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miércoles, 23 de agosto de 2017

Fallece John Abercrombie, la leyenda del Jazz

Llegan malas noticias para el jazz y el mundo de la música en general: el legendario guitarrista John Abercrombie nos deja a la edad de 72 años. Nacido en Nueva York en el 1944, el músico ha sufrido un ataque al corazón que no ha logrado superar. Tras él, queda una estela de más de 30 trabajos discográficos que dan fe de su sentido melódico, su poderío sobre el diapasón, pero también de su excelente capacidad de decir lo máximo con lo mínimo.
Abercrombie se inició en la guitarra a la edad de 14 años, para ingresar en 1962  en el Berklee College of Music. Debutó con el disco Timeless junto a Jack De Johnette (batería) y el teclista Jan Hammer, aunque la lista de colaboraciones y bandas en las que ha participado junto a las figuras destacadas del jazz estadounidense (como Ralph Towner o Dave Holland) es interminable. Gran parte de su trabajo salió a la luz a través del sello especializado de Manfred Eichner, ECM, de gran reputación en el género.
Al principio con incertidumbre, los seguidores de John comenzaron a dejar sus mensajes de condolencia en las páginas dedicadas al artista en las redes sociales, la mayoría de ellos, expresando la importancia de su influencia y su inspiración. Sin duda, John fue un ejemplo de músico dedicado, que representaba la forma de hacer música más ligada a los sentimientos y a la mente, lejos de la frialdad de la música prefabricada. Con él se marcha una pieza importante del jazz y de la música de fusión, dejándonos, eso sí, su discografía como testimonio.



Fuente: Guitarristas

domingo, 20 de agosto de 2017

Foo Fighters cantando con Rick Astley "Never gonna give you up"

Nueva versión (para nosotros mejorada) del hiper clásico pop de los '80, 'Never gonna give you up', con Rick Astley como invitado de Dave Grohl y compañía. Ocurrió durante un show de la banda donde el ex Nirvana dijo haber conocido al cantante ochentoso, pocos minutos antes de subir al escenario.

"Lo conocí hace unos minutos", dijo Dave Grohl, como alardeando de tener un dream team capaz de interpretar cualquier canción sin preparase demasiado. Aunque se trata un clásico de cuatro acordes que es conocidos hasta por los más rockeros. Pero Rick Atsley gritó y sorprendió a todos: "Vamos, hijos de puta"... la gente enloqueció. Y con la misma intro de batería que "Smells like teen spirit", hicieron "Never gonna give you up".


viernes, 11 de agosto de 2017

Llega el debut discográfico de Altai

Se editó el disco solista de Altai, quien tocara en Impulso de los Sonidos Inconscientes. Con un sonido denso, atmosférico, melódico, épico, con groove y mucha mística, así es el disco debut de Altai que los invitamos a conocer ahora.
Las letras y música de cada canción pertenecen a Altai, que se encarga de la guitarra, el bajo y la voz, en canciones enérgicas que pasan de un rock psicodélico denso y duro a zambullirse en el Stoner, con buenas composiciones, líneas de bajo pesadas y un sonido en general bastante setentero, es de ese tipo de rock que causan un efecto similar al de volarse, de esos que le das play y te dejas llevar. Tiene bajos profundos e hipnotizantes, un disco que tiene música con ese sonido argento que lo identifica. En definitiva, un muy buen trabajo que los invitamos a conocer, con ustedes, el primer disco de Alai, que esperemos que no sea el único.

Artista: Altai
Álbum: Altai (EP)
Año: 2017
Género: rock psicodélico / stoner rock
Duración: 19:06
Nacionalidad: Argentina

martes, 8 de agosto de 2017

Falleció Goldy McJohn, tecladista y miembro fundador de los influyentes Steppenwolf

Steppenwolf en Inglaterra, 1970: John Kay, Jerry Edmonton, Larry Byrom, George Biondo y Goldy McJohn, de rulos y barba.
Goldy McJohn, uno de los miembros fundadores de los populares hardrockeros canadienses Steppenwolf y el tecladista que tocó en sus grandes éxitos “Born to be wild” y “The pusher”, murió a los 72 años. La noticia fue confirmada en su página de Facebook, que informó que “Goldy sufrió un ataque cardíaco repentino y fatal” en la mañana del 1 de agosto de 2017.

Nacido John Raymond Goadsby en Toronto el 2 de mayo de 1945, McJohn ayudó a formar Steppenwolf a finales de 1967 en Toronto junto al cantante John Kay y el baterista Jerry Edmonton después de que ambos se separaran de Jack London & The Sparrows. Se sumó también Bruce Palmer, quien más tarde se unió a Buffalo Springfield. A principios de su carrera, McJohn fue miembro de The Mynah Birds con Palmer y la futura estrella de R & B Rick James. Neil Young, que también tuvo un papel clave en Buffalo Springfield, más tarde tocó con The Mynah Birds después de que McJohn se fue.
El tecladista encontró su mayor éxito con Steppenwolf, cuyo álbum debut homónimo de 1968 incluyó los legendarios hits “Born To Be Wild” (que llegó al No. 2 en los Estados Unidos) y la memorable versión de “The Pusher” de Hoyt Axton, ambos de los cuales contaron con el pesado sonido del Hammond B3 de McJohn. McJohn a menudo es mencionado como pionero en el uso prominente del instrumento en el heavy metal y el hard rock.
En cuanto a su trabajo en la banda, McJohn tocó en siete álbumes con Steppenwolf, incluyendo “The Second” de 1968, que popularizó otro single que llegó al Top 5 en EE.UU., “Magic Carpet Ride” y nuevamente incluyó su órgano. Su último álbum con la banda, “Slow Flux” de 1974, fue seguido por su separación del grupo decidida por el líder Kay en 1975. A lo largo de los años, McJohn también tocó con una banda llamada Manbeast -que formó con Edmonton cuando Steppenwolf estaba tomándose un break en los 70- además de una encarnación posterior de Humble Pie con Steve Marriott y también con una renovada formación de Steppenwolf que no incluyó a John Kay. Más tarde se mudó a Washington con su esposa, Sonja, lanzando una serie de discos solistas incluyendo “New Visions”, “Fugue In D” y “Goldy McJohn & Friendz” y formó bandas con nombres referenciales a Steppenwolf, como Born to Be Wild y Magic Carpet Ride. En los últimos tiempos, McJohn participó activamente en un proyecto llamado Stand Up For The Music, que justo había anunciado un nuevo evento de caridad pocas horas antes de su muerte… Hablando de la muerte de McJohn, su asociado Anthony Spadaro dijo: “Estoy devastado. Todos estamos aún devastados. Goldy era un alma fabulosa y un artista increíble, y sobre todo muy divertido. Que su herencia viva para siempre”. QEPD.

Fuente: Madhouse

sábado, 5 de agosto de 2017

Miltode presenta "Alarde", su nuevo trabajo

"Alarde" es el 3er disco de estudio de Miltode, el cual reúne distintos estilos musicales con influencias como el rock, pop, funk y reggae.
Es un material con una mirada muy actual y positiva de las cosas que ocurren día a día con un mensaje directo y esperanzador. Si bien mantiene la frescura musical de su anterior disco "Especial Espacial" en cuanto a la modalidad de captar la esencia del trío, esta vez utilizaron más recursos como músicos invitados y la sumatoria de un cuarto integrante en la producción: Carlos Gulotta.
El disco fue grabado y mezclado en los Estudios NN, en San Isidro por Francisco Stuart Milne, donde la  banda pudo plasmar todas sus ideas previas, debido a la excelente calidad técnica y productiva del lugar. Masterizado en Ovie Mastering por Daniel Ovie.
Miltode es un trío de rock oficialmente formado en el año 2008 y sus integrantes son: Julio Verdecchia (voz y guitarra), Leonardo Fernández (voz y bajo) y Lucas Cenyko (batería y percusión). En estos años la banda grabó 2 discos: “Hablando en serio” (2011) y “Especial espacial” (2015).


viernes, 4 de agosto de 2017

Finalmente llegó el día, se edita el nuevo álbum de Quiet Riot

Link para escuchar en Spotify
Quiet Riot es un fenómeno del rock & roll. Conocido como la primera banda de heavy metal en llegar a la cima de las listas de éxitos, el cuarteto de Los Ángeles se convirtió en una sensación mundial gracias a su monstruoso disco "Metal health" de 1983. Ese álbum encabezó las listas de álbumes de Billboard durante varios meses y el álbum siguiente, "Condition critical" fue doble platino. La banda ha seguido grabando y haciendo giras a lo largo de las décadas siguientes.Quiet Riot continúa su viaje histórico en 2017 con su nuevo álbum, "Road rage". Conducido por el baterista Frankie Banali, al que se unen el veterano bajista Chuck Wright (que ha estado dentro y fuera de la banda desde 1982), el guitarrista Alex Grossi (en la banda desde 2004 y el nuevo vocalista James Durbin) para ser una fuerza imparable en el mundo del rock'n'roll. "Road rage" fue originalmente programado para su lanzamiento en la primavera hemisférica de 2017, pero con la inyección de energía encontrada para la banda con la adición del American Idol James Durbin en la voz, la banda decidió borrar las sesiones originales y grabar una nueva versión del álbum con la nueva y mejorada línea. Los resultados son todo lo que los fans de Quiet Riot podría haber esperado.
La historia de Frankie Banali con Quiet Riot abarca más de 34 años y tiene la distinción de ser el único miembro de Quiet Riot que ha grabado en cada single desde el lanzamiento de su álbum "Metal health". Después de casi diez años de la pérdida de su amigo y compañero de banda Kevin DuBrow, y con la consideración cuidadosa, la búsqueda de alma, y ​​las bendiciones y el apoyo de la familia de Kevin DuBrow, Frankie ha avanzado con la banda para traer a los fans "Road rage". Musicalmente, "Road rage" ofrece exactamente lo que el fan esperaría de Quiet Riot: hard rock duro con fuertes ganchos y riffs infecciosos, junto con una madurez en la composición que sólo una banda con una historia y pedigree puede ofrecer. Quiet Riot ha vuelto más fuerte que nunca, en perfecto "Metal health" con el nuevo álbum, "Road rage". ¡Atrápenlos en el camino este verano!

martes, 1 de agosto de 2017

El regreso más esperado: vuelve G.I.T., un clásico del rock nacional

La banda que revolucionó toda una generación con su sonido único, regresa con su formación original en el marco de la gira que los llevará por toda Latinoamérica.
Ya realizaron shows en Perú y Chile, pronto estarán tocando en México, Bolivia y Perú nuevamente.

El grupo G.I.T. formado por Guyot, Iturri y Toth, regresa a los escenarios con una puesta en escena renovada y un sonido que forma parte de ¨la banda sonora¨ de la vida de cada argentino.
Hoy vuelven con todas aquellas canciones que hicieron cantar y bailar al país.
La lista de temas incluye Siempre fuiste mi amor, No hieras mi corazón, Más bien, Menos mal, Aire de todos, Es por amor, Ana (la calle es su lugar), No te portes mal, Para Pau y mucho otros grandes éxitos. Se presentarán el 26 de agosto en el Teatro Coliseo.

viernes, 28 de julio de 2017

Dio Returns: The World Tour

Max Aranxana - Así como Alf volvía para los Simpsons en forma de fichas, Ronnie James Dio vuelve como holograma para todos los mortales. Lo que la compañía Eyellusion creó para el Wacken Open Air 2016 y volvió a presentar en los Pollstar Awards 2017 se volverá a dar esta vez con una gira que se iniciará en Helsinki el 30 de noviembre, continuará en diciembre por el resto de Europa y será World Tour a lo largo del 2018. Sobre el escenario, la figura del cantante en holograma, su voz sonando extraída de selectas grabaciones en vivo, y una banda acompañándolo: los ex Dio Craig Goldy, Scott Warren y Simon Wright junto al bajista Bjorn Englen (Quiet Riot, Yngwie Malmsteen), más la participación de Ripper Owens y Oni Logan (ambos, no definido aún si en todo el Tour o en fechas puntuales a confirmar) ¿Quién está al mando del proyecto? Wendy Dio, quien asegura que “trabajar con Eyellusion durante el último año y medio para convertir nuestro sueño de esta gira en una realidad fue absolutamente increíble. Nadie montó algo así hasta ahora en un set completo, y menos en un tour… Me gusta pensar que Ronnie sonríe mientras seguimos encontrando nuevas maneras de compartir su música con fans de todas las generaciones y de todo el mundo”. La duración de los shows será la de un recital standard, y los setlist irán cambiando a lo largo del recorrido; pero contendrán clásicos de toda su carrera y etapas como "Holy diver", "Rainbow in the dark", "King of rock and roll", "Man on the silver mountain", "Neon knights", "Heaven and hell" y "We rock" entre otro.


jueves, 27 de julio de 2017

Ya se puede escuchar el nuevo álbum de Altocamet, "Atrapando rayos"

Mientras la banda está en su exitosa gira de verano por Estados Unidos, festejamos que ya se encuentra disponible para escucha en las plataformas más conocidas "Atrapando rayos" - el nuevo disco de estudio de Altocamet.

El nuevo disco del trío de Mar del Plata cuenta con 9 temas y fue producido por Altocamet junto a Graham Sutton y masterizado por Tim Young en UK. El arte de "Atrapando rayos" es obra de Andy Vella, reconocido por sus trabajos con The Cure.
"Atrapando rayos" de Altocamet sale por el sello Casa del Puente Discos también en formato físico en CD y Vinilo.
Formados en 1995, en la ciudad de Mar del Plata, Argentina, Altocamet conjuga pop, rock y electrónica. La banda está formada por Adrian “Canu” Valenzuela (guitarras, voces, programación), Mariana Monjeau (teclados y voces), Pedro Moscuzza (batería), y el bajista invitado Lautaro Minich. Llevan editados 5 álbumes, así como EP's y remixes, en CD y vinilo, y un compilado en DVD con 25 videoclips de sus 20 años de carrera.
En 2002 fueron nominados a los Premios Carlos Gardel como mejor artista pop por “Manzana de metal”, EP producido por Gustavo Cerati. En 2008 y 2009 Altocamet ganó dos Premios Carlos Gardel por mejor álbum electrónico.

Para escuchar "Atrapando rayos" en Deezer y Spotify:
Deezer: http://www.deezer.com/album/43541291
Spotify: https://open.spotify.com/album/5GFmgKGYFYzZkX8vXwoUbK

"Glaciar" es el primer corte que adelanto la banda hace algunos meses y esta disponible para escucha en el bandcamp de la banda: https://altocamet.bandcamp.com/

El video oficial de "Glaciar", que está disponible en el canal de YouTube de la banda, lo podemos ver y escuchar a continuación


martes, 25 de julio de 2017

Luchando por el metal

¿Es el heavy metal argentino un producto cultural de las clases populares? Guillermo Caviasca, conductor del programa Dale Fuego que se emite por Barricada TV, charló con Emiliano Scaricaciottoli y Diego Caballero miembros del Grupo de Investigación Interdisciplinaria sobre el Heavy Metal Argentino (GIIHMA) y autores del libro “Se nos ve de negro vestidos” sobre este tema y muchos mas.
Las nociones de clase, nación y resistencia a partir de un género musical que las hace propias con una ética y estilo particular. Debatimos sobre el rol de las principales bandas heavy y sus referentes sin eludir temas espinosos como las definiciones mas recientes de Iorio sobre cuestiones relativas de DDHH.
Conversaron sobre los orígenes del heavy nacional y su situación actual, las mixturas con el folklore y el abordaje de problemáticas sociales como la explotación, la represión a los sectores populares y la causa de Malvinas. El significado de estas en clave heavy metal. Finalmente charlaron sobre los proyectos actuales que esta encarando el GIIHMA.


sábado, 22 de julio de 2017

La cantante y compositora indie Sam Valdez presenta su primer single "Hours"

Sam Valdez es una cantante indie folk de 23 años desde California. Después de tocar con varias bandas, encontró la esencia de su sonido en solitario y decidió correr con él tanto en la música como en sus actuaciones.

Su voz única y su estilo de canto le ha diferenciado y creado grandes expectativas. Sam creció en el borde del desierto, en Las Vegas (NV), y tiene el desierto como una gran influencia en su escritura y composición. Entrenada en violín clásico, el instrumento también hace una aparición en algunas de sus canciones, Sam ha estado escribiendo su propia música durante los últimos 3 años, en su mayoría material folk, pero a lo largo de estos años su estilo ha evolucionado, dejando que sus nuevas influencias dominen su música. Sam escucha un montón de "cosas folk de la vieja escuela" como Leonard Cohen y Emmylou Harris, pero hoy en día está más influenciada por el grunge y el rock indie, como The National, The War on Drugs, entre otros.
Hace un año aproximadamente Sam Valdez decidió escribir y actuar bajo su propio nombre, para cambiar el estilo y crear más música. Ser capaz de disfrutar de su propio proceso creativo ha hecho que este período sea muy fructífero, y después de reunir una banda de talentosos músicos a su alrededor, Sam ha estado realizando presentaciones alrededor de Los Ángeles. Aparte de sus propias actuaciones, ha colaborado con muchos músicos y proyectos, ya sea con su violín o como vocalista.
Sam Valdez está lanzando su debut, el single "Hours" que salió ayer, 21 de Julio en todas las principales plataformas de streaming.
"Hours" es un tema cálido y oscuro, como una noche de verano. La voz de Sam Valdez ha sido comparada con Lana Del Rey y Cat Power, y la melodía de "Hours" se sitúa en el centro de una composición minimalista, con los teclados, las guitarras y otros instrumentos añadiendo color a sus letras, alternando palabras y musica. La canción fue producida, mezclada y masterizada por Max Braverman en su estudio en Los Ángeles.
"Esta canción es sobre la espera y pérdida que puede tener en nosotros, mientras que al mismo tiempo estar enamorado de alguien que comparte una experiencia similar. Yo quería que "Hours" transmitiese la sensación de estar consciente del dolor y las dependencias que eso puede crear, y aprender a entregarlo a veces y luego dejarlo ir", dice Sam. "Hours" es el primer sencillo del EP de debut de Sam Valdez, que saldrá a principios de 2018.

viernes, 21 de julio de 2017

Encontraron muerto a Chester Bennington, vocalista de Linkin Park

El vocalista de Linkin Park, Chester Bennington ha sido encontrado muerto en un domicilio de Palos Verdes, Los Ángeles, aparentemente suicidado según fuentes policiales. Los primeros indicios apuntan que Chester, de 41 años, se habría ahorcado en una residencia privada poco antes de las 9 de la mañana hora local (6 de la tarde en España).
Bennington, que estaba casado y tenía seis hijos de dos matrimonios, llevaba años luchando contra sus vicios de alcohol y drogas. Además, había sufrido abusos cuando era niño y en alguna ocasión comentó que había pensado en el suicidio debido a esa situación.
Este hecho coincide con el que sería el 53 cumpleaños de Chris Cornell, vocalista de Audioslave, que también se suicidó hace poco, y con quien Chester mantenía una estrecha relación de amistad, hasta el punto de ser padrino de uno de los hijos de Cornell.
Linkin Park estuvo en Tecnópolis el pasado 6 de mayo en el marco del Maximus Festival 2017 y estaban a punto de comenzar su gira americana promocionando su último disco de estudio "One more light".

lunes, 17 de julio de 2017

Angelos Brujas presenta su debut "A por vos" en las plataformas digitales

El sexteto de Beccar acaba de lanzar su primer álbum, que ya está disponible para todas las plataformas digitales.

Joaco, cantante de la Angelos Brujas, nos contó lo siguiente sobre el disco: "Desde la más libidinosa adolescencia hasta la adultez, el álbum “A por vos” recorre las venas del modelo humano ajustado por el día a día en la ciudad.

El origen del mismo, expresa el deseo al sexo y a liberar la mente de horarios y casilleros irrelevantes en la cabeza de la obsesión y atracción, como punto trascendental hacia el crecimiento y desarrollo mental (Emperatriz). Portarse mal ante el rechazo por propuesta vacía, “Ahora que pasa”, es una clara pregunta a la continuación del hacer, pero además despierta la presente acción que ocurre tras la espera: “Ahora que pasa, estoy tranquilo”. Desde el agresivo-pasivo, nos rodeamos de los nuestros y esperamos cosas del resto, como si el mundo estuviese en deuda con nosotros. “Hey Amigo” desentierra al sujeto que hay dentro de uno, a la misma conciencia de que depende mucho como se vea al mundo, respecto a los resultados que se esperan y logran. “El que busca, encuentra” genera que uno desde el principio sepa por donde encaminar su búsqueda: la tan nombrada batalla entre el bien y el mal. Sin embargo, luego del golpe musical de optimismo y de heroico final, reina nuevamente la incertidumbre de la mano del Reptilero, que -ante el desafío de ser feliz- lucha con las tristezas y desilusiones de una pronunciada vida que busca la soledad como instrumento de paz. La fe no alcanza en esta canción, simplemente hacer desde lo genuino del espíritu y todavía es insuficiente.

No todo es tan intenso en cuanto a lo que no podemos controlar, allí es donde “A por vos” desarrolla un guardián feroz que sale a buscar a cualquiera que invada el espacio ganado y conseguido. A caballo, sale a protegerse de los temores que el Reptilero le toca. Las guitarras representan los perros que van en busca de facilitarle las cosas a nuestro guardián que sobre-exigido por la situación decide matar los temores en lugar de espantarlos, "Por unos mangos más", dejando nuestro álbum con la nueva y maldita idea de que el bien y el mal, fueron manipulados en dos equipos nocivos a largo plazo para el desarrollo a futuras generaciones.

Finalmente, despojado a sí mismo del título de héroe, cae al suelo, recuerda a su mujer y sus días no vividos (Rubia), y se deja morir esclavizado de su propia y ambiciosa idea de controlar (Esclava). Angelos Brujas es el único asistiendo a su funeral. Abre el paraguas y piensa en lo que viene."

Angelos Brujas es:

Joaquín Rodriguez Vazquez (voz principal, sintetizadores)
Felipe Rosati (guitarra y coros)
José Fernandez Quiroga (bajo)
Lolo Juliá (guitarra)
Tomás Vuko (Saxo y coros)
Ignacio “Látigo” Brizzi (batería)

"A por vos" ya está disponible para escucha en Spotify, Deezer y el Bandcamp de la banda:
Spotify: https://open.spotify.com/album/5P58OEK9ku8Z7VlMzW9Lgr
Deezer: http://www.deezer.com/album/43169121
Bandcamp: https://angelosbrujas.bandcamp.com/album/a-por-vos

Enlaces oficiales:

Twitter: @angelos_brujas
Facebook: https://www.facebook.com/angelosbrujas/
Instagram: https://www.instagram.com/angelosbrujas/
Bandcamp: https://angelosbrujas.bandcamp.com/

domingo, 16 de julio de 2017

Viaje al centro de la tierra: realidad o ficción

Mario Escobar* - Los libros de Jules Verne son mucho más que novelas de aventuras que el lector medio puede disfrutar, constituyen sobre todo el vehículo de la modernidad que llevó a la cultura popular los avances científicos, cuando aún estaban en proceso de desarrollo. Jules Verne escribió diferentes géneros literarios, desde la novela histórica de aventuras, pasando por las novelas de viajes o lo que hoy denominaríamos literatura para adolescentes, pero sus obras más significativas siempre tuvieron relación, de una u otra manera, con los avances científicos de su tiempo. ¿Fue casualidad que Verne pronosticara inventos como el submarino, el cohete espacial o las ciudades modernas actuales?

Julio Verne en 1875 con 47 años
Un hombre amante del saber

Entre los famosos avances descritos por Verne en sus libros están desde el futuro uso de internet, los motores eléctricos o las armas de destrucción masiva. ¿Cuál era la fuente en la que Jules Verne se informaba de estos futuros descubrimientos?
La precisión de Verne a la hora de describir algunas de estas hazañas tecnológicas aún ahora nos asombra. En sus dos famosas novelas De la tierra a la Luna y Alrededor de la Luna el autor francés vaticinó no solamente la posibilidad de viajar al satélite, además dio detalles tan exactos como la velocidad necesaria para que un objeto escapara de la fuerza gravitatoria de la Tierra, la forma de la cápsula o la ubicación de Florida como un lugar ideal para el lanzamiento de un cohete por su posición próxima al ecuador.
Algunos han creído ver en Verne a un visionario, especulando con su supuesta pertenencia a algún tipo de orden secreta o grupo mistérico. El escritor francés siempre explicó las supuestas relaciones entre sus predicciones y la realidad como meras coincidencias, pero en realidad había mucho más detrás que meras coincidencias.
El secreto de Verne para pronosticar hecho que en su tiempo parecían portentosos tuvo su origen en el profundo conocimiento científico del autor y su preocupación por estar informado de los avances y teorías científicas de su época.
Julio Verne era un visitante habitual de la Sociedad Industrial de Amiens, donde repasaba todas las revistas científicas que caían a su alcance. El escritor además poseía una basta biblioteca con autores de ciencia como Elisée Reclus o los libros del físico François Arago, con el que tuvo una estrecha relación.
Jules Verne siempre reconoció que algunas de sus ideas partieron de teorías o ideas científicas de su tiempo, otras fueron sin duda el resultado de una mente preclara en un momento de explosión tecnológica, como fue el último cuarto del siglo XIX.

¿Por qué hacer un libro sobre un viaje al Centro de la Tierra?

Desde casi el origen del hombre se ha especulado con la posibilidad de que existiera vida en el interior del globo terráqueo. Aún en la actualidad hay defensores de estas teorías y son muchas las obras de ficción que se han realizado en este sentido.
Portada de "Viaje al centro de la Tierra"
por Ediciones "Gato Azul"
Desde la Biblia, donde en numerosas ocasiones se habla de la vida debajo de la Tierra, situando principalmente al infierno, aunque algunos han visto en estas referencias una simple simbología para referirse a los muertos, hasta en culturas como la griega, judía o nórdica, se ha hablado de un posible mundo intraterreno.
En el mito de Agharta, como también en el Shambala, se hacen referencia a una vida intraterrestre. Algunos de los defensores de estas teorías fueron sobre todos la Sociedad Teosofica y su idea del Rey del Mundo. La vidente rusa Madame Blavatsky fue una de las principales difusoras de estas ideas, además de la teoría de la exaltación de una raza superior, la raza aria, que apoyaría algunas teorías racistas posteriores. Ya hablaremos de la relación entre la teosofía y los nazis, en la parte final de este artículo.
Otras teorías sobre el origen hueco de la tierra se pueden observar en el mito de la Cueva de los Tayos o la Puerta del infierno de San Patricio.
Algunos escritores y científicos han querido relacionar la existencia de la tierra hueca con la Atlántica, Hiperbórea o incluso con Lemuria.
También algunos hombres de ciencia como Edmond Halley en el siglo XVII, XVIII, XIX y XX, además de otros científicos como Sir John Leslie, John Cleves Symmes Jr. o el matemático egipcio Mostada Abdelkader han apuntado teorías sobre vida en interior del globo terráqueo.
Otros de los debates eternos entre los partidarios de la Tierra Hueca ha sido la búsqueda de la posible entrada a ese territorio inexplorado.
Para esta entrada se han barajado varios posibles lugares, como la teoría de que una posible entrada fuera el pozo de Kola en Siberia, uno de los más profundos de la Tierra.

¿Dónde se inspiró Jules Verne para escribir su obra?

El autor francés pudo tener diferentes fuentes en las que basar su libro. Desde la obra de Ludvig Holberg publicada a mediados del siglo XVIII Nicolai Klimii iter subrerraneum. También la obra de Edgar Allan Poe La narración de Arthur Gordon Pym, en el que se hace referencia a este tema.
Al poco de salir la obra, Leon Delmas acusó a Jules Verne de plagio al anunciar que había escrito varios relatos con el seudónimo de René Pont-Jest, en el que describía el centro de la Tierra de una manera similar al escritor francés, pero la acusación fue desestimada en un juicio efectuado en 1877.
La verdadera inspiración de Verne pudo surgir de la lectura de un libro escrito por Chales Lyell titulado Geological Evidences of the Antiquity of Man y del la obra del autor Lyell´s Principles of Geology.

¿Los nazis pudieron estar interesados en investigar el Viaje al Centro de la Tierra de Jules Verne?

Apuntábamos al principio de este artículo la fascinación que tuvo la Sociedad Teosofica con la idea de la Tierra Hueca. Una rama de la Teosofía denominada la Ariosofía triunfó en Viena y Munich en los años veinte del pasado siglo. Algunos personajes como Guido Von List o Jörn Lanz von Liebenfels difundieron estas ideas entre la alta burguesía y la aristocracia alemana.
Portada de “Misión Verne”, novela
del escritor español Mario Escobar
Una de las sociedad surgidas al albor de estas teorías fue la famosa Sociedad Thule a la que pertenecían algunos de los miembros fundadores del Partido Nazi. También se creó en esta época la revista Ostara de la que un joven Adolf Hitler fue habido lector.
Tras la fundación del Tercer Reich, las SS gobernadas por Himmler crearon la famosa sociedad científica Ahnenerbe, una institución formada para descubrir el origen de la raza aria y que se encargó, entre otras cosas, de desentrañar algunos de los misterios de la humanidad. La Ahnenerbe investigó entre otras cosas la posible vida en el interior de la Tierra, de la que Himmler estaba completamente convencido y donde situaba el posible origen de la raza aria.
En el año 1938 los nazis organizaron un viaje a Islandia que tuvo que ser cancelado. Oficialmente deseaban viajar a la isla para investigar el folklore y cultura islandesa, pero ¿podían tener algunas intenciones oculta en este viaje?
Los nazis intentaron regresar a la isla en 1940, pero la ocupación de esta por los británicos hizo que se abortara la misión. Nunca sabremos con total seguridad si las intenciones de los nazis fueron descubrir una posible entrada al Centro de la Tierra, pero esa posibilidad es muy factible. En mi novela Misión Verne, publicada con gran éxito en Amazon, intenté desarrollar esta hipótesis y descubrir si realmente hubo un viaje al Centro de la Tierra organizado por las SS durante la Segunda Guerra Mundial.

* Mario Escobar (Madrid, 1971). Escritor e historiador español. Ha publicado más de 20 libros entre biografías, novelas y ensayos. Colaborador habitual de National Geographic Historia, Más Allá y director del programa de libros y el blog "Best Seller Español". Es también autor de la saga Misión Verne, publicada con éxito por Amazon en 2014.

Fuente: JVerne

sábado, 15 de julio de 2017

Fallece el bajista David Z de Adrenaline Mob en un accidente de tránsito

Según ha adelantado John Moyer (Disturbed, ex Adrenaline Mob), la persona fallecida en el accidente de tránsito en el que se ha visto implicada la banda Adrenaline Mob en Florida, es el bajista David Z. El músico americano, que también había tocado con Soto y Trans-Siberian Orchestra, viajaba en la van del grupo cuando fue colisionada por un tráiler en la Interestatal 75 cerca de Micanopy.

El propio hermano de David, Paul Zablidowsky, ha confirmado también la noticia. “Como todos se pueden imaginar, mi familia y yo estamos devastados por la horrible noticia del fallecimiento de David. Hoy nos han arrebatado una parte de nuestros corazones. Estamos tratando de descifrar cómo lo vamos a gestionar como una familia. Por favor, dennos tiempo y espacio para el luto y los mantendremos informados tan pronto como podamos. Gracias por sus amables pensamientos y oraciones”.

En el accidente otras seis personas resultaron heridas de diversa consideración y fueron evacuadas a varios hospitales de la zona. No han trascendido las identidades de los afectados. Adrenaline Mob tenía previsto tocar en St. Petersburg (viernes por la noche) para presentar su último disco de estudio, "We the people", editado el pasado 2 de junio a través de Century Media.

 “Esta talentosa, humilde y dulce alma nos ha dejado hoy demasiado pronto. Si lo viste actuar fuiste afortunado, si lo conociste fuiste bendecido. D.E.P. David Z. Fuiste una bestia en el escenario y fue un placer para mí compartirlo contigo en tus últimos días. Te voy a echar de menos, hermano”, destaca John Moyer en su perfil de Facebook.

No es el primer percance grave que sufre el grupo americano liderado por el vocalista Russell Allen (Symphony X) y por el guitarrista Mike Orlando en una gira. El clásico baterista de Twisted Sister, A.J. Pero (Anthony Jude Pero), falleció en 2015 mientras estaba de gira con Adrenaline Mob. Los miembros del grupo fueron incapaces de despertarlo en el autobús. Fue llevado al hospital de Poughkeepsie, Nueva York, donde se certificó su muerte, aparentemente a consecuencia de un infarto al corazón.

Fuente: Metal Journal

miércoles, 12 de julio de 2017

El fundador de Arrankke abandonó la banda

En el muro de ARRANKKE (banda de hard rock de Ituzaingó), Iván Rokker, fundador y baterista, escribió lo siguiente hace instantes:
Hola a todos paso a comunicarles que Damián Dinius - guitarrista - y yo dejamos de ser parte de la banda. Desconozco si seguirá Arrankke con otra formación ya que cada uno está encarando proyectos nuevos. Gracias a todos los que nos bancaron durante estos 11 años, nos vemos pronto por ahí seguramente!! buena vida a todos!


lunes, 10 de julio de 2017

En un video Mariano Martínez habló de sus problemas de salud y del fin de Attaque 77

El guitarrista publicó un video donde habló de las demoras en la salida del nuevo disco de Attaque, de las diferencias con la compañía sobre este trabajo discográfico, de sus problemas de salud a principios de este año y finalmente sorprendió con un mensaje sobre el futuro de la banda.

En primer lugar habló de sus problemas de salud, respiratorios. El músico comentó que fue asmático casi toda su vida, pero que volvió a tener episodios de asma recientemente, por lo que tuvo que cancelar algunos shows.
Luego le dio lugar al disco y habló de los problemas con la compañía, que decantaron en una demora que no estaba planeada. "Teníamos un proyecto pero a la compañía esta idea no le pareció rentable", expresó. Y sentenció: "Esto hizo un efecto en nosotros, una especie de decepción".
De todas maneras Mariano confirmó que el disco va a salir este año, en coincidencia con los 30 años de la banda, para que no sea una cuestión solamente nostálgica. Pero, sobre el final del video, habló de "las últimas cosas" que hará Attaque porque "son muchos años" y, tal como marcó, "seguramente necesitamos hacer cosas diferentes".


Fuente: Diario Registrado

martes, 4 de julio de 2017

Novedades de Yafal Power Trío

Luego de un largo silencio, hay excelentes novedades de Yafal Power Trío. Ya han terminado de grabar el álbum debut y ahora se encuentran en la etapa de mezcla. Enrique Gómez Yafal, líder, vocalista y guitarrista y Guzzy Perugino en bajo fueron los encargados de la gesta. Aún sin nombre, el nuevo álbum en la carrera de Gómez Yafal - segundo de YPT si tenemos en cuenta el EP de 2016 - es largamente esperado por sus fans producto de su trabajo en 100 DB, Kamikaze, Cuero y KZ4. Habrá que estar atentos para escuchar el primer corte.

lunes, 3 de julio de 2017

Black Sabbath presentará su último concierto en las salas de cine

El último recital - que se realizó en febrero de este año - será editado y exhibido en más de 1500 salas de cine del mundo.
"The End of The End", es el nombre que tendrá el documental que prepara Black Sabbath. En él, se mostrará el último recital que la banda ícono del rock dio en su gira mundial 2016-2017, la cual tuve a la ciudad de Birmingham como sede.
Además de las canciones interpretadas como “War pigs”, “Iron man” y “Paraonid”, el sitio NME reporta que será incluido material backstage de Ozzy Osborne, Geezer Butley y Tommy Iommi preparándose para su último show.
El estreno del filme está programado para el 28 de septiembre en distintos cine del mundo, tal como anunció la banda en su cuenta oficial de Twitter.
En un comunicado publicado por la banda, informaron: “Llevarnos todo esto a casa después de todos estos años fue muy especial. Fue muy difícil decir adiós a los fans, quienes han sido increíblemente leales a nosotros a través de los años. Nunca soñamos en los primeros años que estaríamos aquí, 49 años después haciendo nuestro último show en nuestro hogar”.
En la Argentina, "The End of the End" podrá verse ese día a las 20 hs. en las salas de Showcase de Belgrano, Vicente López, Haedo, Quilmes, Rosario y Córdoba, y ya pueden comprarse las entradas.

Fuente: La Tercera

domingo, 2 de julio de 2017

From The Institute presenta su primer vídeo "Jet Black City"

El dúo de rock alternativo acaba de lanzar su nuevo video oficial para el tema que da nombre a su debut "Jet Black City". La banda que venia de mostrar un lyric vídeo para el tema "Hail Mary", lanza ahora su primer video oficial.

FROM THE INSTITUTE nos cuenta sobre el vídeo: "Sobre la canción, estábamos buscando inspiración para el disco, ya teníamos casi todos los temas pero sabíamos que faltaba algo para cerrar el concepto y viendo de casualidad fotos del cementerio de la Recoleta me encontré una foto de una estatua que de entre todas me llamó mucho la atención.
Empeze a buscar mas información y la estatua resulto ser la réplica de una chica que murió 1970 de una forma trágica, toda su historia nos pareció muy intrigante, en ese mismo momento agarré la guitarra y automaticamente escribí Jet Black City. Nos gustó y supimos que esta canción iba a ser el primer single, que iba a cerrar el concepto del disco y ahi nos dimos cuenta que estábamos listos para entrar al estudio."


El tema "Jet Black City" también está disponible para escucha y descarga desde la cuenta BOX de Rock City Agencia: https://app.box.com/s/81foih4zdrf17lpdjwglvjlxa9iqkrv7

viernes, 30 de junio de 2017

Nuevo sencillo de Tan Frío el Verano: “Vuelven los muertos”

“Vuelven los muertos” es el nuevo sencillo, adelanto de lo que será el próximo trabajo musical de Tan Frío el Verano,  “Verano”- cierre de un ciclo temporal, el inicio del fin.
El tema evoca el sonido del conflicto entre la esperanza, la resignación, la corrupción, el poder, la vida y la muerte. Como quien despierta de un sueño para palpar la realidad cruda de una pesadilla.
“Vuelven los muertos” viene acompañado de otro tema titulado "Cygnus X-1" con un video arte promocional. Los temas se pueden escuchar y descargar en el Soundcloud de la banda.

jueves, 29 de junio de 2017

She-Ra presenta su nuevo vídeo: "Sin callar"

La historia del video se basa en los empleados de un local de hot dogs (New York Dogs) ubicado en la ciudad de Buenos Aires, ya hartos del sometimiento de su jefe (Tony Carboni) deciden tirar por la borda sus responsabilidades y abandonar sus puestos de trabajo para que florezca su verdadera vocación, y así generar un clima de fiesta y diversión. Sin callar.

Ficha Técnica del vídeo:
Realizado por KABUKI CINE y ZONA 5
Dirección: Sebastian Monaco
Dirección de Fotografía: Marcelo Moreno
Camaras: Marcelo Moreno | Sebastian Monaco
Edición: Sebastian Monaco
Junio 2017.
© Reservados todos los derechos de los autores y compositores, del productor fonográfico, del editor, y de los intérpretes de esta obra. DNDA / SADAIC / AADI - CAPIF.


She-Ra es una banda de rock n' roll nacida en Buenos Aires en 2001, que se desarrollo hasta llegar a su formación actual. Con orgullo se jactan de tener uno de los shows mas crudos y divertidos de la ciudad, atrayendo la atención de todo tipo de publico. Su impronta arriba del escenario refleja la celebración de una banda creada por cinco muchachos con influencias que van desde lo crudo del Rock n' Roll originario, hasta el pegadizo y estrépito setentismo británico,pero sin desperdiciar todo lo que ofrece este nuevo milenio; y esto se destaca en sus conciertos. Cuentan con un EP titulado "Cabaret Show" y en 2016 lanzaron su primer LP en formato físico y digital al que nombraron "A mas no poder", de la mano de un videoclip que revela el ímpetu de She-Ra con una gran producción audiovisual. She-Ra es un proyecto ambicioso, con una propuesta visual y una estética singular en un universo festivo que interpela al espectador. Un conjunto de músicos que nunca pasa desapercibido en sus performances.
She-Ra son Gonza en voz, Gabby Star en guitarra, Seba Sette en guitarra, Eugene en bajo y Leandro Ferreiro en batería.

miércoles, 28 de junio de 2017

El sabio Iggy compartiendo su saber iluminando siempre

El texto lo compartió un histórico músico argentino - Lito Pared, vocalista de Negro - en su muro, de allí lo tomamos y reproducimos a continuación:

Hola, soy Iggy Pop. He mantenido un trabajo en la BBC 6 Music por casi un año ya, lo cual es un tiempo largo en mi área. Salvo algunas excepciones, casi siempre odié la radio y a los idiotas que forzaron la entrada de cierta música a mi tierna mente. Cuando era niño me sentaba horas sufriendo el top 40 del radio, esperando por esa única canción de The Beatles y tal vez por otra de The Kinks. En mi pueblo no había nada como John Peel, de ser así yo habría estado encantado, por ello es un honor estar aquí. Lo entiendo. Lo aprecio.
Hace algunos meses cuando la idea de esta plática surgió, pensé que podría estar bien hablar de la música gratis en una sociedad capitalista. Entonces eso es de lo que intentaré hablar. Una sociedad en la cual el sistema capitalista domina a todos los demás e intenta destruir a quienes se interpongan en sus intereses. Desde que las cosas funcionan así la mierda realmente ha chocado con el ventilador, gracias a U2 y a Apple.
Yo trabajé la mitad de mi vida gratis. Nunca pensé que resultaría de manera distinta hasta que los masters de la industria de la música se quejaron de que yo no generaba suficiente dinero para ellos. A decir verdad cuando se habla de arte, el dinero es un detalle poco importante, pero suele ser un graaan detalle sin importancia. Un buen LP es un ser, no un producto; tiene una fuerza de vida, una personalidad y una historia, tal como ustedes y como yo; puede ser tu amigo; pero intenta explicarle eso a una sabandija.
Cuando pasé de los 30 años y no tenía ni un centavo para producir mi música aprendí que ésta se convirtió en un arte industrial y la gente que destaca en dicha industria es la que se olvidó de hacer arte. Tuve que vender la mayor parte de mis escritos musicales para poder seguir haciendo música. Gracias a los avances digitales, tenemos una industria muy grande, la cual es risiblemente, casi por completo, pirata; entonces nadie puede recaudar nada. Bueno, era de esperarse que todo mundo hiciera mucho dinero revendiendo la música grabada en forma de CD en los 90, pero ahora el gato se ha salido del corral y los nuevos aparatos electrónicos hacen más fácil robar música que pagar por ella, entonces esto tendrá que corregirse. Cuando yo comencé The Stooges, nuestra organización era un grupo de comunistas utópicos. Todo el dinero se repartía en comuna y vivíamos juntos mientras perseguíamos un ideal radical. Compartíamos la autoría de todo y los créditos de las regalías por igual, sin importar quién lo hubiera escrito, porque lo vimos así en la contraportada de un álbum de los Doors y pensamos que era lo más cool –por lo menos yo creía eso–, yeah.
‪Yo creía que las canciones eran acerca de la gloria, no sabía que te pagaban por crearlas. Hicimos una inmersión total para conseguir un nuevo enfoque, algo que realmente nos perteneciera, algo con un valor perdurable, algo que sería creativo y revelador, algo no conocido. ‬‬‬‬‬‬‬‬‬
‪Ahora estamos en la era de la argucia. El plan siempre es grande grande grande pero es la naturaleza de la tecnología creada en función de varias estrategias la que hace que el estanque, aunque sea ancho, carezca de profundidad. A nadie le importa algo profundamente, excepto el dinero: quedarse sin éste, obtenerlo. En EU tenemos a este personaje que dice: “¿sinceramente quieres ser rico? ¡Puedes lograrlo!”. Yo, sinceramente, nunca deseé ser rico. Y sinceramente nunca deseé hacer rico a nadie. Eso me volvió una carta difícil de jugar en los años 60 y 70. Entré a este asunto porque se sentía bien tocar, y se sentía como ser libre. Al día de hoy, aún escucho por ahí que mis primeros trabajos con The Stooges fueron fracasos, pero todavía se reeditan y se venden, 45 años después, se venden. Bueno, tomó como 20 o 25 años para que las primeras regalías llegaran. ‬‬‬‬Algunos de nosotros, que no estábamos llegando a ningún lado, durante años nos golpeábamos la cabeza contra el mismo muro, sin que esto sirviera. Nadie sabía eso mejor que mis amigos los Ramones. Ellos sacaban álbum tras álbum frustrados porque no lograban tener un hit. Incluso contrataron a Phil Spector junto con su pistola. Después de los dos primeros álbumes que causaron gran impacto, no pudieron sostener la calidad, pero noté que todos sus discos tuvieron por lo menos una canción increíble y yo pensaba: “wow, estos chicos; si se detuvieran y se dieran un descanso, la sociedad eventualmente se emparejaría con ellos”, y eso es lo que está ocurriendo ahora, pero ellos ya no están aquí para disfrutarlo. Yo solía visitar a Johnny durante sus ensayos en Nueva York, donde él estaba en un cuarto grande con un Marshall stock simplemente haciendo “dum dum dum dum”, completamente solo. Y yo le preguntaba: “¿por qué?” Él decía que si no practicaba exactamente igual que como tocaba en vivo, perdería el don. Era devoto y obsesivo, y también Dee Dee y Joey y a mí me gustaba eso. Un día Johnny me preguntó: “Iggy, ¿no odias a Offspring y su popularidad con la mierda que tocan? Esos deberíamos ser nosotros. Nos robaron.” Yo le dije: “mira, algunos chicos nacen y son criados para ser los capitanes del equipo de futbol y otros serán únicamente James Dean en Rebelde sin causa, y así es como son las cosas. No todos están destinados a ser grandes y no todo lo grande es forzosamente bueno”.‬‬
La única razón por la que quise el dinero es porque lo consideré simbólico de amor. La mejor decisión que he tomado es hacer un compromiso de vida para continuar tocando sin importar qué ocurra, eso lo decidí a los 18 años. Si eres como eres, será muy difícil que alguien te robe eso. Y esa actitud te puede llevar a cualquier dirección útil incluso si el camino está bloqueado. Y el camino se va a bloquear. Ahora soy viejo y necesito todo lo que pueda obtener, por lo que me preocupa perder esas adorables regalías –que al fin llegaron– en el laberinto del Internet. Por ello estoy diversificando mis ingresos, porque el stream se secará. No estoy aquí para quejarme de ello. Estoy aquí para sobrevivirlo. ‬‬Cuando comencé como músico de tiempo completo iba caminando una tarde brillante en la parte más sórdida del pequeño pueblo del Midwest en que estaba mi escuela, pasé frente a un bar de mala muerte y de donde salió un músico rollizo, calvo, pálido, en sus cuarentas, con un traje blanco, con un trago en una mano y una guitarra en la otra, y parpadeaba por la luz del día. Tuve una gran intuición de que éste era un destino que debía ser evitado. Este tipo parecía haber sido apartado de la sociedad y resignado a una oscuridad inconsciente. Una mosca de bar. Un vasallo del alcohol. Entonces, como artista, ¿cómo comprometes a la sociedad para que te pague? Bueno, ése es un asunto de arte. Y de resistencia. ‬‬‬‬‬‬‬‬‬
‪Para empezar con ese tema, no puedo dejar de hacer énfasis en la importancia del estudio. Fui afortunado por haber trabajado en una tienda de saldos de discos en Michigan como almacenista, donde estuve expuesto a toda forma de música imaginable en ese momento. Lo escuché todo, sin importar si me gustara o no. Sean curiosos. Y toqué en la orquesta de mi bachillerato y aprendí sobre la alegría de los cálidos instrumentos orgánicos funcionando juntos en función de una pieza clásica. Eso se queda en ti para siempre. Si alguien por ahí tiene la posibilidad de poner un instrumento y algo de conocimiento en las manos de un niño, harán algo maravilloso. ‬‬‬‬‬‬‬
La información comparativa es una llave a la libertad. Encontré a personas más inteligentes que yo para que me instruyeran. Mi primera banda profesional era una banda de blues llamada The Prime Movers, y el líder de ésta, Michael Erlewine era un beatnik hippy brillante, con una discoteca hermosamente ordenada de El Blues. ‬‬
Yo no conocía El Blues. Esa parte del legado musical estadounidense fue aislada de los medios de comunicación más importantes. Se trataba del sistema arriba y la gente abajo. Nada de Bill Broonzy en la BBC para nosotros. ¡Cómo me habría gustado algo así! Pero no, porque no había dinero en ello. No obstante lo aprendido de la hermosa colección de discos de Michael fueron los cimientos para todo lo bueno que he hecho desde entonces. Hombres como él son invaluables, si encuentran a alguien como él, síganlo o síganla. Obtengan el conocimiento.Una vez en la secundaria, en los 60, unos payasos de la clase vistieron al tipo más alto de la escuela en gabardina y sombrero y llegaron gritando a un baile escolar: “¡Del Shannon está aquí! ¡Del Shannon está aquí!”, y todos les creímos porque nadie sabía cómo se veía Del Shannon. Él era sólo una voz en discos impresionantes. No tenía identidad social. Hacia la primera mitad de los años 60, todo eso realmente cambió con la llegada de los Beatles y los Stones. Esta vez la televisión se sumaba a la mezcla, al igual que la prensa. Entonces sabías quienes eran o alguien eventualmente te lo decía. Menciono esto porque la mejor manera de sobrevivir a la muerte o al cambio de una industria es trascender su forma. Estás mejor con una identidad propia o tal vez varias de éstas, algo que sea especial.
Desde mi perspectiva –porque lo viví– en Estados Unidos los Beatles reemplazaron al asesinado presidente Kennedy, quien representaba esperanzas para cierto sector de la sociedad; y los Rolling Stones reemplazaron a nuestra asesinada música folk, reprimida por nuestros propios líderes por razones culturales, raciales y financieras. No estaba bien para todos ser Kennedy o Muddy Waters, pero los mensajes que ellos enviaban podían ser aceptados si provenían de artistas [entertainers] blancos de la cultura madre. Por ello es que todavía están presentes.
Años después tuve la impresión de que la corporación Apple se había apropiado acertadamente de la buena vibra que provocaban los Beatles al estadounidense promedio al robarse el nombre de su disquera. Entonces me compré acciones…jajaja, fue una buena idea… aaah…1992. Pero miren, todo el mundo está sujeto al despojo y tiene que cambiar de afiliaciones de vez en vez.Entonces quién posee qué, o cómo Bob Dylan dijo “The relationships of ownership…” [canción que continúa: they whisper in the wings to those condemned to act accordingly and wait for succeeding kings]“. Eso es “Gates of Eden”. Nadie lo sabe de cierto, especialmente en estos días. Aparentemente, cuando la BBC fue fundada, las disqueras en el Reino Unido no permitían que el radio de BBC tocara sus grabaciones master porque pensaban que nadie los compraría si se podían escuchar gratis en el radio. Estaban muy confundidos acerca de lo que tenían y cómo la gente se sentía al respecto de la música, porque la música es algo que se siente, y se resiste a la lógica, no es un código ‬binario. Luego, cuando salieron los CD la industria del aparador en EU tuvo pánico porque eran demasiado pequeños y pensaron “EU quiere algo que se vea grande, como un vinilo”. Pues tenían un punto pero su solución fue algo así como un Frankenstein al que llamaban “The Long Box“. No engañaba a nadie porque la mitad de la caja estaba vacía. La caja guardaba un CD, era un cartón gigante vacío. Ahora hay gente en el Sahara que GPS para proteger grandes fajos de Euros enterrándolos en las dunas. Pero el GPS fue creado para espionaje militar. Entonces cualquier sistema sofisticado, junto con sus ventajas, está sujeto al robo de la manera más primitiva. ‬‬‬‬‬‬‬‬
Ahora quisiera hablar de un tipo de emprendedor que es algo así como un patrón de las artes y de la música popular. Yo lo llamo “el patrón” porque su relación con el artista es esencialmente feudal. Él o ella, generalmente es alguien producto de padres exitosos e ilustrados, dueño de compañías disqueras, quien ha sido beneficiado con una educación muy buena y tiene mayor capacidad de ver la amplitud del panorama que un hombre de negocios cualquiera. Si les gusta tu estilo y encaja con ellos, te van a apoyar aunque no seas un imán de dinero, y puedo decirles que algunos de estos chicos poderosos se aburren tanto que si tú eres divertido en la oficina, llegarás lejos. Sus ancestros los antiguos charlatanes de la industria, construyeron su negocio para hacer grandes discos pero también para robar al artista en un 100%: derechos de autor, tarifas de agencia, publicidad, regalías, lo que sea. Si alguien se quejaba la línea era “¿pagarte? ¿nosotros te idolatramos?” Dios bendiga a Bo Diddley.
Cuando yo llegué ya había una nueva línea de “patrones”. Gente como ellos permanecen en el negocio y algunos te pueden ayudar. Uno de ellos era Jack Holtzman quien tenía un sello hermoso llamado Elektra Records, ellos lanzaron a Judy Collins, a los Doors, Tim Buckley y Love. Él empezó su carrera vendiendo discos en la tienda de su familia –como Brian Epstein– se vestía mod y nos trataba gentilmente. Era un hombre civilizado. Evidentemente él amaba el arte pero lo que realmente quería hacer era construir un negocio, y lo hizo. Tenía sus propias preocupaciones y sus propios estilos y te tenías que acoplar, y por supuesto cuando él vendió su negocio –como todos los indies eventualmente tienen que hacerlo– tú quedabas culturalmente encallado en manos de un frío y torpe corporativo. Pero Holtzman nos puso en los estudios correctos, con los productores correctos y trató de llevar la escena a los lugares correctos y eso realmente ayudó, es un buen ejemplo en la industria.
Otro buen tipo que conocí fue Sir. Richard Branson. Él creó una cultura superior ahí, la gente era amable y estaba más feliz que esas sabandijas de otras disqueras. La primera vez que él intentó contratarme con Virgin, no funcionó porque yo tenía mi ojo puesto en A&M, una compañía que yo pensaba que me haría respetable, después de todo, ellos tenían a Sting jajaja. En ese momento Richard estaba empezando secretamente su compañía en Estados Unidos, me habló a mi pequeño departamento sin muebles y me dijo que me daría un contrato de largo término y con más dinero del que me habían ofrecido, y fue muy educado y suave al hablar, pero yo me acaba de fumar un porro ese día y no pude tomar la decisión jajaja. Me fui con otra disquera y pronto se aburrieron de mí. Virgin me acogió después, pero esta vez ofreció menos dinero. Maldita sea. Fue mi culpa.
Hay otro personaje indie que es un poco más contemporáneo llamado Long Gone Jonh, de la disquera Simpathy. Buen nombre. John es conocido entre los artistas por su desinterés en pagar regalías. Él tiene una colección muy interesante de objetos de música que incluye mi chaqueta de cuero [chamarra que Iggy utilizó en la contraportada del Raw Power], me gustaría que la devolviera. Hay mucha gente en la industria independiente con un gran don de organización, a quienes les gusta coleccionar freaks, lanzarlos contra la pared y ver quien se queda pegado y quien no; deben tener cuidado con ellos. Un peldaño más abajo de los “emprendedores” o “patrones” se encuentran los ejecutivos. No quieres conocer a estos tipos, usualmente provienen de derecho o contabilidad. Sus protegidos llamados A&R hacen el trabajo sucio. Te puedes volver favorito entre ellos si tu fama o imagen refleja luz en sus carreras. Tienden a no tener personalidad lo cual es su gran fuerza: evítalos. si eres artista te van a hacer sentir enfermo o suicida, lo único bueno que un corporativo puede hacer por ti, y que últimamente ha hecho por mí, es hacerte muy muy ubicuo, hacen bien eso. Pero cuando una compañía es tu banquero, entonces tú básicamente vas a ser The Beverly Hillbillies, por lo que es mejor no tomar su dinero, especialmente cuando eres joven. Ellos son gente muy dura y pueden hacerte daño.
“¿Entonces quiénes son los buenos chicos?” me preguntaron cuando leyeron esto en BBC 6 Music. Bueno pues hay muchos, de hecho, actualmente hay más que nunca y a todos les interesa la escena indie. Primero quiero mencionar a Peter Gabriel y a WOMAD por todo lo que han hecho, que parece ser para siempre, para ayudar a todos los grandes músicos del mundo también llamados World Musicians para que tuvieran un agarre y ganaran un sustento.
Hay otras personas inteligentes que ayudan a otros, como Philip Glass con Tibet House, David Byrne con Luaka Bop, Damon Albarn a través de Honest John Records. También Hypnotic Brass Ensemble. Casi toda la mejor música está saliendo de sellos indie como XL, Matador, Burger, Anti, Epitaph, Mute, Rough Trade, 4 A D, Sub Pop, etcétera, etcétera.
Pero ahora YouTube está intentando exprimir a esta gente porque es más fácil para un power nerd negociar con un par de grandes sellos dueños de este tipo de música que la gente escucha aún cuando no les interesa tanto la música –como ocurre con la mayor parte de la gente–. Entonces ellos tienen las cifras. Pero los indies tienen las armas. Me he dado cuenta de que los indies están cobrando fuerza en algunos de los servicios de streaming como Spotify y Rhapsody –la gente está escogiendo esa música–. Y también es genial que algunas personas inicien sus propias sucursales como Pledge Music, Band Camp o Drip. Tal como el comercio envíe más gente al medio del espectáculo, los sellos indies serán los únicos lugares para encontrar nuevo talento, entonces creo que está bien que se hayan agrupado para firmar el Fair Digital Deals Declaration. Hay tantas maneras de joderse a un artista que es increíble. En los viejos días del vinil, los artistas tenían que deducir 10% de “impuestos por daños” para los discos, supuestamente por si se rompían en la transportación, aún si esto ocurría o no, y ahora tienen el impuesto anónimo digital, lo que sea que eso signifique. Significa dinero para el triple bypass de alguien. Yo de hecho pienso que lo que hizo Thom Yorke con Bit Torrent está muy bien. Iba a decir: “Seguramente el tipo es un pirata de Bit Torrent” pero fui asesorado legalmente y ahora diré: “Seguramente el tipo de Bit Torrent es amigo de un pirata”. Pero todos los piratas quieren volverse legítimos, tal como yo quiero ser respetable. Es normal. Después de un tiempo las personas sienten que eres un fraude, y es muy difícil hacer negocios. Entonces está bien que en este caso, Thom Yorke esté alentando un cambio positivo. La música es buena. Ha sido ofrecida a un precio bajo para las personas a las que les importa.
Quiero intentar definir qué es a lo que me refiero cuando yo digo “libre”. Para mí, en las artes o en los medios, hay dos tipos de libertad. El primero es algo que las personas simplemente sienten por ti. Tú percibes un sentido de posibilidad. Sientes una ausencia de restricción. Esto lleva a situaciones poderosas, energéticas y a veces un poco locas.
Vice Media es un caso interesante de esto porque empezaron como un folleto gratuito, utilizando fondos públicos, y tienen mentes abiertas. Originalmente un folleto libre era llamado Voice y estos chicos dijeron: “¡deshagámonos de lo viejo! ¡yo quiero ser Vice!”. Ok. Se volvieron un gran éxito haciendo un acercamiento profundo sin preconcepciones particulares en sus reportajes, también a través de publicidad corporativa, atrayendo mucho dinero de inversiones y ahora se toparon con Fox Media y con un par de compañías más grandes de EU. Y lo lograron porque atrajeron muchas miradas. Entonces llevaron a Dennis Rodman a Corea del Norte. Y es como una farsa, pero también es una acción empoderada. Es interesante que toda la inversión capital para sus posturas, nunca es la que guía, sino la que sigue. Sigue la acción. Entonces, si es dinero lo que quieres, se tú mismo de manera consistente y podrás obtenerlo. Por lo menos terminarás sabiendo lo que vales y eso te hará sentir mejor.
El segundo tipo de libertad que es importante para mí en los medios es la idea de dar libremente. Cuando sientes que alguien te está dando algo sin obtener ganancias de ello, simplemente respeto por sí mismo; caridad cristiana o como sea que le llamen a eso; eso es energía poderosa. Tengo entendido que The Guardian fue fundando por donación de un hombre exitoso con conciencia social que deseaba ayudar a voces creativas. Entonces estas voces tienen una misión moral o imperativa. Este medio les ha dado la oportunidad para ser interesantes, pensantes, útiles. Y ellos han llevado a Edward Snowden al escenario mundial. Algo que para muchos no es grato escuchar, pero que es necesario mencionar.Estos dos enfoques de libertad no podrían ser más distintos entre sí. Para justificar sus nuevos mega dólares, Vice tiene que expandirse constantemente en términos capitales. Presumiblemente tiene que llamar la atención de una audiencia tonta pero enérgica. Por supuesto todas las expansiones capitalistas están sujetas al bing bang –un globo que se infla, se expande, se rompe y ¡pum! estás fuera–. En cuanto a The Guardian, supongo que esa tarea requiere ganar la confianza y el apoyo de lectores más críticos y menos definidos, sin gastar lo principal. Generalmente hay una antipatía entre los polos culturales, pero estos dos de hecho tienen cosas en común en términos de energía y fastidio para impulsar aquello que están dispuestos a generar.
Algunas veces prefiero leer sobre música que escucharla. Uno de mis libros favoritos es Bootleg: The Secret History of the Other Recording Industry por Clinton Heylin. Compré el libro en los 90 porque un par de mis bootlegs [grabaciones extraoficiales] eran mencionadas. Amo mis bootlegs. Hicieron mucho por mí. Nunca antes había reflexionado sobre qué tanto. Me gustan los nombres Stuck on This, Stow Away, DOA or Metalic KO. Sus portadas generalmente eran más creativas que el resto de mis cosas oficiales. Entonces me gustaba ser visto y escuchado, como nadie más. Quienes diseñaban mis bootlegs eran más creativos. Aquí hay dos citas de las portadas escritas por los incondicionales veteranos de las bootlegs:
“Un bootleg es profundamente investigado y es una historia altamente entretenida de aquellos bandoleros, desventurados amateurs y verdaderos creyentes que han hecho maravillas por mi colección de discos. El rock and roll no puede ser más underground que esto.” Ese fue David Fricke, el editor de música de la Rolling Stone.
“Creo que los bootlegs mantienen viva la llama de la música, preservando no sólo la concepción industrial del artista, sino también la concepción artística del mismo.” Ese fue Lenny Kaye de la banda de Patti Smith, músico, crítico y amigo mío.
¡Wow! ¡Suena heroico y vital!Me pregunto si estas personas sienten todo esto ahora, porque las cosas han cambiado, ¿no? Ahora pensamos en Megaupload, kim.com, grandes ganancias, poder político y varias definiciones para “ladrón” que en términos legales sobrepasan mis conocimientos. Quiero incluir aquí el discurso enojado de un bootlegger pionero porque es muy apasionado y creo que es gracioso.
Estas palabras son de Lou Cohan: “si alguien cree que porque he adquirido cada uno de los álbumes de los Rolling Stones que existen y he comprado todos los álbumes de los Rolling Stones que han lanzado en Inglaterra, Francia, Japón, Italia y Brasil; cuando tenga unos cien dólares extra en mi bolsillo, en vez de comprar un bootleg de los Rolling Stones, voy a comprar un álbum de John Denver o de Sinead O’ Connor, están idiotas.”
Este tipo está intentando decir “no intenten obligarme y no roben mis opciones.” Y las personas que no quieren el download gratis de U2 están intentando decir: “no me lo impongan”. Y tienen un punto. Parte del proceso cuando compras algo de un artista es un poco como una unción, estás dando amor. Es tu opción dar o retener. Estás dando un montón de ti mismo, además de dinero. Pero en este caso particular, tal vez algunas personas se sintieron despojadas de esa oportunidad y tienen un buen argumento, pero no se trata sólo del argumento, ni de que sean personas malas. El problema es que ahora, todo el mundo es un bootlegger, y no son tan simpáticos como antes, y hay gente por ahí que únicamente está robando y diciendo no intenten forzarme a pagar. Y el acto de robar se volverá un hábito y esto es malo para todo. Estamos intercambiando el robo corporativo por uno público, uno asistido por nerds, Putins de la computación que sólo quieren volverse ricos y poderosos. Y ahora las bandas más grandes están vendiendo boletos con precios absurdos y regalando música antes de que fracase, en un esfuerzo por mantenerse grandes. Y hay algo en ese “grande” que apesta.
Esto nos lleva al Punk. Lo más punk que he visto en mi vida es un caja gigante de Malcolm McLaren llena con viejas y sucias botas puntiagudas [winkle pickers]. Fue la primera cosa que vi cuando entré a Let it Rock en 1972, que era una tienda en Kings Road. Era una gran caja horrible de cartón llena de botas impares, empolvadas, y secas, sin agujetas, a un precio de locura, tal vez como a 5 libras cada una. En la misma calle, unas 200 yardas arriba estaba Granny Takes a Trip, donde vendían ropa apropiada para rockstars, como bufandas, chaquetas de terciopelo y botas de piel de serpiente con plataforma. La caja de mierda era como una bomba contra el statu quo porque decía que estos zapatos violentos tienen la idea correcta y que valen más que lo que sea de tu moda, que sirve a un valor falso.¿Entonces el robo es un asunto tan importante? Éticamente sí, y destruye a la gente porque es un mal camino a tomar. Pero no creo que ése sea el mayor problema de la industria de la música. Creo que la gente está algo aburrida, y más que un poco rota. Nada de dinero. Especialmente la gente de clase trabajadora que ha sido completamente desplazada, jodida y abandonada. Si yo tuviera que depender de lo que obtengo de las ventas, estaría atendiendo bares entre escenarios. Digo, honestamente, esto se ha convertido en un sistema de patrocinios. Hay muchas corporaciones involucradas y yo no las condeno, pero no es tan divertido como tocar en Music Machine en Camden en 1977. Es una atmósfera general de resentimiento, presión, y algo así como una guerra perpetua. Y creo que perseguir a una niña de colegio porque compartió un archivo es muy parecido a enviar a alguien a Australia hace 200 años por haber cazado al conejo de su amo. Así ha de parecer ante las personas pobres que quieren únicamente ver una mugre película gratis después de haber trabajado a muerte todo el día en Tesco o lo que sea.
Si quiero hacer música en este punto de mi vida, más me vale hacer lo que quiero y hacerlo gratis –lo cual hago– o barato, si es que puedo permitirme hacerlo así. Y puedo. Y percibo dinero de medios alternativos, como el presupuesto de un filme, o un sito web de moda, de los cuales he hecho ambos. Perdón pero, si lo que deseo es hacer dinero, bueno, ¿qué tal vender seguros para autos? Por lo menos soy honesto. Cada plataforma de medios que he conocido ha sido la fachada para publicidad o propaganda o ambas. Y siempre adorna el contenido. En otras palabras, escuchas mierda en la radio comercial. Los derechos de la música en las películas, en los corporativos, y en la TV se han vuelto importantes porque estas personas saben que no son divertidas, por lo que incluyen música que sí lo es. Yo estoy de acuerdo con esto porque esa fue la vía en la que se abrió una puerta para mí. Yo fui escuchado en TV antes que en radio. Pero en ese entonces yo estaba bien. Y otros también. He notado que hay mucha gente joven, cada vez más joven, teniendo exposición por esos medios. Pero ésa es una decisión personal, y creo que es una decisión estética, no ética.
Ahora con el Internet la gente puede elegir escuchar cosas e investigar a su propio modo. Si quieren verme con cola de caballo saltando en el Apollo de Manchester, pueden verlo. Bien. Personalmente no me preocupa mucho que me paguen por una cosa dada, porque nunca esperé mucho en primer lugar y toda la industria se ha hinchado de expectativas. Toda esta cosa empezó en los bares Honky Tonk [bares de música country]. Es más importante hacer algo importante o simplemente hacer que la gente sienta algo y después sólo confiar en Dios. Si eres un artista [entertainer] tu Dios es el público. Ellos te cuidarán de alguna manera. Quiero que ellos escuchen mi música de cualquier manera. Punto. Hay una mano invisible que cambia las páginas de la existencia en maneras que nadie puede predecir. Pero mientras, esperas que se aparezca Dios e intentas encontrarte a un buen abogado.Es bueno recordar que éste es el trabajo soñado, aunque te presentes o trabajes en la industria del entretenimiento, o del medio del espectáculo o escribas. Entonces sueña. Sueña. Sé generoso, no seas tacaño. Por favor. No puedo evitar expresar que siempre pareciera que la persecución del dinero coincide con el gran arte. Pero el dinero es algo así como un agente muerto. Mata todo lo que no refleja su propia imagen, entonces tu hogar se vuelve el dinero, tus amigos se vuelven el dinero, tu música se vuelve el dinero. No hay diversión, es un código binario –cero uno, cero uno–, no riesgo, no nada. Haz lo que tengas que hacer, la vida es una gran confusión, entonces yo aconsejo que te esfuerces para diversificar tus habilidades e intereses. Mantente lejos de las drogas y de los jueces de talento. Organízate. Mucho o poco, eso ayuda.
Me gustaría que a ustedes les fuera mejor de lo que a mí me fue. Mantén tus sueños lejos de los negocios sucios, o te volverás loco, y el dinero no te ayudará. Cuida tener siempre una salida espiritual. No vivas a expensas de este juego porque no vale la pena morir por ello. Aférrate a tus esperanzas. Tú sabes lo que son. Son privadas. Porque eso es lo que realmente eres y si puedes aferrarte lo suficiente, serás recompensado. Espero que esto te haga feliz. Es el fin lo que cuenta, y las mejores cosas de la vida son gratis.

Fuente: NO FM

miércoles, 21 de junio de 2017

Comienza el invierno

Esta estación se caracteriza por días más cortos, noches más largas y temperaturas más bajas a medida que nos alejamos del Ecuador. Como las demás estaciones del año, el invierno es causado por la inclinación de 23,44 grados del eje terrestre sobre su plano orbital.

Desde un punto de vista astronómico, comienza con el solsticio de invierno, el día 10 de diciembre en el hemisferio norte y el 21 de junio en el hemisferio sur, y termina con el equinoccio de primavera, alrededor del 21 de marzo en el Hemisferio norte y el 21 de septiembre en el hemisferio sur, variando las fechas levemente según el año. El hecho que la órbita de la Tierra sea elíptica, se traduce en una duración menor del invierno en el hemisferio norte y mayor respecto a éste en el sur, ya que en julio se produce el afelio, durante el invierno austral, y en enero el perihelio durante el boreal. En resumen, el invierno dura aproximadamente cuatro días más en el hemisferio austral que en el boreal.
Desde una óptica meteorológica, en cambio, se suelen considerar invernales los meses enteros de diciembre, enero y febrero en el hemisferio norte y junio, julio y agosto en el hemisferio sur.
El invierno es la estación más fría del año, y sus características son inevitablemente definidas en contraste con las otras estaciones del año; ya que durante los días invernales las temperaturas son más bajas y hay menos horas de luz solar. Estas características se acentúan a medida que nos alejamos de los trópicos y nos acercamos a los círculos polares.
En algunas regiones del planeta, según su latitud, altitud y determinadas condiciones meteorológicas, se puede observar la caída de nieve.
 

martes, 20 de junio de 2017

Crowley comparte álbum debut

El álbum "Catarsis" no es precisamente sólo un álbum, es además un proceso de sanación y elevación de la mente. Su música y sus letras fueron diseñadas para enmendar los trastornos emocionales alojados en lo profundo de la conciencia.

El álbum "Catarsis" de Crowley contiene 12 canciones:

1. Gargantúa
Habla de lo esclavo que es el ser mental del tiempo y de la materia.

2. Sin culpables
Habla de la injusticia y la codicia, como estas causan impotencia y depresión.

3. Virus Homo Sapiens
Cuestiona la relación de la raza humana con el planeta que la hospeda, y el rol infeccioso que esta representa a los ojos de la naturaleza.

4. Privación voluntaria de la vida
Narra la historia de una persona que decide quitarse la vida.

5. Contra los dueños del sol
Habla del orden jerárquico social y la equidad entre seres. Bajo la luz del sol todos somos iguales.

6. Enlace perpetuo
Narra el proceso mental que sufre una persona tras separarse del ser que ama.

7. Haz tu voluntad
Es una canción que estimula a cumplir los anhelos del corazón, con la fuerza del universo como corriente de energía.

8. Adiós
Homenaje a Alfonsina Storni de su obra homónima, habla sobre la caducidad de los seres y las cosas, de como no volverán a ser lo que una vez fueron.

9. Dulce niñez
Narra la historia de un niño llamado Timmy y las dificultades que tiene en su desafortunada vida.

10. Miedos
Explica como el miedo se apodera de la mente, distorsionando la realidad y desatando una lucha de dominio.

11. Alma arrepentida
Cuenta la historia de una persona que dedico su vida a vanidades y que luego, en el ocaso de su tiempo terrenal, advierte haber perdido el tiempo en una rutina trivial y que su existir no fue trascendente.

12. Plegaria del indigno
Relata la frustración del ser en el labor que lo apasiona, el desanimo y la inseguridad de un ser que se ve incapacitado de cumplir el rol para el cual fue concebido.

Grabado y masterizado en Estudio Paraiso

Coro Yaya's Paraíso Vocal: Paula Riestra, Yanina Mancilla, Nicolás González y Fernando Borrás.