original disponible exclusivamente en el formato Deluxe Book Pack.
"Vicenta" es el primero de los temas inéditos extraídos de las sesiones del álbum de 1996, que han sido seleccionados para estas ediciones por el productor Ry Cooder y el productor ejecutivo Nick Gold. Un dúo vocal entre Buena Vista protagonizado por Eliades Ochoa y Compay Segundo, una composición clásica de Compay Segundo, que cuenta la historia de un conocido incendio que el 1 de abril de 1909 destruyó casi todo el pueblo de La Maya. cerca de Santiago de Cuba, donde nació y vivió de niño Eliades Ochoa, entre plantaciones de banano, café y cacao.
La historia, autenticidad y mística de Buena Vista Social Club arde tan brillantemente hoy como siempre para los fanáticos nuevos y viejos. El 26 de marzo de 1996, el trío formado por el director de orquesta cubano Juan de Marcos González, el productor y guitarrista estadounidense Ry Cooder y el productor y propietario del sello discográfico británico Nick Gold reunieron un grupo improvisado de músicos cubanos en los históricos estudios EGREM / Areito de la década de 1950 en Centro Habana. La mayoría de los reunidos eran célebres veteranos de la época dorada de la escena musical cubana de los años cuarenta y cincuenta. Ninguno de ellos tenía idea de que las grabaciones que estaban a punto de producir cambiarían la vida de muchas personas, incluidos ellos mismos, y cambiarían para siempre la posición de la música cubana en el mundo. "Buena Vista Social Club" fue el nombre que se le dio tanto a este extraordinario grupo de músicos como al disco, grabado en tan solo siete días. El estudio, propiedad del sello nacional de Cuba EGREM, se instaló originalmente en la década de 1940 y es célebre como una gran joya en la historia de la grabación. La gran sala con paneles de madera permitió que la grabación se llevara a cabo con el conjunto completo grabado tocando "en vivo", lo que coloca al oyente en la sala entre los músicos. No hay duda de que esto jugó un papel importante en el sonido mágico de las grabaciones finales.
Por la atmósfera de las sesiones de grabación quedó claro que estaba ocurriendo algo muy especial, pero nadie podría haber predicho que “Buena Vista Social Club” se convertiría en un fenómeno mundial: recibió un Grammy en 1997 y, con 8 millones de copias, superó en ventas a cualquier otro disco del mismo género. El impacto de esas sesiones todavía se siente 25 años después, y la vitalidad y el encanto seductor de la rica historia y cultura de Cuba brilla con tanta fuerza como siempre en estas grabaciones definitivas. La aclamación del álbum original ha elevado a los artistas (incluido Ibrahim Ferrer, Eliades Ochoa, Compay Segundo, Rubén González y Omara Portuondo) a la categoría de superestrellas, inspiró una película premiada de Wim Wenders y ha contribuido a popularizar la rica herencia musical de Cuba. Producida por Ry Cooder para World Circuit, la calidad atemporal de la música y el puro entusiasmo de los intérpretes veteranos han asegurado que esta sea una de las grabaciones históricas del siglo XX.
Esta nueva edición incluye temas que fueron grabados durante esa famosa semana de 1996 pero que nunca fueron lanzados; algunas pensadas como sugerencias de repertorio, algunas improvisaciones espontáneas y algunas gemas completamente formadas que son iguales a cualquier cosa en el álbum original. Una de esas gemas desenterradas es “Vicenta”, que se presentó en exclusiva ayer 8 de junio por primera vez. (Escuchala aquí). También hay tomas alternativas de algunas de las ahora famosas y más queridas canciones del álbum.
El productor y guitarrista Ry Cooder dice: “Los muchachos de Buena Vista vuelan alto y nunca pierden una pluma. Si pierdes el barco esta vez, tendrás el blues para siempre".
Juan de Marcos González comenta: “Buena Vista Social Club ha sido probablemente el disco más importante de la música cubana de finales del siglo XX, y definitivamente el que reabrió las puertas del reconocimiento internacional de 'Son Cubano'. Veinticinco años después todavía puedo sentir las vibraciones positivas del estudio y, por supuesto, el placer de haber contribuido en cierta medida al disco que rescató la música de mi país y muchos de sus grandes intérpretes de las sombras”.
Nick Gold dijo: “Buena Vista Social Club es una grabación única en la vida de la música cubana en su mejor momento trascendental. La magia creada en ese estudio de La Habana suena tan vital y hermosa hoy como hace 25 años”.
Eliades Ochoa relata: “Buena Vista Social Club reunió a grandes músicos de la época dorada de la música cubana y llevó con éxito nuestra música tradicional al resto del mundo. Me permitió ser reconocido internacionalmente por los sones, guarachas y boleros que venía haciendo desde que era joven. También me hizo reconectar con músicos a los que admiraba. Buena Vista nos unió a través de la música y éramos una familia bien dirigida. En este 25 aniversario, recordaremos con merecido orgullo a aquellas grandes leyendas que siempre estarán presentes entre nosotros. Celebraremos con alegría el legado del Buena Vista Social Club y la música tradicional cubana”.
Veinticinco años después de los días fortuitos de las grabaciones, y mientras legiones de nuevos fanáticos continúan descubriendo el atractivo perdurable y seductor del álbum, estas ediciones del 25 aniversario nos brindan la oportunidad de acercarnos a la mística y revivir las sesiones de las cuales nació un fenómeno global.
Garbage comparte hoy su tan anticipado séptimo álbum de estudio “No Gods No Masters” a través de Stunvolume / Infectious Music (escuchalo aquí). “Este es un disco que debía hacer”, dice la líder Shirley Manson. "Sólo Dios sabe lo que pensarán los aficionados, pero para mí, personalmente, es inmensamente satisfactorio".
Además del formato CD, se encuentra disponible hoy en plataformas de streaming y descarga una versión de lujo del álbum con versiones de temas clásicos como “Starman” de David Bowie y “Because the night” escrita por Patti Smith y Bruce Springsteen; y cuenta con colaboraciones de Screaming Females, Brody Dalle, Brian Aubert, John Doe y Exene Cervenka. El álbum estará en las tiendas de discos a partir del 12 de junio como parte de “Record store day” disponible en vinilo rosa de edición limitada, con carátulas alternativas.
Producido por Garbage y su histórico colaborador Billy Bush, las semillas del nuevo álbum “No Gods No Masters” se plantaron en el verano de 2018 en el desierto de Palm Springs. El cuarteto se reunió en la casa de uno de los parientes de Steve Marker y esbozó el esqueleto del álbum durante dos semanas, improvisando, experimentando y sintiendo las canciones. Luego juntaron esos demos y tomaron caminos separados, antes de volver a reunirse en Los Ángeles para terminar el disco.
“No Gods No Masters”, elogiado por The New York Times como “una vibrante mezcla de pop gótico y orquestal", es el álbum más político y socialmente cargado de la banda hasta la fecha. La líder Shirley Manson comentó recientemente que para este nuevo álbum se inspiró en el estallido social de Chile de octubre 2019 ya que se encontraba en Santiago en ese momento: "vi con mis propios ojos a la gente levantarse y desafiar a su gobierno y fue una de las experiencias más conmovedoras de mi vida".
Desde el lanzamiento de su álbum debut homónimo en 1995, Garbage ha abierto un camino sonoro único, obteniendo elogios de la crítica y acumulando una gran cantidad de hits, así como siete nominaciones al Grammy y 17 millones de álbumes vendidos.
AC/DC presenta su nuevo video para la canción “Witch’s spell”. El corte está extraído del último álbum de la banda “Power Up”, que fue lanzado en noviembre. El LP presenta la formación actual de AC / DC de Brian Johnson (voz), Phil Rudd (batería), Cliff Williams (bajo), Angus Young (guitarra) y Stevie Young (guitarra). Se grabó durante un período de seis semanas en agosto y septiembre de 2018 en Warehouse Studios en Vancouver con el productor Brendan O’Brien, quien también trabajó en “Black Ice” de 2008 y “Rock Or Bust” de 2014.
“Lo que me gusta de Brendan es que te mantiene trabajando cuando estás haciendo un proyecto con él”, dijo Angus a Rolling Stone. “Él es talentoso. Conoce su bajo, su guitarra y un poco de batería. Cubre el espectro de lo que podemos hacer musicalmente. Es muy bueno porque estás trabajando con un músico, y puede aplicar ese conocimiento musical”.
Aunque AC/DC originalmente planeó lanzar “Power Up” a principios de 2020, la pandemia obligó a la banda a reconsiderarlo. “Esperábamos sacar el álbum antes de que todo esto sucediera”, dijo Angus. “Estaban reuniendo ideas para empaquetar y promocionar videos. Y luego apareció el virus. De alguna manera puso a todos en espera”.
Sobre “Power Up”, el último trabajo de AC/DC
“Power Up” se ubicó en el primer lugar en 18 países, incluido Estados Unidos, donde vendió más de 117.000 copias en la primera semana. El disco marcó el sexto álbum número uno de AC/DC en Australia, donde son el único grupo australiano en la historia que ha tenido un álbum número uno en cinco décadas: “Back In Black” (1980), “Ballbreaker Live” (1990), “Black Ice” (2000), “Rock Or Bust” (2010) y “Power Up” (2020).
“Power Up” fue el álbum vendido más rápido de 2020 en al menos tres de sus mercados más grandes, EE. UU., Australia y el Reino Unido, donde debutó en el número 1.
Ronnie Wood and the Ronnie Wood Band regresan al blues con la segunda entrega de su trilogía de álbumes en vivo: ‘Mr Luck - A Tribute to Jimmy Reed: Live at the Royal Albert Hall’.
El álbum de 18 canciones, que será lanzado por BMG el 3 de septiembre, presenta a The Ronnie Wood Band que incluye a Mick Taylor (ex The Rolling Stones) con increíbles invitados especiales: Bobby Womack, Mick Hucknall y Paul Weller, y rinde tributo a uno de de los héroes musicales e influencias principales de Ronnie: el pionero del electric blues de Mississippi Jimmy Reed.
Grabado en vivo en una noche memorable en el Royal Albert Hall el 1 de noviembre de 2013, este álbum cuenta con impresionantes temas como “Good lover” y “Ghost of a man”. Con una portada de álbum única creada especialmente por Ronnie, Mr Luck estará disponible digitalmente, CD, vinilo y como un hermoso vinilo azul ahumado de edición limitada..
Un “cuento” de dos secuaces
Cuando el guitarrista autodidacta Eddie Taylor transmitió sus habilidades a su amigo Jimmy Reed, seguramente no podría haber imaginado el efecto que esto tendría en la escena del blues de Chicago. Respaldado en luminarios como John Lee Hooker, es mejor recordado por su trabajo con su antiguo alumno.
Una dulce coincidencia fue que en 1974 otro Taylor, Mick, le diera paso a Ronnie Wood en The Rolling Stones, allanando el camino para que estos dos amigos y guitarristas célebres trabajaran en proyectos desde entonces. La culminación de esto hasta la fecha es el lugar de Mick Taylor en The Ronnie Wood Band en el Royal Albert Hall para el Bluesfest de 2013, donde tocaron el ahora legendario set que daría lugar a esta grabación.
Con respecto a Mr. Luck, Ronnie comenta: “Jimmy Reed fue una de las principales influencias de The Rolling Stones y de todas las bandas que aman el blues estadounidense desde esa época hasta la actualidad. Es un honor para mí tener la oportunidad de celebrar su vida y su legado con este homenaje”.
Este álbum marca la segunda de una trilogía de álbumes especiales y personales de Wood y la banda, celebrando a los héroes musicales de Ronnie. El primer álbum de la trilogía, “Mad Lad”, exploró el trabajo de Chuck Berry siendo una emocionante conmemoración después del fallecimiento de Berry hace poco más de dos años. Ronnie estuvo de gira con Berry y fue fanático de toda la vida.
Ronnie Wood es uno de los guitarristas de rock más importantes del mundo y ha sido inducido en dos ocasiones al Salón de la Fama del Rock and Roll, con The Rolling Stones y Faces. Ronnie también ha seguido una notable carrera paralela como artista de gran prestigio y, como narrador natural, ha ganado un récord de tres prestigiosos Sony Radio Personality Awards por su programa The Ronnie Wood Show.
La banda chilena de rock Aisles, acaba de estrenar su primer tema inédito en cinco años, titulado “Fast”, disponible en todas las plataformas digitales a través de Presagio Records. La canción es un adelanto del nuevo disco de estudio del grupo, el cual se publicará durante el segundo semestre de 2021.
La frenética canción del sexteto santiaguino fue influenciada por la potencia de bandas como Foo Fighters y Muse, pero además cuenta con el inconfundible toque exploratorio de Aisles. “La canción y la letra están inspiradas tanto en mi vida personal, con un durísimo quiebre amoroso; la salida de Sebastián, mi hermano, de la banda, pero también en la crisis social mundial que tiene mucho de esta sensación de fin de un ciclo -explica Germán Vergara, compositor y guitarrista del grupo- se trata de seguir un propósito con toda la fuerza que te queda”. Esa sensación fue traducida a una vibra acelerada, con intensos riffs de guitarras.
“Fast” es además el primer tema inédito con el nuevo vocalista de Aisles, Israel Gil, tras la salida de Sebastián Vergara. “Israel le dio la potencia que necesitaba ‘Fast’ porque tiene un registro muy amplio y su interpretación fue estremecedora”, comenta Vergara. El track fue grabado en Estudio del Sur, producido por Angelo Marini y Germán Vergara, y masterizado por el ingeniero estadounidense Randy Merrill (Muse, Paul McCartney, Beck, Liam Gallagher).
El video, por su parte, fue realizado por Lucy Animation Studio, de
Colombia, y su guión fue escrito por el novelista chileno Francisco
Ortega y el guitarrista Germán Vergara. “He estado viendo animé como
Ghost In the Shell, Devilman Crybaby y Akira, y todos se sitúan en un
contexto apocalíptico. Encontré que había muchas similitudes entre la
ficción de estas historias y la realidad que está viviendo Chile y el
mundo, y quisimos transmitir esta analogía con un video de estética
cyberpunk”, comenta el líder de la banda.
El grupo, formado por Germán Vergara, Israel Gil, Rodrigo Sepúlveda (guitarra), Juan Pablo Gaete (teclado), Felipe Candia (batería) y Daniel Concha (bajo), se encuentra finalizando su quinto disco de estudio, el cual será lanzado durante el segundo semestre. En este nuevo trabajo, dejan atrás el concepto y el sonido de “Hawaii” (2016) para abrirse a un sonido más directo y poderoso marcado por bandas como Porcupine Tree, Rush y Animals As Leaders. “Hemos hecho un trabajo muy exhaustivo, nos pusimos la presión de renovarnos y de cambiar de paradigma”, señala el productor y guitarrista.
Originarios de Santiago de Chile, y con cuatro aclamados discos de estudio, Aisles se ha convertido en la banda progresiva sudamericana más importante de las últimas dos décadas. Sus melodías intrincadas y su apertura sonora reflejan su incomparable enfoque musical. El grupo se ha presentado en Norteamérica, Sudamérica y Europa, y ha tocado en vivo en Chile abriendo para bandas icónicas como Marillion y Focus, y también en shows en diversas localidades del país
En 2005, publicaron su álbum debut, titulado “The Yearning”, el cual fue editado en Chile y Estados Unidos, y reconocido por su elegante y delicado trabajo melódico, especialmente en temas épicos como “The Wharf that Holds His Vessel” y “Grey”. En 2009, su segundo álbum, “In Sudden Walks”, inspirado en el teatro y la literatura clásica, fue nominado a Mejor Disco Extranjero en los Prog Awards en Italia. Asimismo, el grupo participó en la 11ª versión del Festival de Rock Progressif Crescendo en Francia. Su tercer trabajo, “4:45 AM”, que indagaba en la soledad del ser humano, publicado en 2013, recibió elogiosas críticas y se ubicó entre los mejores álbumes de ese año en numerosas publicaciones especializadas en rock progresivo.
“Hawaii” (julio de 2016), un disco doble conceptual que narra la vida de la humanidad en el espacio tras la destrucción de la Tierra, fue elegido entre los mejores álbumes del año por medios como Prog (Inglaterra), NeoProg (Francia), Headbangers Latinos (México), Aural Moon (EE.UU.) y Rockaxis (Chile). El éxito del álbum les permitió girar en Europa, Estados Unidos y México.
En 2018, a modo de cierre del ciclo de “Hawaii” publicaron el EP “Live from Estudio del Sur”, complementado con cuatro videos registrados en vivo que se encuentran en YouTube. Tras la salida de su vocalista original, Sebastián Vergara, a fines de ese año, Aisles presentó en septiembre de 2020 a su nuevo cantante, Israel Gil, con quien reiniciaron su constante evolución artística publicando “Smile of tears”, una nueva versión del tema del disco “In sudden walks”. La banda lanzará su quinto trabajo durante el segundo semestre de 2021.
Discografía
Live from Estudio del Sur EP (2018) Hawaii (2016) Live 2014 EP (2015) 4:45 AM (2013) In Sudden Walks (2009) The Yearning (2005)
Aisles es
Israel Gil: voz Germán Vergara: guitarra, vocales Felipe Candia: bateria, percusion Rodrigo Sepúlveda: guitarra, vocales Daniel Concha: bajo Juan Pablo Gaete: teclados
Formada en 2015 por la cantante y compositora estadounidense de raíces bolivianas Patricia Cornejo en compañía del productor colombiano Carlos Marín (ambos radicados en la ciudad de Nueva York), Blssom irrumpe en la escena musical latinoamericana como una sólida promesa del Indie/LatinPop. Con siete sencillos publicados, cuya producción estuvo a cargo del músico argentino Didi Gutman.
Blssom se proyecta como una atractiva nueva propuesta que fusiona
ritmos tropicales y texturas electrónicas de forma elegante. El sonido
de Blssom destila sabor latino y simultáneamente explora la melancolía del R&B. Tradición y modernidad, Latinoamérica y Norteamérica, español e inglés. Todo el espíritu del continente americano se une en Blssom , el dúo conformado por la cantante de origen boliviano Patricia Cornejo y el productor colombiano Carlos Marín, ambos radicados en Nueva York, que acaban de estrenar su primer álbum homónimo, disponible para escuchar en todas las plataformas digitales.
El álbum -cuya producción estuvo a cargo del reconocido músico argentino Didi Gutman (Brazillian Girls)- recopila los seis sencillos que el dúo estuvo lanzando desde el año pasado, sumado al rémix de “Baila conmigo” en manos de Gil Cerezo. Son seis postales sonoras que capturan estos tiempos de mixtura y apertura, borrando las fronteras entre la música urbana, el R&B y el indie pop.
La voz de Patricia Cornejo es sensual y versátil, y encuentra una base firme en los sonidos vibrantes creados por su compañero Carlos Marín. “Veneno”, canción que abre el disco, tiene un beat profundo, perfecto para hacerlo sonar en un auto tuneado durante la noche. Sus estrofas que entremezclan español e inglés tienen una mirada atrevida y sugerente. “Vas”, segunda canción, mantiene una cadencia hipnótica y una base de guitarras eléctricas procesadas, una estructura pop armada a la perfección para radios y discotecas.
“Dímelo” y “Alma paraíso” crean climas de melancolía R&B con raíces latinas. Ambas tienen un halo de sensualidad y misterio, en buena medida gracias al poder de la voz de Patricia Cornejo que se adueña de cada género que interpreta.
Con la noche como escenario y lo no dicho como rector de la letra, “Baila conmigo” se nutre de los ritmos tropicales -entre la música urbana y la cumbia- y se combinan con texturas electrónicas, levantando el ritmo a niveles irresistibles. “Miel animal” mantiene el mismo espíritu, aunque apuntando a una zona más funk y latin-disco. “Dejate llevar, dejate caer, quiero aprovechar este momento”, canta la compositora empujando la canción a las profundidades de la noche. El cierre llega con una versión remixada de “Baila conmigo” a cargo de Gil Cerezo (reconocido DJ y líder del grupo Kinky), quien potencia la canción con beats y estimulantes.
La artista dominicana Adriana Torrón estrena hoy viernes "Soltera", el primer single y carta de presentación de su próximo álbum y punta de lanza para su expansión en el mercado internacional.
Con tan solo 18 años, esta joven cantautora ha sabido abrirse paso en la escena musical. Hace tan solo un año se inició como artista con el lanzamiento de "Au", "Uña con diamante" y "Al revés", canciones con las cuales se ganó rápidamente el cariño del público. El apoyo de sus fans alrededor del mundo fue inmediato y es ese deseo de estar cerca de sus fanáticos lo que la ha impulsado a lanzarse a la conquista del mercado internacional.
"Soltera" es una canción pop, con el cual Adriana da rienda suelta a su creatividad y talento para componer, explorando varios ritmos y fusiones con toques urbanos. De la mano del productor Luis Salazar y junto a la propia Adriana y Omar Sabino en la composición de "Soltera", el tema se concibe como un himno de fortaleza, en representación de una mujer segura, empoderada y dueña de su futuro.
Dijo Adriana Torrón: “Yo como joven tengo el compromiso de utilizar mi talento y visibilidad para servir de ejemplo y ayudar a todas esas jóvenes que no encuentran su voz interior o tienen quebrantadas sus fortalezas. Quiero servirles de inspiración y apoyo para que alcancen sus sueños. Quiero que "Soltera" sea esa inyección para que crezcan, florezcan y triunfen en todo lo que se propongan, ya sea en compañía de una pareja o solteras.”
La canción "Soltera" viene acompañada de un videoclip que fue grabado en su República Dominicana natal y dirigido por Carlos Spinell y Victor Rangell (Movie Warriors), quienes han trabajado con otras grandes figuras.
Adriana Torrón ya se encuentra trabajando en lo que será su primer EP y en los próximos meses iniciará una extensa gira de promoción que la llevará a Estados Unidos y varios países de Centro y Sudamérica. Argentina, Chile, Colombia y Ecuador serán algunos de los países que la artista visitará próximamente.
La banda argentina Helker sufrió dos deserciones en medio del proceso de nuevo material. La información que publicaron en sus redes es la siguiente:
Queremos informarles que Lucas Garay Basualdo y Aaron Briglia, decidieron dejar de ser parte de Helker y seguir sus propios caminos.
Dadas las circunstancias y la inesperada noticia, tenemos que rearmarnos y encontrar nuevos integrantes.
Por otro lado, seguimos trabajando en el nuevo material, el cual está prácticamente compuesto y estamos ansiosos de poder compartirlo con ustedes! Les agradecemos el cariño y el apoyo que nos brindaron estos hermosos 23 años, estando tanto en los buenos como en los malos momentos. Vamos a salir adelante como siempre lo hicimos, les pedimos paciencia y tiempo para poder afrontar estos cambios. Un gran abrazo a todos
Heler nació en 1998 y con 23 años de recorrido han editado 10 álbumes, han trabajado con glorias del metal de la talla de Ralph Sheepers y Mat Sinner (vocalista y bajista de Primal Fear) y Tim Ripper Owens, han hecho giras a lo largo y ancho del país por Sudamérica y Estados Unidos, donde han dado un show propio en Queens (Nueva York) y participado en el festival anual llamado “ProgPower” en Atlanta, Georgia.
De
los músicos fundadores solo permanece en la actualidad Mariano Ríos,
completando la formación actual con Tomás Miranda (guitarra) y Hernán
“Cuta” Coronel (batería). Habrá que estar atento las próximas para ver
quiènes se suman en voz y bajo.
“Pureza” es el nombre que lleva el primer LP de la artista catalana que se perfila como una de las grandes promesas de la nueva música en español. Un álbum lleno de actitud y sin complejos que funciona como declaración de principios y síntesis autobiográfica.
El disco es un viaje de 9 canciones de hip hop, flamenco y R&B con letras que hablan sobre lo que más le atraviesa a ella, mujer de clase trabajadora, nacida y criada en Santa Coloma de Gramenet, periferia de Barcelona. “Pureza” es un disco publicado de la mano de Costa Futuro y Say it Loud.
El disco empieza con “Orígen” que es un homenaje al arte echo por mujeres, donde aparecen las voces de Mayte Marti, Mercedes Sosa y Lola Flores, tres mujeres de diferentes épocas hablando sobre el concepto de ser artista acompañado por una instrumental de sintes y teclas que sigue con “Tu Boca”, el primer adelanto del disco donde Queralt Lahoz explora su punto más tierno y sensual sobre un R & B delicado.
El viaje continua con “De la Cueva a los Olivos” que es una oda a los orígenes, donde nació su madre -la cueva- y el presente –los olivos-. Es un bonus track que entrelaza elegantemente los ritmos latinos del bolero, las coplas flamencas, el hip hop y el R&B, trasluciendo toda la riqueza musical y narrativa detrás de su universo creativo.
“Con poco” es la canción con mas fuerza del disco, puro sonido hip hop 90’ que reivindica la mujer fuerte vacilona y empoderada. “Si la luna quiere” es el último adelanto del disco, donde la artista enseña su parte más íntima y orgánica donde colabora el guitarrista de flamenco Oscar Soriano.
Con la publicación del disco se resuelve el misterio de “la Misa”, publicada en julio de 2019, esta canción es la introducción a “El tiroteo” dos temas que desafían a la autoridad y a las fuerzas de poder que prometen pero nunca dicen. “El Tiroteo” es una canción de flamenco con rock progresivo, un guiño y homenaje al disco de Omega de Morente. Es de las piezas más importantes del disco donde colabora el flautista y saxofonista de jazz flamenco Jorge Pardo, músico que ha trabajado con Paco de Lucía, Camarón. "Dame doblones" es el segundo adelanto del disco donde la cantante arriesga con una postura insumisa y explosiva. “Ya no” es el desenlace, donde la artista habla de la ruptura de una relación escrita des del empoderamiento, des de la fortaleza de saber cuando acabar con una relación. Esta canción pasa de la melancolía a la fuerza.
Con apenas un EP publicado, Queralt Lahoz se ha convertido en una de las cantantes emergentes más prometedoras de la escena independiente. Las 5 canciones que formaban 1917 demostraron que estamos ante una artista con una sensibilidad y un estilo únicos, capaz de fusionar estilos como el rap, el flamenco, el R&B y la copla sin que ninguno pierda un ápice de su alma. Nutriéndolos, además, de un mensaje rico, poético y reivindicativo. La artista lleva meses de intensa actividad en vivo en Barcelona y Madrid y de importantes hitos promocionales en EUA, España, México, Argentina y Chile.
La música de Queralt Lahoz está atravesada por los sonidos latinos, callejeros y urbanos: el soul, el hip hop, el trap y el dancehall dialogan con gracia y naturalidad sobre un aura de coplas y boleros que emergen de manera espontánea en una suerte de revelación incontenible de sus orígenes flamencos y sus paisajes personales.
Nacida en Santa Coloma de Gramanet, núcleo de migración andaluza en la periferia de Barcelona, donde migró gran parte de su familia procedente de Granada, descansa en su tradición, se apoya en la genealogía de las mujeres trabajadoras de su vida y en su infancia suburbana, para trazar un puente florido entre pasado, presente y futuro, que imprime a su música un carácter inconfundible.
Con esta combinación Queralt Lahoz desafía lo convencional y es capaz de transmitir la fuerza y la delicadeza propias de una superviviente. Queralt Lahoz tiene una de las voces mas prometedoras de la escena, tiene la capacidad de cantar un bolero clásico y rapear al más puro estilo 90’, esta es la versatilidad que respira su debut.
Juan Ibarlucía nos presenta “Alma I” la primera pieza de un tríptico compuesto junto a Julián Tenenbaum. “Alma I” es una obra para piano, cuerdas y electrónica y ya está disponible en todas las tiendas digitales.
Alma es una obra para piano y electrónica dividida en tres movimientos, numerados I a III respectivamente. Nos cuenta Juan “Es una obra íntima y frágil, afectada y atravesada por este momento tan particular que vivimos vinculados en forma cotidiana con la tristeza, la incertidumbre y la perdida., que realizamos con Julián Tenenbaum. ALMA es una pieza atravesada por esa energía, una pequeña ofrenda quebradiza y frágil que intenta ser un hombro amigo, un cálido consuelo. Entre tanta distancia y aislamiento, la música es un tejido vivo que nos reúne, una excusa para el encuentro.”
Juan Ibarlucía continúa “Cuando la peste comenzó intenté a consciencia no sumarme a las interpretaciones apresuradas y no hacer un disco que la tratara directamente. Pero la música tiene sus recorridos misteriosos y el clima meditativo y vulnerable de estas tres piezas fue, creo hoy, nuestra forma de elaborar este momento tan difícil. En Alma no van a encontrar confrontación ni teoría alguna. Van a encontrar belleza y fragilidad. Van a encontrarnos expuestos, susurrando un intercambio musical que es también una forma de la amistad.”
Juan Ibarlucía es un compositor, cantautor, productor e investigador argentino. Conocido públicamente como fundador de Pommez Internacional – proyecto ubicado en la intersección entre música popular y de vanguardia con cuatro discos editados y conciertos en festivales y salas de LATAM, España y USA.
Su trayectoria le ha valido un nombre como cronista de la gran ciudad latinoamericana y promotor de la innovación sonora. Su música – alguna vez definida como “El Sonido de dos autos chocando a 130 km por hora” (Clarín) – captura una experiencia “Demandante y dramática, siempre a punto de estallar” (Página 12). En paralelo, Juan ha desarrollado una carrera como compositor para cine, teatro y danza, realizando una serie de músicas que combinan la música de cámara y la experimentación electrónica: La Cuarta Dimensión (Mención Especial LATAM BAFICI), La Carrera del Animal (Ganadora Competencia Arg BAFICI) y Anfibias (Selección Oficial X Festival de Danza Contemporánea).
Desde 2018 dirige Territorio, anti escuela de artes y plataforma destacada de la cultura lateral sudamericana. Co-realizó la Residencia El Tejido Vivo en Cusco Perú y realizó actividades educativas en Perú, Ecuador y El Salvador. En 2019 y 2020 fue distinguido por el Fondo Nacional de las Artes y el Instituto Nacional de Música.
En 2021, Juan publicará “El Ardor”, su primer disco de canciones solistas.
El mítico baterista contó todos los detalles sobre la segunda edición de "A toda makina" esta vez en formato de CD. Con su estilo particular, y siendo un referente en la música nacional Michel Peyronel, ex baterista de Riff, recordó como fue la preparación del disco, recordó detalles de la grabación y también aprovechamos para hablar de Humanoides Disidentes, su actual banda.
¿Cómo fue poder llevar al físico después de tantos años a “A todo makina”? y ¿Cómo surgió el material para el álbum?
Fue algo que pensamos con Stuka porque nunca había salido en CD este disco, que es para muchos un disco de culto, porque la verdad que lo hice, lo grabe justo después que pasó el quilombo este de Ferro, que tuvimos con Riif y tratamos de pacificar un poco a las huestes y no, nos salió todo al revés se armó un quilombo bárbaro. El asunto es que en ese momento decidimos que ya estaba bien con el grupo como estábamos porque no podíamos avanzar. Estaba todo esto de las cadenas, la cosa pesada y el quilombo… dijimos paremos un cacho. Yo venía escribiendo los temas, algunos con Pappo y otros estaba simplemente esbozándolos primero y me encontré con material que tenía y dije bueno, ,está bárbaro poder hacer mi propio disco con esto y me junte con Stuka, estaba también mi hermano todavía en Argentina (Danny) y con un compañero mío del colegio que era bajista de mi primera banda. Así que bueno, con estos personajes armamos una linda bandita. Con Stuka escribimos prácticamente todo el material, salvo los temas que ya tenía con Pappo que eran “Hoy soy solo otro sobreviviente” y “Amante desalmado”, esos dos temas. También hay un tema con mi hermano que es “No quiero parar” y salió un disco bárbaro, muy especial porque a mí se me había ocurrido esta idea de grabar la batería de una manera completamente distinta y fue muy gracioso porque lo grabamos en los estudios de Music Hall, pero la batería la lleve al hall de Music Hall. Que era en el hall de entrada, afuera, enfrente de donde estaba el ascensor y como era semana santa no había nadie trabajando, era un edificio de oficinas y nadie iba a usar los ascensores ni nada. Una vez llegó alguien, una mina creo que fue y bajó justo del ascensor en medio de una toma, y estaba yo tocando la bata… te imaginas, todo microfoneado y hacía un quilombo espectacular. El asunto es que salió un sonido bárbaro, con un remix de bonus track by Nico Guerrieri.
Y la compañía de discos, que en ese momento era TonoDisc, hizo un cóctel de lanzamiento y que se yo y yo agarre y en vez de salir a tocar el disco, que era la idea, nada, decidí me voy a España y me fui a tratar de lograr que lo editaran allá y me distraje después porque cuando estaba allá, estaba cerca de editarlo y demás pero empezamos a armar Tarza con mi hermano y con Salvador Domínguez y nada perdí interés en este. Bah, no es que perdí interés, me olvide completamente. Entonces hicimos Tarzen y conseguimos un deal internacional y la verdad que nos fue bastante bien así que me olvidé que había hecho este disco y años después me entero que había vendido bastante. No sé si 10.000 unidades o una cosa así, sin hacer yo nada al respecto porque no estaba acá para tocarlo en vivo ni nada, fue muy loco. El asunto es que pasaron los años y todo el mundo me decía cuando vas a hacer un disco en CD. Finalmente yo me hice de los derechos porque desaparecieron. Este disco quedó, como todo el material de Riff que cambió de compañía y en uno de esos cambios que hubo mi disco desapareció. O sea, no quedó en la anterior, ni en la siguiente. Así que dije bueno, voy a hacerme cargo yo de los derechos y editar mi propio disco. Aparte que habían pasado tantos años y demás.
Se me ocurrió hacerlo ahora, aparte de remasterizarlo con Álvaro Villagra que es mi amigo del alma y mi compañero también de aventuras, con él grabe montones de discos hicimos de todo. Lo lleve a Abbey Road antes de que empezara la pandemia a hacer un disco que produje allá de una banda que ganó el concurso de “Camino a Abbey Road” y ahí fuimos con Álvaro. Él de ingeniero y yo de productor. Estuvo muy bueno. Volviendo a la Maquina, hizo un muy buen remasterizado. Ahora tiene un sonido más poderoso todavía y aparte le agregamos un remix que hizo un amigo mio que es Nico Guerrierie del Sello Oid Mortales, que también es un estudio de grabación. Hizo un remix muy divertido, muy piola de gansters, y quedó una versión así medio discotequera muy bizarra, muy berlinesa. Todo eso está y en vez de 8 temas, ahora son 9, con el remix este y quedó piolísimo. Ya vendímos toda la primera edición y ahora lanzamos la segunda.
¿Qué podés contarnos de los temas?
Yo siempre fui autor de los temas futuristas de Riff. "La pantalla del mundo nuevo" ni hablar, pero hay mucho así como “La frontera inesperada", "Zona de nadie", muchos temas así tipo futuristas que a mí me apasiona todo eso. Soy un fanático de la ciencia ficción y me gusta todo lo que es apocalíptico también y todo eso… que es un poco la temática del “Sobreviviente” (tema), lo de "A toda makina" es un rock muy «Mad Max» en algún punto, todos los que aman la carretera lo van a entender.
La estética de la placa tiene esa onda también…
Sí, el auto que está que es un Belair del 56 que yo tenía en esos días que Justamente en la letra del "Sobreviviente" habla de que quedó afectado por las bombas nucleares y predice el futuro en el capot y dice: "Una imagen se resuelve en el capot de un Belair” y habla de eso justamente. Es de lo que me gusta escribir.
Sobre las fotos y el arte producción
Las fotos las hicimos con… no me acuerdo si había una máquina de humo o eran amigos míos fumando nada más… pero había un poco de humo y la letra como está escrita y mi nombre es con un mecano, que agarre un mecano… aclaro que nunca tuve un mecano en mi vida pero me hubiera gustado (risas) pero alguien tenía un mecano y me encantaban las letras esas, las chapitas… entonces agarre, y escribí dos letras, para ver como quedaría con las tuerquitas y que se yo y después lo hice cromar. Entonces el fotógrafo de la compañía, u otro fotógrafo nuestro no me acuerdo, hizo la foto sobre un paño creo que era negro de, vas a ver que hay unas letras que quedaron mejores que otras porque como agarra la luz, porque era cromado, no hay nada hecho por compu, nada…no había nada de todo eso. Todo analógico, así que quedó piola, interesante, y era muy de vanguardia.
Así lo refleja el sonido…
¡Claro! Desde la forma en la que se grabó y como estamos tocando. Si bien yo estaba en el hall solo con la batería, para hacer las bases y todo eso, Stuka estaba en otro lugar con la viola y mi hermano en gran parte de los temas estaba con un piano acústico en la sala del estudio, junto con el bajista que estaba por ahí y te digo que muchas veces, la gente no sabe, pero es re difícil mantener un rocanrol así ajustado tocando de esa manera, y como instrumento rítmico nada más que el piano. Porque incluso muchas de las cosas, no me acuerdo si las guitarras las pusimos después, pero que tocamos con Danny con un piano acústico. El tema “No quiero parar”, está todo re roqueado con piano acústico… no hay ningún otra cosa.
El sonido por ahí es un poco sucio, pero técnicamente es difícil, lo que te hace mucho bardo cuando grabas con tanto ambiente. Imaginate lo que hay en un hall, no hay ninguna acústica ni nada. Era el hall donde están los ascensores, hay palieres, sin acústica ni nada, todo un rebote terrible. Pero claro, lo que te hace mucho quilombo, lo ideal hubiera sido grabar, sin los platillos pero es muy difícil hacer eso y después agregar los platillos… y aparte muy raro para tocar. Finalmente lo grabamos así como estaba y quedó un poco bardo en algunas partes, suena bardo, pero un lindo bardo, poderoso bardo.
Aprovecho y te consulto por Humanoides Disidentes…
Tengo un estudio en casa y está sonando re bien. De hecho mi disco solista, y el nuevo con Humanoides Disidentes va a salir este año también. Se va a llamar “Made in pandemia”, que fue grabado justamente en la forma que se podía grabar en estas condiciones, a la distancia, pero vas a ver lo tremendo que suena. Por más que este hecho de una manera distinta, igual el rock es tremendo. Cuando se pueda vamos a tocar en vivo “A toda makina” y tenemos la idea con Humanoides de hacer un streaming, por ahí desde casa, y vamos a encontrarle la vuelta para volver a estar en es escenario. El disco esta bueno, y tiene cosas muy interesantes.
“El peor año de mi vida concluye con el mejor disco de mi vida”, sentenció el músico sobre su nuevo disco, Bonfire Of Teenagers, listo para ser vendido al mejor postor.
Morrissey tiene terminado un nuevo disco pero, otra vez, está sin sello discográfico. Anunciado a través de su sitio web y descripto como "el mejor disco de mi vida", el material de once canciones se titula Bonfire Of Teenagers y fue completado recientemente en Los Ángeles.
El decimocuarto disco solista del inglés, sucesor de "I am not a dog on a chain" (2020), es el primero que hace después de ser despedido de BMG en noviembre del año pasado. Y tal como anuncia en su sitio, el flamante material "será vendido al sello que más alto apueste".
"El peor año de mi vida concluye con el mejor disco de mi vida", sentenció Moz en su sitio web días después de cumplir 62 años. Acompañó la noticia con el arte de tapa y lista de temas que podés ver al final de esta nota.
Según lo publicado por Morrissey en noviembre pasado, la decisión de BMG -que había publicado los últimos tres discos del ex The Smiths- se debió a que la compañía nombró "a un nuevo ejecutivo que no quiere otro disco de Morrissey". Una situación similar vivió en 2014, cuando Capitol Music Group lo desvinculó de sus filas.
En las últimas semanas, Morrissey fue noticia por su aparición en Los Simpson que no le cayó nada bien y el anuncio de su colaboración A$AP Rocky en el próximo álbum del rapero.
“D&F”, el nuevo disco de Dharma y Flora, es como una lluvia en medio de un incendio. Mientras el mundo vive épocas tumultuosas, el cuarteto porteño va a contramano y entrega una obra llena de frescura pop. En sus ocho canciones, a lo largo de 26 minutos, captura algo de la velocidad de estos tiempos, pero no se deja llevar por la urgencia. Cada canción está trabajada al detalle para crear su propio clima, y al mismo tiempo, forman un todo conceptual que es más que la suma de sus partes.
“Pensando en vos”, tema que abre el disco, arranca fuerte, con un riff de sintetizadores celebratorio y un ritmo que avanza sin mirar atrás. De entrada, se luce el gran trabajo melódico de la banda, una constante a lo largo del álbum. “Infieles” y “El recuerdo” despliegan un pop sofisticado para el cuerpo y los sentimientos, con el groove como protagonista principal, y demostrando que la elegancia y el swing son una de las búsquedas conceptuales. Los aires al pop setentoso aparecen con referencias a ABBA, Barry White y Michael Jackson, aunque también están atentos a artistas más contemporáneos como Phoenix, Bruno Mars, The 1975 y Harry Styles.
Si bien los sintetizadores a cargo de Tomas Iglesias son la espina medular del sonido de Dharma y Flora, hay un espíritu muy orgánico en sus composiciones. Una balada mecanizada como “Mi cumpleaños” consigue emocionar y generar un ambiente de melancolía nocturna. El clímax del estribillo está hecho a la medida de un show en vivo. “Lo que nos pasa” levanta el ritmo (con un gran trabajo del baterista Julian Irigoyen), pero la melancolía se queda, con una letra que orbita sobre los desencuentros y la soledad.
“Ella se fue” coquetea con el rock, con la guitarra de Francisco Podesta al frente. Como contrapunto, “Una canción” muestra el lado más despojado de la banda. Una balada al piano que reflexiona sobre las canciones de (des)amor, memorable y emotiva, que sin dudas será otro momento especial en sus shows en vivo. El cierre llega con “1557”, un tema optimista que celebra los vínculos personales, perfecto para cantar con amigos.
El resultado final es disco de movimiento y sensibilidad que funciona como una bocanada de aire fresco en medio del caos.
La Cara de los Últimos nace en 2012 como una búsqueda de texturas musicales, sonidos orgánicos espaciales, distorsionados y enérgicos. La banda integrada por Leandro Troiano en guitarras, sintetizadores y voz, Vanina Becares en bajo y voz, Mario Mendoza en batería, Bruno Buyo en guitarra y Leandro Buyo en sintetizadores fusiona indie, pop, rock alternativo y letras que reflejan inquietudes generacionales.
“En puntas de pie”, una canción bailable y diferente, es el nuevo single de La Cara de los Últimos y ya está disponible en todas las plataformas de streaming.
“En puntas de pie” es una canción diferente dentro del universo de la banda. Una búsqueda sonora nueva donde predominan los sonidos electrónicos modernos y abstractos. La canción está sumergida en un groove afro/jungle que se fusiona muy bien con texturas de sintetizadores y el vuelo sensorial y onírico de la letra. La producción de Florencio Finkel aportó nuevos sonidos, ritmos y loops al estilo de canción pop al que nos tiene acostumbrados La Cara de los Últimos.
El video que acompaña a “En puntas de pie” completa, desde lo audiovisual, de forma certera la nueva propuesta sonora de la banda. Protagonizado por Nazarena Ramos Mejía y realizado por India Audiovisuales bajo la dirección Leandro Troiano y la idea de Vanina Becares.
Después de casi siete años, la banda de rock Counting Crows, nominada al Grammy a los Premios Oscar, lanzó su nuevo proyecto “Butter miracle, Suite One” a través de BMG. Producida por Brian Deck, la suite de cuatro canciones y diecinueve minutos ya está disponible en todo el mundo.
Adam Duritz, cantante de Counting Crows, escribió “Butter miracle, Suite One” mientras vivía solo en la granja de un amigo en la Inglaterra rural en el verano de 2019. Después de una pausa de cinco años en la composición de canciones y finalmente sintiéndose inspirado por su entorno y los frecuentes períodos de aislamiento, Duritz escribió la primera canción del disco, "The tall grass". La letra, que recuerda su estado de ánimo, es simple, casi como un lamento al principio, pero se abre con un cambio sutil de secuencias de acordes y melodías florecientes. Mientras escribía el final de "The tall grass", Adam descubrió que fluía sin esfuerzo hacia otra canción, "Elevator boots", el primer single de la banda en casi siete años que llegó al Top 10 en radios adulto-alternativas (AAA Radio) en menos de dos semanas.
Letras que cambian melodías y melodías que cambian la música, “Butter miracle, Suite One” se escribió estilísticamente para que cada canción fluyera sin problemas hacia la siguiente. "Elevator boots" da paso a "Angel of 14th Street", un retrato mítico de la ciudad de Nueva York cuyo choque climático es el primer acorde de poder en la introducción de la canción final: "Bobby and the Rat Kings"; un track profundamente personal para completar la suite que rinde homenaje a la adolescencia de Duritz en San Francisco, el encanto de lo que ocurre en medio de la noche y la misteriosa magia de la música.
Junto al lanzamiento del disco, Counting Crows anunció su regreso a los escenarios con la gira "Butter Miracle" que comenzará en agosto de 2021. Las fechas y ciudades de la gira están disponibles en CountingCrows.com
Garbage dio a conocer su nuevo single “Wolves” junto al videoclip que lo acompaña realizado por la directora de cine, animadora y pintora chilena Javi MiAmor.
“Wolves” es la continuación a la canción principal del álbum “No gods no masters”, que tuvo un gran recibimiento en radios de todo el mundo, así como un fuerte apoyo en reconocidas playlists de plataformas digitales.
Hablando sobre “Wolves” Shirley Manson comenta: “esta canción me recuerda a “mi yo” más joven, cuando había dos lados de mi personalidad. Herí a tanta gente en mi vida, tanto a sabiendas como sin saberlo; estoy segura. Pero cuando eres joven y estás en modo de auto supervivencia, como una serpiente de cascabel bebé, no tienes idea de cuán fuerte es tu veneno. Pero tiene el poder de matar. Simplemente te estás divirtiendo... Esta es la canción pop extraoficial”.
Producido por Garbage y su histórico colaborador Billy Bush, las semillas del nuevo álbum “No gods no masters” se plantaron en el verano de 2018 en el desierto de Palm Springs. El cuarteto se reunió en la casa de uno de los parientes de Steve Marker y esbozó el esqueleto del álbum durante dos semanas, improvisando, experimentando y sintiendo las canciones. Luego juntaron esos demos y tomaron caminos separados, antes de volver a reunirse en Los Ángeles para terminar el disco.
Garbage lanzará una versión digital y en CD de lujo de “No gods no masters”, que incluye versiones de temas clásicos, como “Starman” de David Bowie y “Because the night” escrita por Patti Smith y Bruce Springsteen. La versión de Garbage de “Because the night” también cuenta con la colaboración del grupo de punk rock estadounidense Screaming Females.
La edición del álbum de lujo incluirá temas “raros” de Garbage como “No horses”, “On fire”, “Time will destroy everything”, “Girls talk”, “The chemicals” y “Destroying angels”.
El vinilo estándar del álbum será de color verde neón y lanzarán un vinilo blanco de edición limitada a través de su tienda oficial, así como un vinilo rosa limitado y exclusivo como parte del Record Store Day el 12 de junio.
La banda realizará una gira con Blondie por el Reino Unido en noviembre.
Megadeth ha expulsado al bajista David Ellefson, tal como ha informado la banda en un comunicado firmado por Dave Mustaine hace unos minutos. Esta noticia se ha producido apenas unas semanas después de que se filtraran unos vídeos y conversaciones de Ellefson con una chica y que el propio músico definió como “privadas y personales” e “interacciones adultas”.
En el comunicado publicado por Mustaine se señala explícitamente la situación personal de Ellefson, aunque se matiza que la relación no era tampoco la mejor de las posibles. También se apunta que no se conocen todos los detalles de lo que ocurrió.
La banda encabezada por Dave Mustaine ya emitió otro comunicado el pasado 11 de mayo asegurando que estaban siguiendo de cerca los acontecimientos. Marcaban una distancia con su compañero remarcando que había aspectos de su vida que “se ha guardado para sí mismo” y dejaban la puerta abierta a cualquier decisión esperando que “la verdad salga a la luz”.
Megadeth:
“Informamos a nuestros fans de que David Ellefson ya no toca con Megadeth y de que oficialmente separamos nuestros caminos. No tomamos esta decisión a la ligera. Aunque no sabemos todos los detalles de lo que ocurrió, con una relación que ya era tensa, lo que ahora se ha revelado es suficiente para que se haga imposible trabajar juntos de ahora en adelante. Estamos deseando ver a nuestros fans este verano, y también estamos deseando compartir nuestra nueva música con el mundo. Ya está casi completa".
Gunner
presenta "Faster than lightning", track extraído del streaming live
presentación oficial de su último álbum "Back 4 More" realizado el
pasado 27 de marzo 2021.
El disco se encuentra disponible en todas las plataformas digitales y
podes conseguir su formato físico contactandote al E-mail: anubismusic2011@gmail.com
La guitarra desapareció con otros recuerdos a finales de 2019.
La primera guitarra eléctrica propiedad del difunto Randy Rhoads fue devuelta a su familia más de un año después de que fuera robada junto con otros recuerdos.Afortunadamente, han aparecido el Harmony Rocket de Rhoads de 1963 y su cabezal de amplificador Marshall boutique.Ambos están ahora en posesión de su patrimonio, con su hermana, Kathy Rhoads D’Argenzio, compartiendo la noticia en Instagram.Debido a que la investigación aún está en curso, no pudo revelar exactamente cómo se devolvió el equipo, pero Ozzy Osbourne había ofrecido una recompensa de $ 25,000 por información que condujera a la recuperación de los artículos invaluables de su amado guitarrista.
Rhoads D'Argenzio escribió:
"¡¡¡¡SÍ!!!! ¡¡¡Es oficial!!…. Y lo escuchaste correcto!!!!! Está de vuelta. Seguro que ha sido una loca "semana Randy" ... ¡¡¡¡¡pero esto también es más que increíble !!!!!!! Estoy muy agradecida por esto…. Sin palabras. no puedo responder ninguna pregunta, ya que se trata de una "investigación en curso". ¡¡¡Así que no preguntes!!!! ¡¡Guau!! ¡¡¡¡¡Absolutamente increible!!!!! Pero créame... ¡¡Haré un "seguimiento" cuando pueda!! Gracias a todos por todas sus preocupaciones y cariño.
La familia Rhoads
Aún faltan elementos.
¡Gracias al Departamento de Policía de North Hollywood! (desaparecido desde noviembre de 2019) ”.
La Escuela de Música de Musonia en North Hollywood, donde Rhoads enseñó guitarra, fue robada en la Noche de Acción de Gracias de 2019. Los ladrones robaron artefactos invaluables, desde guitarras hasta fotos familiares. Incluso la trompeta de la época de la Depresión de su madre Delores desapareció.
Poco después de que se conociera la noticia del robo, dos personas encontraron gran parte del equipo y los recuerdos robados en un contenedor de basura de North Hollywood a principios de diciembre de 2019. La trompeta estaba entre los artículos recuperados, pero como dijo Rhoads D'Argenzio, algunos artículos siguen desaparecidos incluso después de los últimos desarrollos.
Musonia fue fundada por Delores en 1948 para brindar educación musical a jóvenes y adultos de la comunidad. También se ha convertido en un museo de Randy Rhoads desde la trágica muerte del guitarrista en un accidente aéreo el 19 de marzo de 1982. Su hermano, Kelle Rhoads, asumirá el cargo de director de Musonia tras el fallecimiento de Delores a la edad de 95 años en noviembre de 2015.
En otras buenas noticias, Rhoads será incluido en el Salón de la Fama del Rock & Roll cuando reciba póstumamente el Premio especial a la Excelencia Musical en la próxima ceremonia que tendrá lugar el 30 de octubre en Cleveland.
Echa un vistazo a la publicación de Instagram de Rhoads D’Argenzio con imágenes de los artículos devueltos a continuación.
