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domingo, 18 de noviembre de 2018

La ciencia analiza el milagro Ozzy Osbourne vivo

John Michael Osbourne (69), conocido en todo el mundo como Ozzy, es fundador de la banda inglesa Black Sabbath y considerado hasta estos días como el “Señor de las Tinieblas” y el “Padrino del Heavy Metal”.
El músico nació en la ciudad de Birmingham, Reino Unido, un 3 de diciembre de 1948. No caben dudas de que su fama se inició en la década de los 70, cuando se convirtió en vocalista y líder de la banda antes mencionada. Desde ese momento popularizó canciones como "War pigs", "Paranoid" o "Children of the grave".
Decir que su vida fue frenética desde esos años es quedarse corto, ya que el propio artista confesó en muchos momentos que pasó 30 años borracho y otros 40 adicto a cerca de 10 tipos de drogas diferentes.
Según un reportaje del diario español El País, Osbourne confesó en una entrevista en 1995 que en su juventud más alocada fue adicto a la cocaína, morfina, pastillas para dormir, jarabe para la tos y LSD, entre otras sustancias.
Si a eso le sumamos que en su adolescencia se dedicó a la vida de pandillero robando en casas particulares para subsistir, razón por la que estuvo detenido tres meses, se puede decir que su paso por este mundo ha sido desenfrenado y configura una personalidad casi adictiva.
Sin embargo, hoy lo podemos ver en medio de su gira No More Tours, como un veterano que entrega lo mejor de sí para deleitar a una fanaticada fiel. Nadie puede entender de dónde surge esa energía.
Para las nuevas generaciones, Ozzy se hizo conocido al mostrar su vida en un reality show de la cadena MTV durante 2002 y 2005. En aquel programa declaró que ni él mismo lograba explicarse cómo estaba vivo tras “haberlo probado todo”, por lo que la respuesta podía estar en sus genes.
Fue esta interrogante la que llevó al laboratorio estadounidense Knome, en 2007, a realizar una proposición insólita a Osbourne: estudiar su genoma para averiguar cómo había resistido a 4 décadas de hábitos sumamente dañinos para la salud.
Fue el propio artista quien aceptó esta propuesta, indicando además que una vez que estuviera muerto donaría su cuerpo a la ciencia para que siguieran haciendo estudios respecto a su resistencia a las sustancias ilícitas.
El mismo confirmó esta investigación al periódico estadounidense Sunday Times, indicando que él mismo tenía curiosidad por saber cómo había llegado a los 60 años de vida con salud plena.
“Tenía curiosidad. Dado el número de piscinas de alcohol que he bebido a lo largo de los años, por no hablar de la cocaína, morfina, barbitúricos, LSD, Rohypnol, lo que sea. No había ninguna razón médica plausible de por qué estaba todavía con vida. Tal vez mi ADN podría decir la razón”, expresó en la oportunidad.

 

Las conclusiones tras 10 años de investigación

 

Jorge Conde y Nathan Pearson, científicos y directores del laboratorio Knome, indicaron en 2016 en una entrevista a la revista Scientific American que la investigación podría tardar décadas, aunque ya había resultados suficientes para concluir algunas cosas.
En primer lugar, los encargados del estudio indicaron que, por herencia genética, Ozzy es una persona que está más propensa a experimentar adicciones y dependencias de sustancia, aunque su metabolización del alcohol es mucho mejor que la de alguien normal.
“Ozzy lleva varios cientos de miles de variantes que nunca se habían visto dentro del campo de la ciencia. Pasará mucho tiempo hasta que podamos responder a todos estas variantes. Muchas de las variantes en el genoma son acerca de cómo el cerebro procesa toda la dopamina. Ozzy es 2,6 veces más propenso a experimentar alucinaciones con marihuana, tiene un mayor riesgo de adicción a la cocaína (1,3) y mayor predisposición a la dependencia con el alcohol”, expresó Pearson.
A eso agregaron: “En cambio los genes de Osbourne también nos sugieren que es lento para metabolizar el contenido del café”.
En efecto, Pearson destacó que el músico es capaz de metabolizar de forma más eficiente el alcohol en su cuerpo que una persona corriente, añadiendo que su variable genética resulta clave.
“Ozzy cuenta con una variante de los genes para procesar el alcohol, el gen ADH4, que es el responsable de metabolizar todo el alcohol que se toma. Esto explica de qué forma su cuerpo es capaz de metabolizar de forma más eficiente la bebida que una persona promedio. Estuvimos ante una persona que aseguró haber bebido entre una y dos botellas de alcohol al día”.
Por otra parte desde Knome explicaron, según detalla el medio Gizmodo, que Osbourne tiene 1.3 más probabilidades que una persona normal de ser adicto a la cocaína, a la vez es menos propenso que alguien normal a ser consumidor de heroína o tabaco.
“Ozzy cuenta con una variante en el gen CLTCL1 con una duplicación de esta proteína, a su vez una variante rara e inusual que provoca una versión distinta a la que produce el resto de los mortales. En este caso se hace referencia a cómo se comunican las células nerviosas entre ellas”.
Sin duda, lo que más llamó la atención de aquel informe fue que los científicos encontraron que Ozzy tiene ancestros pertenecientes a un linaje Neandertal.
“Por un largo tiempo, creímos que los neandertales no tenían descendientes, pero resulta que asiáticos y europeos tienen evidencia de linaje Neardental… encontramos un pequeño segmento en la cromosoma 10 de Ozzy, que probablemente lleve a un ancestro Neandertal”, estimaron.
Sin embargo, en 2010 los investigadores indicaron a La Vanguardia que este estudio podía tardar décadas, ya que el músico llevaba variables genéticas nunca antes vistas en una persona.
“Ozzy lleva cientos de miles de variables que ningún científico había visto. Va a pasar un tiempo antes que tengamos la información suficiente para que la sociedad entienda esas variables”, concluyeron.

 

Vida de excesos

 

Dentro de su libro biográfico "I Am Ozzy", el vocalista recordó que conoció y se casó con su esposa Sharon Osbourne en 1971. Ese mismo año tuvo su primera experiencia con la cocaina, la cual fue la puerta de entrada a drogas más duras.
Sus continuos excesos hicieron que fuera expulsado de Black Sabbath en 1979. Se dice que tras ese hecho estuvo tres meses encerrado en una habitación y consumiendo diversos tipos de estupefacientes y alcohol.
El propio Ozzy asegura que si no hubiese sido por su esposa, quien en 1980 lo obligó a entrar en rehabilitación, habría muerto a causa de sus adicciones.
En 2017, conversando con revista Rolling Stone, el músico aseguró que Sharon fue la persona que lo salvó de muchas crisis existenciales, llevándolo incluso a convertirse en un mejor padre.
“Mi ego manejaba mi vida, pensaba que tenía derecho a ser quien me diera la gana. Ese no fue el caso, porque cuando traes a alguien al mundo se convierte en una responsabilidad. Sharon es de esas madres que aunque haya viajado por todo el mundo, de todos modos regresaría a Inglaterra para llevar a los niños al zoológico o al cine”, señaló.
A eso agregó: “Mientras ella hacía eso yo estaba en el piso de algún bar. Pero el estar sobrio les da la esperanza de que regrese para quedarme. Ahora mi relación con mis hijos es fabulosa”.
La última vez que se supo sobre las adicciones del británico fue en 2013, cuando escribió un dramático posteo en redes sociales indicando que había estado consumiendo sustancias ilícitas y alcohol por 18 meses.
“Durante el último año y medio he estado bebiendo y tomando drogas. Estaba hundido en un agujero y he sido un idiota con la gente a la que más quiero, mi familia. De todas formas, estoy feliz de poder decir que llevo 44 días sobrio”, explicó.
En la oportunidad añadió: “me gustaría pedir perdón a Sharon, mi familia, mis amigos y mi compañeros de banda por mi demente comportamiento”.
Cabe señalar que, durante su existencia, tuvo seis hijos y es abuelo de siete nietos. Por ahora tendremos que esperar varios años más hasta que se logren descifrar qué otros secretos guarda el genoma de Ozzy Osbourne, quien cumplirá 70 años el próximo 3 de diciembre.

Fuente: BioBio

sábado, 17 de noviembre de 2018

Black Sabbath tiene un puente con su nombre en Birmingham

Está ubicado en Birmingham, su ciudad natal, y el arquitecto quiere reunir a los miembros originales para su inauguración

Black Sabbath se retiró de los escenarios con una gira mundial y un último show en Birmingham, su cuidad natal de Inglaterra. Ahora llegó el momento de los homenajes y reconocimientos para los pioneros del heavy metal. Según informó el Birmingham Mail, a través de un proyecto presentado por el arquitecto Mohammed Osama, fan del grupo, se cambiará el nombre del puente que se encuentra en Board Street por “Black Sabbath Bridge”. Pero la iniciativa no finaliza ahí. Los fans que se acerquen al puente podrán disfrutar de una banca conmemorativa con los retratos tallados en acero inoxidable junto a la inscripción “Geezer. Ozzy. Tony. Bill. Made in Birmingham 1968″, diseñado por Tarek Abdelkawi.
En ese lugar en donde se encuentra el puente, Black Sabatth también tendrá su propia constelación en el Paseo de las Estrellas, que se otorga a las personalidades famosas de Birmingham. “Mi visión es reunir a los miembros originales para la revelación de las estrellas y la banca ‘Metal Bench’, que es la joya de la corona de este proyecto”, declaró Osama. “Sería el mejor final y el cierre que puedo imaginar. Para ellos a nivel personal y para sus seguidores en todo el mundo”, agregó el arquitecto. Todavía falta la aprobación del Ayuntamiento de la ciudad para iniciar los trabajos.

 
Fuente: Soy Rock

viernes, 16 de noviembre de 2018

Blondie: "La tecnología destruyó muchas de nuestras canciones"

Fabrizio Pedrotti - Clem Burke cuenta cómo llegaron al balance con las máquinas en “Pollinator”, y por qué siente que el pop está más clínico. También recuerda su paso por Eurythmics y las veces que puso su cabeza adentro de un horno, antes del Rock & Pop Festival.

“No es que tenés que meter la cara en el horno, sino la parte trasera de tu cráneo. Siempre a una temperatura muy baja, y tratando de ser cuidadoso con tu cabello. ¡Aunque suena loco, funciona!”, dice Clem Burke, el baterista de Blondie, desde Nueva York.

-¿Pero por qué empezaste a hacerlo?

-Bueno, no podía pagar por un secador de pelo, imaginate que eran los ‘70s (risas). Interesantemente, Bob Geldof me recomendó la autobiografía de Rod Stewart. No sé si la leíste, pero ahí cuenta que hacía lo mismo. Por ende, no es tan extraño.

-¿Y seguís con ese método?

-No, ya no. Aunque me sentí bien acompañado cuando me enteré de que Rod también era de los míos, porque tiene uno de los mejores peinados de la industria (más risas). Una gran parte del rock and roll tiene que ver con el cabello, y todos lo sabemos. Fijate el caso de los Beatles, sino.

Pero el verdadero motivo de la entrevista con Clem Burke no es hablar sobre sus obsesiones capilares: Blondie, la banda de la que es casi fundador, vive un gran presente. “Siempre estoy de buen humor cuando hacemos cosas con el grupo. Tengo muchas ganas de ir a Buenos Aires, porque hace más de una década que no estamos por ahí. ¡Es increíble! The Magic Numbers va a tocar con nosotros, ¿verdad? Porque me encantan”, dice con ímpetu detrás del teléfono.

La otra parte de su entusiasmo se da por el décimoprimer álbum de estudio de Blondie, que salió en mayo del año pasado. Las once canciones fueron grabadas en The Magic Shop, el mismo espacio del SoHo en donde David Bowie registró algunas de sus mejores obras.

“Empezamos en Navidad de 2015, y nos tomamos un break. Justo cuando volvimos, él había fallecido. Nos emocionamos mucho, porque podíamos sentir su presencia -señala Burke, que trabajó con el vocalista-. Imaginate que ahí grabó ‘The Next Day’ (2013) y ‘Blackstar’ (2016). Fue triste regresar al lugar, y aunque la gente que laburaba con él tenía un contrato de confidencialidad, nos enteramos de lo que había sufrido y cómo era en el estudio. Irónicamente, The Magic Shop también cerró después de que terminamos nuestro disco, así que fue el final de una era”.

“Pollinator” fue co-escrito junto a figuras como Johnny Marr (The Smiths), Dave Sitek (TV on the Radio, Jane’s Addiction), Nick Valensi (The Strokes), Sia, Charli XCX y Dev Hynes; y recibió 4 estrellas en medios prestigiosos como The Guardian.

Por los resultados, se nota que Debbie Harry, Chris Stein, Clem Burke y compañía disfrutaron mucho del proceso. “La banda está en su mejor versión: tenemos a dos nuevos músicos que son increíbles, el tecladista Matt Katz-Bohen -que se unió en 2008- y el guitarrista Tommy Kessler -incorporado en 2010-. Esta vez, sabíamos que queríamos juntarnos y grabar al mismo tiempo. Eso fue lo que hicimos, sobre todo con las pistas de base. El método fue bastante parecido al de clásicos como ‘Parallel Lines’ (1978) o ‘Eat to the Beat’ (1979). De hecho, el dueño del estudio está remasterizándolos para que salgan en 2019”.

-También van a incluirse otros discos, ¿verdad?

-Sí, “Blondie” (1976), “Plastic Letters” (1977), “Autoamerican” (1980) y “The Hunter” (1982). Pero ahora mismo estrenamos un 12’’ de “Heart of glass”, con todos los demos y demás. Es muy conveniente para que los DJ’s tengan un vinilo con las diferentes versiones, mezclas y tomas. Queremos que los álbumes clásicos lleguen a las generaciones más jóvenes, que por suerte están siguiéndonos mucho.

-¿A qué lo atribuís?

-A internet. Para nosotros fue una buena herramienta, porque nos presentábamos en los programas de los ‘70 y nunca nos volvíamos a ver. Pero ahora, de repente, nos encontramos de nuevo en YouTube. Y creo que el hecho de seguir tocando y sacando discos le permite a los más chicos ver de qué se trata la banda. Es genial lo modernos que ya parecíamos en esos videos de los ‘70 (risas), especialmente con el glamour de Debbie, que era fantástica. Estoy muy feliz de que sigamos juntos, que continúen las giras y que podamos ir a Sudamérica.

LA TECNOLOGÍA, UN ARMA DE DOBLE FILO

Desde el comienzo, Blondie fue inclasificable: la banda -que adoptó ese nombre en honor al apodo que recibía Debbie Harry cuando la acosaban en los ‘70- coqueteó con el punk, la new wave, el disco, el pop, el rap y hasta el reggae. Un elemento que siempre estuvo fueron las bases electrónicas… hasta que, hace poco, Clem Burke sintió que era demasiado.

-“Ghosts of Download” (2014) tuvo muchas baterías programadas, y no quedaste contento. ¿De quién fue la idea de volver a la sangre humana?

-Yo fui el que insistió para que hiciéramos exactamente lo que quedó en “Pollinator”, pero al grupo le llevó tiempo darse cuenta de que éramos capaces de grabar todos a la vez. Siempre hay espontaneidad e improvisación cuando estamos reunidos, y es una parte muy importante del vivo. Desde que Blondie se junta hasta que termina, puede pasar cualquier cosa. Lo mismo en los shows, obviamente que dentro del contexto de las canciones pop. Estuvimos haciendo mucho de eso: no necesariamente cambiándolas drásticamente, pero sí agregando algunas cosas para encontrarnos en sincronía uno con el otro. Igual siempre experimentamos con la tecnología, si te fijás en “Heart of glass”, el rol de la batería programada fue muy importante. Y cuando laburamos con Giorgio Moroder -en “Call me”- tocamos sobre un sintetizador. Volviendo a lo que decías, con los discos previos a “Pollinator” nos dimos cuenta de que los temas realmente cobraban vida en los shows. La tecnología destruyó muchas de nuestras canciones, sobre todo de “Ghosts of Download” y el anterior, “Panic of Girls” (2011). Ambos tienen muy buenas cosas, pero no son de mi agrado.

-Lo gracioso es que también formaste parte de Eurythmics, otra banda llena de sintetizadores. Cuando aparecieron las primeras máquinas, ¿cómo hiciste para sacarles el provecho sin que ocuparan tu espacio? Sé que, por ejemplo, tocabas “en contra” del ritmo.

-Si usás un aparato, la mezcla recién suena más viva cuando le sumás la percusión real. Es interesante que nombres a Eurythmics, porque más allá de que trabajaban con sintetizadores, como en “Sweet dreams”, yo toqué en ese tour y era todo muy orgánico. Cuando grabamos “Revenge” (1986), la gira fue enorme. Éramos músicos muy capaces y no usábamos programaciones en vivo, ni siquiera en canciones como “Sweet dreams” o “Who’s that girl”. La tecnología es un gran agregado, pero creo que ahora se llegó al balance perfecto, como hicimos nosotros en “Pollinator”: la combinamos con excelentes músicos y buenos temas. Las máquinas solas no hacen nada. Todas las herramientas son geniales y tienen sus lados positivos, desde la armónica hasta los sintetizadores, pasando por los banjos. Siempre hay espacio.

Sos zurdo, pero desde el principio usás un kit para diestros. ¿Cuánto de tu sonido creés que hay ahí?

-Ringo Starr también lo era, y es uno de mis bateros favoritos. Me da un estilo diferente, aunque ahora me considero casi ambidiestro. Igual, siendo zurdo, siempre vas a “llevar la batuta” con la mano izquierda; y a la inversa en el otro caso. Pero sí noté que me dio muchos fills únicos. Cuando otros músicos tratan de “emular” mi forma de tocar, les cuesta porque yo llevo el ritmo como un zurdo. Por ejemplo, hago la técnica de “16th notes” en el hi-hat con la izquierda, y es inusual. Así que hay un poco de eso en mi sonido. Por suerte, empecé en una batería para diestros. Incluso probé a hacer lo mismo con la guitarra, pero me fue mucho más difícil.

-Igual. siempre fuiste un arriesgado. Con Eurythmics usabas un tom en lugar del redoblante, y una botella de leche en vez de uno de los platillos...

-(Risas). Bueno, así como Chris y Debbie me abrieron la cabeza, también lo hicieron Annie -Lennox- y Dave -Stewart-, junto con mucha otra gente. Me enseñaron que cualquier cosa está bien en el estudio, y dejaron que haya espacios para experimentar. Fueron muy talentosos y permeables, y es muy importante especialmente con los tracks de las bases. Una canción puede hacerse de muchas formas, pero si es buena, es buena; y funciona con una acústica o sintetizadores. Tanto con Eurythmics como con Blondie teníamos grandes temas, aunque obvio que ahora jugamos más.

-Entiendo.

-A mí encanta tocar, y Debbie ama estar sobre el escenario. En los shows de Blondie hay canciones con programaciones y otras en las que no usamos nada, así que tenemos “lo mejor de los dos mundos”. Un 25% son bases y clicks, pero el resto se da de manera libre. Necesitás tener esa puerta abierta a que cualquier cosa pueda pasar, y a la vez saber qué carajos estás haciendo (risas). Si te fijás en “Live at Leeds” (1970) de The Who, tocaban sobre clicks y pistas. Tampoco tendríamos “A Love Supreme” (1965) de John Coltrane, ni los primeros de Miles Davis, The Rolling Stones o Buddy Holly. Eran todos muy estrictos, más allá de que improvisaban. Cuando ves una banda en la que todo se basa en las programaciones, es aburrido. Me gusta que haya errores de vez en cuando.

-Sí, darle un poco más de humanidad.

-Exacto, como vos dijiste. Por ejemplo, amo el dance de los ‘70, con los Bee Gees, KC & The Sunshine Band y canciones como “Rock the boat” -de The Hues Corporation-. Esos eran verdaderos artistas tocando muy buenos temas. También pasa en la música latina, con las congas y la percusión. Lo hace muy real y emocionante, y lo necesitás. El pop se fue volviendo más clínico con los años, y es una lástima.

EL REGRESO A SUDAMÉRICA

La primera y única vez que Blondie tocó en la Argentina fue en el Personal Fest 2004, junto con Morrissey y Primal Scream. El sábado volverán a compartir escenario con otras bandas, en la vuelta del Rock & Pop Festival, aunque serán los headliners. La grilla se completará con The Vamps, Azealia Banks, The Magic Numbers, Eruca Sativa, Octafonic y Todo Aparenta Normal.

-En el documental “My View” contaste que no te gusta dar shows con los paneles de acrílico alrededor de la batería, porque con el reflejo sólo te ves a vos. ¿Cómo hacés para no desconcentrarte?

-(Piensa). Trato de no ser tan consciente. Es una barrera que controla el ruido, y cuando ponen eso en los estudios, la calidad mejora mucho. A veces me aparta del público, dependiendo de las luces, pero medio que ya me acostumbré. Aunque no es mi aspecto favorito, es lo que necesitan los conciertos de Blondie, y a veces hay que relegar cosas. Si trabajás en conjunto, siempre comprometés algo.

-Obvio, sino es imposible.

-Cuando hay gente puteándose adentro de una banda es porque no están laburando unidos. Tiene que haber una comunicación musical, pero también amistosa y personal. Un ejemplo es el de Los Ramones: mientras estuve en el grupo, no se hablaban uno con el otro. Era horrible, y les dije desde un principio que no quería quedarme, porque había un montón de antagonismo y estrés. Incluso, capaz sea una de las razones por las que ya no viven. Los Beatles, en “A Hard Day’s Night”, crearon el mito de que eran amigos y hermanos, y después Los Ramones lo tiraron abajo en “End of the Century”. Se trataban de una manera terrible, y yo prefiero que mi carrera sea como en “A Hard Day’s Night”. Lo estoy simplificando, pero hay que abrirse en todos los niveles. Lo mismo pasa con la vida en sí: cualquiera debe poder hacer lo que quiera, mientras que no moleste a nadie. La misoginia y la homofobia son malas, y la gente tiene que llevarse bien una con la otra. Aunque claro que es más fácil decirlo que lograrlo. En ese sentido, Blondie es como un microcosmos.

-Volviendo a tu obsesión con el cabello… ¿qué harías si se te cayera hoy?

-Estaría terminado, amigo. ¡Una vez que se va el pelo, el rock and roll también! (risas).

-¿Y nunca se te lastimó adentro del horno?

-No, por suerte al horno nunca le pasó nada (carcajadas).

Fuente: Rock.com.ar

jueves, 15 de noviembre de 2018

El nacimiento del Heavy Metal y su relación con el inconsciente

Lacan, capturado en un momento profundo, con su puro culebra en la mano
Julieta Barreyro - Lacan afirma “que el inconsciente está estructurado como un lenguaje”. Hay una división que está en cada uno de nosotros y que la manera más simple y el lugar más “sutil” de ver esa división es a través del lenguaje: escuchando nuestro discurso. Un olvido, un acto fallido. Yo quería hacer algo, pero no lo hice; yo quería decir una cosa, pero dije otra.
Al poco tiempo, JL Parise ( a quien yo considero un Gran Maestro y de quien Aprendo muchísimo) me mostró la raíz etimológica de la palabra “di-ablo”: División al Hablar.
Tengo que Escuchar lo que Digo. Decir, Hablar, Nombrar, Poner en Palabras. El Poder de La Palabra, eso que todas las Culturas Sagradas Valorizaban por sobre todas las cosas.
Mientras, vemos lo “DIabólico” y lo “DIvino” unidos por el prefijo DI, de DECIR.
Y ya que hablamos de lo DIabólico y lo DIvino: ¿Hay algo más “DIvino” que la música? Desde las composiciones de Mozart hasta un Ícaro (canto sagrado de poder del Chaman), la música es un puente que nos conecta con mundos y estados de ánimos muy palpables y a la vez muy intangibles.
Sin embargo , volviendo a la “Mitológica” batalla de “lo DIabólico” y lo “DIvino”, en la edad media, la iglesia decidió dejar a un lado lo que ellos consideraban el “diablo” en la Música: el tri-tono (un intervalo o distancia de 3 tonos, el IV y VII grado de una escala tocado al mismo tiempo).
La iglesia cristiana eran tan poderosa e influyente entonces-ya que la mayoría de los reinos de Europa Occidental acataban la autoridad del “Papa” y se veían a sí mismos como resultados de la voluntad de “DIos”- que el tri-tono fue completamente reprimido ya que producía un sonido tan seductor y oscuro, generado por la tensión que esos intervalos producían entre sí, que creían que al escucharlo, que al ejecutarlo, invocaban “fuerzas demoníacas”.
"El Sueño de Tartini" por Louis Léopold Boilly con las notas que conforman el tri-tono
Ni entonces ni ahora vieron o ven eso como una proyección de pensamientos que habitaban en sus propias mentes. Se creyeron independientes de eso externo que generaban al escuchar el tri-tono.
Por muchos años el tri-tono fue prohibido de ser tocado e interpretado. Al tri-tono se lo reprimió.
Y ¿Qué es reprimir? Reprimir es un mecanismo de rechazo que se usa para “contener” “menguar” “regular” algo (una idea o sentimiento, etc) que sea considerado como inaceptable.
Freud decía que “El psicoanálisis nos ha revelado, que la esencia del proceso de la represión no consiste en suprimir y destruir una idea que representa al instinto, sino en impedirle hacerse consciente”.
Pero ese mismo Freud es el que también enseñó “El Retorno de lo Reprimido”. Se trata de un proceso del psiquismo por el que todo aquello que fue “reprimido”, es decir “echado de la parte consciente”, tendrá la tendencia constante de surgir nuevamente, de reaparecer. Aunque, por lo general, la forma en la que lo hace, no es precisamente la que esperamos.
Casualmente la música Blues , cuya escala contiene el Si bemol (el tri-tono) , es la música cuyas raíces provienen del continente Africano. Continente sumamente excomulgado de todo, excluído aún con sus grandes Mitos de Magia y hasta con la historia del Origen de la mismísima humanidad. Será también por eso que nada de África queremos saber.
Pero esa música, de gente reprimida, es la que re-ubicó de la forma menos pensada el tri-tono como actor principal.
Freud, en su escritorio en Londres
Parise, ese Gran Maestro que cité más arriba, es el mismo que en su libro “Casualizar” escribió :
“... No es extraño que Quienes han Develado Su Secreto y encontrado El Método con que Invocarla...hayan sido llamados “MAGOS”. Pues..Cuando el Hombre perdió El Contacto con La Magia...la llamó Casualidad…” Y es por Casualidad, que, por lo general, las mejores cosas llegan en La Vida, las mejores Oportunidades y Grandes Inventos. Así mismo lo confesó Tony Iommi. Pero "...¿Quien es Tony Iommi?",se preguntarán Ustedes. Él es uno de los fundadores de Black Sabbath, banda considerada creadora del estilo HEAVY METAL.
Casualmente Tony trabajaba en una fábrica de metal y el día que quiso renunciar para dedicarse a la música , una máquina le cortó parte de dos de sus dedos. Pero él, inspirado en Django Reinhardt -un guitarrista de Jazz que tenía dos dedos paralizados y sólo tocaba con 2 dedos- se hizo unas prótesis de elementos caseros, le quitó tensión a las cuerdas de su guitarra para hacer menos fuerza, y eso afectó la afinación de la misma.
Mientras Geezer Butler - bajista de la banda - junto con Ozzy Osbourne- vocalista- escribían las primeras letras de Black Sabbath inspirados en algunas experiencias perturbadoras que estando en diferentes lugares ambos habían tenido por igual; además de que Geezer estaba sumamente interesado en el ocultismo y en la ciencia ficción. Toda esa conjunción basada en la Casualidad dió nacimiento al Estilo Heavy Metal.
La primera vez que yo vi claramente la unión entre la Magia y la música fue en ese género, con canciones que transmitían muchísima intensidad, potencia y en cuyos relatos se plasman desde historias fantásticas entre dragones y Magos, hasta la declaración de esa lucha que hay entre lo supuestamente Divino y diabólico.
Aunque muchos prejuzgan el género Heavy Metal, es el lugar en dónde claramente yo percibí en sus canciones esa batalla entre “lo bueno y lo malo”. Esa batalla está totalmente estigmatizada y no transcurren donde el imaginario religioso estandarizó que suceda, sino que es una batalla que cada Quien llevamos a cabo dentro de nosotros mismos en la cual es necesario atravesar y vencer barreras socio-culturales que se interponen entre cada quien y lo que queremos lograr para nosotros mismos.
Años después descubrí, que era mucha mi ignorancia al creer que la conexión entre la Magia y la Música podía estar reducida a un sólo género o acotada a un tiempo-espacio.
Si las antiguas civilizaciones usaban la música para sanar con sus palabras, para aprender matemáticas, para crear la realidad que querían en su aldea, en su pareja, en su cosecha...entonces ellos ya advertían la Unidad Mágica que hay entre lo sutil (canciones) y lo terreno (lo que querían lograr en lo real), y que se corresponden la una con la otra.
Si a nosotros Eso nos parece una inconsistencia, quienes estamos totalmente divididos somos nosotros. Y cuanto más creamos que no tenemos algo que ver con lo que nos pasa, con lo que hacemos, las Casualidades positivas o negativas que producimos, más oportunidades desaprovechamos de crecer espiritualmente en esta encarnación.
Por eso para que el “di-ablo”( y no la imaginería socio-cultural impuesta que nos quieren hacer creer) NO entre en tu realidad o en tu vida, sé uno con tu Palabra, hacé lo que decís y entonces…. lo Divino ...vendrá a vos!!!
 
Los Mapuches llaman a sus Chamanas con el nombre "Machis", ellas son las "Nguenküyen" (señoras de la Luna) .Aquí las vemos acompañadas de sus tambores de poder llamados "Kultrun" ( tambores que también se confeccionan plasmando la Energía de cada Machi). 
     
  





Fuente: Magiáurica

domingo, 11 de noviembre de 2018

Murió "Tarkus" Albanesi, legendario guitarrista de Thor

Un dolor muy grande para el metal argentino: ayer sábado falleció Carlos "Tarkus" Albanesi, otrora líder y guitarrista de Thor. Sin mayores detalles, la información se limita a poner en conocimiento la triste noticia. Seguramente, con el correr de las horas, habrá más detalles.

miércoles, 7 de noviembre de 2018

El día en que Sumo tocó en una fiesta privada

Internet permitió que se viralizara un material inédito de Sumo. Se trata de un video de algo más de tres minutos en el que se ve a la banda liderada por Luca Prodan en una fiesta privada. El registro permite disfrutar a Sumo mientras toca “Regtest” y los asistentes a la reunión bailan.

Hernán Muleiro fue quien subió el material a YouTube. Se trata de una grabación del 29 de agosto de 1984, durante el cumpleaños de Giannina Fabbro de Kirstein, la dueña de casa de Recoleta donde se produjo el festejo. Su nieta Nina Aldino encontró el casette tras la muerte de Giannina. A través de la pareja de Nina, el guitarrista uruguayo Damián Stratta, el video llegó a manos de Muleiro.
En el video aparece Luca Prodan junto con Roberto Petinatto en saxo, Alberto “Superman” Troglio en batería, Ricardo Mollo en guitarra y Diego Arnedo en bajo. No se ve a Germán Daffunchio, el otro guitarrista del conjunto. Uno de los grupos más populares de los primeros años de la democracia aparece en acción en una residencia de Recoleta, rodeado de invitados que bailan al compás de la música. Aun faltaban unos meses para el debut discográfico de “Divididos por la felicidad”, editado en 1985, por lo cual el video pertenece a la etapa previa a la popularidad del conjunto. Ahora se trata de una pieza de colección.

Ir a la nota y el video

martes, 6 de noviembre de 2018

Se viene la 6º Feria del libro Heavy

Una nueva edición de la feria del libro heavy en un nuevo espacio, en esta oportunidad debutará en el barrio porteño de Palermo.

Cronograma de Actividades

Ponencias:

16.30 hs Muerde Muertos Súper Acción. La estética heavy en el cine de Demián Rugna (Argentina, 1979). Charla a cargo de José María Marcos, Fernando Figueras y Carlos Marcos de la Editorial Muerde Muertos
16.45 hs La urgencia por desenterrar el under: los fanzines de thrash metal y death metal en Argentina (1987-1995). Ponencia a cargo de Exequiel Nuñez.
17.00 hs Víctimas del Vaciamiento: El corazón del heavy metal argentino hecho mercancía. Una aproximación para entender porque se separó la banda más influyente de la historia del metal argentino. Ponencia a cargo de Ariel Panzini.
17.15 hs In unión we stand: experiencias de metalheads que realizan estudios etnográficos sobre el metal. Ponencia a cargo de Nuna Calvo, Natalia Pascuchelli y Pablo Vidal Vargas.
17.30 hs Campera de Cuero: Estrategias de Convergencia Mediática en el Periodismo heavy del Alto Valle. Ponencia a cargo de: Leandro Suárez.
17.45 hs La revancha de América: un relevamiento cuantitativo en relación a la producción sudamericana de bandas de heavy metal. Charla a cargo de Javier Alfredo Rodríguez.
18.00 hs Solidaridad y heavy metal. Charla debate con: Ariel Caballero (Frente Heavy Metal), Celeste Duschak y Guillermo Roccaro (Cacho Fest).Modera: Gito Minore
18.30 hs Metal es cultura. Ponencia a cargo de César Fuentes Rodríguez
18.45 hs Malén Cuyén, mujer de la luna. Presentación de la novela de Cristina Rafanelli
19.00 hs Parricidas: mapa rabioso del metal argentino contemporáneo. Presentación del libro a cargo del Grupo de Investigación Interdisciplinaria de Heavy Metal Argentino
19.15 hs Voces degeneradas. Ponencia a cargo de Paula Naanim Telis, Karen Bennett y Juan Ignacio Orcajada.
19.30 hs Heavy metal argentino. La clase del pueblo que no se rindió. Presentación del libro a cargo de Ariel Panzini.
19.45 hs Serpentor (acústico)
20.00 hs Cultura Metálica 5. Ponencias, debates y exposiciones de la 5º Feria del libro heavy de Buenos Aires y La mano maldita. Ficciones metaleras. Presentación oficial del libro de Clara Beter ediciones.
20.15 hs Herramientas para la inclusión cultural de la identidad. Ponencia a cargo de Diego Abrego.
20.30 hs A 30 años del debut de Hermética: la banda que ensanchó la base social de la cultura rock argentina y la convirtió para siempre en un hecho político Charla debate a cargo de Juan Ignacio Provéndola.
20.45 hs Claudio Marciello: música, guitarra y magia. Presentación de la biografía de Claudio Marciello cargo de Myriam Omchimiuk + acústico.
21.15 hs Mi propia Necrológica. Performance musical
21.30 hs Marcelo Roascio (Acústico)

Stands:

1- Clara Beter ediciones (editorial)
2- Icarus music. (sello discográfico)
3- Efecto Metal (revista).
4- GIIHMA (Libros)
5- Barnacle Libros (editorial)
6- Impulso Creativo comic: (Editorial de comic independiente)
7- Myriam Omchimiuk (libros y merchandising CTM)
8- Ana Elizabeth Cena (libros)
9- Yugular Records (sello discográfico)
10- Voices inside (distribuidora argentina de cds de heavy metal)
11- Antares Terra (encuadernados)
12- Eddie IronChopper's (artesanías, motos miniaturas)
13- Águila (artesanía en metal)
14- Alejandro Amaro (arte)
15- Romina González Celia (accesorios)
16- Flavia Pavón (cuadernos artesanales)
17- Antonella Chukitos (muñecos)
18- Pamela Cupi (Tarot)
19- Astrid y Einard (muñecos medievales)
20- Alan Astrozombie
21- Angus 67/ Forados 80 (posters)
22- Tiempos metálicos radio (CDS)

Exposiciones:

1- Federico Bonavita (pintura)
2- Fabián García (dibujos)
3- Mario C. Carper (Ilustración)
4- Damian Scokin (dibujo)
5- Liliana Navarro (dibujo)
6- Silvina D´Alessandro (Pintura)
7- Mario Ariel Iglesias (dibujo)
8- Paula Escudero (dibujo)
9- Julieta Zicarelli (fotografía)
10- Yessy Fernández (fotografía)
11- Claudia Moreira (fotografía)
12- Guillermo López Brites (fotografía)
13- Aldana Oviedo (fotografía)
14- Cori Piccirilli (fotografía)
15- Karen Detzel (fotografía)

Dibujo en vivo:

1- Mario Iglesias
2- Fabián García
Organiza: Gito Minore y María Inés Martínez

Desde su nacimiento en Octubre de 2013, la Feria del libro heavy busca crear un espacio de socialización y circulación de todo nuestro trabajo, tanto intelectual como material, referido al heavy metal argentino. Quienes formamos parte de este proyecto estamos convencidos de que, si bien es difícil llevar adelante nuestros sueños, nada impide que organizándonos y poniendo todos lo mejor de cada uno de nosotros, podamos lograr un colectivo genuino de pensamiento y cultura heavy en nuestro país.

lunes, 5 de noviembre de 2018

Sylena presentó "Ser hoy", su álbum debut

Texto: Fabián Solari / Fotografía: Vero Rodríguez - Un auditorio con muy pocos claros para un domingo a la noche era el marco que se le presentaba a Sylena para la velada. La excusa perfecta fue el sentido por el cual la artista convocó en una sala que muchos desearían: la presentación de su álbum debut "Ser hoy" en el Teatro Ocean, uno de los teatros más importantes de Tres de Febrero.
Los acordes de "Historia de un amor" comenzaron en el mismo instante que una pareja de bailarines asaltaba el escenario. Lentamente y con actuación mediante, Sylena fue ganado en confianza y seguridad. "Acompañada y sola" y "El último trago" terminaron de convencer a los asistentes que, a esa altura, ya estaban a punto de rendirse, sólo faltaba el siguiente tema y ahí sí, no hubo más que decir: la versión con arreglos de la misma Sylena de "Ojalá que no puedas" dio en el blanco.
El climax y la atmósfera daba la certeza de un espectáculo que superaba las expectativas de lo visual y estético con una iluminación acorde en cada uno de los temas.
Se sucedieron "Solamente una vez", "Nada tengo de tí", "Qué sabes tú" y "Adoro" para dar paso a un tramo algo rockero. Cambio de vestuario y un coro de sutil dinámico para las vivadas versiones de "Te vi en un tren" y "Castillo de arena" en lo cuales Sylena mostró la versatilidad que viene demostrando en sus presentaciones en vivo. El carisma y la ductilidad hicieron de ambas interpretaciones un lujo sustentados en un dúo coral que le puso más garra y alegría que voces pero no por ello dejaron de lucir sus dotes artísticas. Impecable.
Se viene la última parte de una presentación que se recordará como pocas en el under de la canción. Los bailarines deleitaron con su destreza al son de la bella melodía de "Love of my life" de Queen; luego sí, el final arremetió con una soberbia versión con interesantes arreglos de "A mi manera" y un cierre estremecedor con una creación brillante de Alejandro Vezzani famosa por María Martha Serra Lima, "Como toda mujer". Apenas algún que otro desperfecto técnico con el micrófono inalámbrico pero sólo un detalle ínfimo que no empañó en nada el concierto. Agradecimientos y final. Final con aplausos y elogios.

Bailarines: Javier Gómez y Jennifer Gaia
Coros: Susana Zingale y Patricia Torres
Dirección Artística: Hugo Araujo
Producción Ejecutiva: Sylena
Sonido e iluminación: Adrián Robledo para DJ Cani Producciones






jueves, 1 de noviembre de 2018

La obra "Juicio a una zorra" suma funciones especiales en noviembre

Para unos, Helena de Esparta. Para otros, Helena de Troya. Para todos, la culpable de desencadenar la guerra más famosa de la historia. Pero... ¿quién escribe la historia? Esta noche, por primera vez, será ella quien escoja las palabras que den forma a los hechos. La hija de Zeus exige justicia y reparación, es una mujer ansiosa por reivindicar su dignidad y su justo lugar en la historia. ¿Cuál es el precio a pagar para la mujer más hermosa del mundo por haberse enamorado por primera y única vez en su vida?
La obra "Juicio a una zorra" escrita por de Miguel del Arco, protagonizada por Paula Ransenberg y dirigida por Corina Fiorillo estrenó en septiembre y desde entonces tuvo una gran recepción del público, por este motivo se sumaron funciones especiales los días viernes 2 de noviembre a las 22.15 h, sábado 10 de noviembre a las 20.30 h y jueves 15 y 22 de noviembre a las 21 h. El unipersonal permite  una reivindicación de la historia de Helena de Troya, una de las mujeres más importantes de la mitología griega. Una mujer condenada a la eternidad, una mujer que suplica a la humanidad que olvide su historia tal como se la conoció…hasta ahora. Las funciones regulares continúan los domingos 19.15 h en Timbre4 (México 3554, CABA).
 "Juicio a una zorra" fue estrenada en el Festival de Teatro Clásico de Mérida con la actuación de la prestigiosa actriz española Carmen Machi y la dirección de Miguel del Arco. Este unipersonal ha ganado, entre otros, el Premio Valle-Inclán de Teatro y el Premio Ercilla por la interpretación de Carmen Machi.

Paula Ransenberg, la actriz protagonista

La actriz, directora, autora y docente de teatro está formada en la escuela de Alejandra Boero, Juan Carlos Gené, Veronica Oddo y en la Escuela Nacional de Arte dramático. Algunos de sus trabajos como actriz en teatro son: Todas las rayuelas, Dinamo, Nerium Park, en las obras Para mí sos hermosa y Solo lo Frágil es además su autora, El viento en un violín, Un viaje de un largo día hacia la noche, entre muchísimas obras más.
Fue galardonada como "Mejor actriz" y "Revelación femenina" 2014 por su actuación en el espectáculo Pará mí sos hermosa y Cabaña Suiza en los premios Trinidad Guevara y María Guerrero.
Como directora y dramaturga realizó los espectáculos La suerte de la fea, Feve, Noche, Jungla y Que parezca fiesta.

Corina Fiorillo, la directora

Directora teatral y docente. Ganadora de Premio ACE de ORO (2016), Premio Trinidad Guevara (2015), Premio Ace (2016), Premio Estrella de Mar (2016), Premio Ace (2011).
En  2018 monto las siguientes obras: La ira de Narciso (Timbre4), El vestidor (Paseo la Plaza), Seis personajes en busca de un autor (Teatro real Córdoba), Nerium park (Teatro Nacional Bogotá-Colombia), Jazmín de invierno (Centro Cultural San Martín); En 2017 estrenó Dignidad (Teatro Maipo), Tebas land (Timbre4), Concierto para un olmo (España), Nerium Park (Timbre4), El avaro (Complejo Teatral San MARTIN - Teatro Regio a estrenar) y Miembro del jurado (Teatro del Pueblo).
Su formación inicial es la música clásica y la física, así es que transitó primeramente por estos dos caminos antes de llegar al teatro.
Ha realizado la coordinación académica de la carrera de Arte Dramático de la Universidad del Salvador, institución de la que también fue docente. Ha sido responsable de la dirección de más de una veintena de espectáculos (tanto en el circuito independiente como en el oficial como en el comercial), así como la coordinación de varios ciclos que dieron origen a nuevas dramaturgias, junto con Patricia Suárez entre los años 2006 y 2009. Sus espectáculos han sido vistos en varios países de Europa y de Latinoamérica y ha participado con ellos y como docente de numerosos Festivales Internacionales.

Domingos 19.15 h
Viernes 2 de noviembre a las 22.15 h
Sábado 10 de noviembre a las 20.30 h
Jueves 15 y 22 de noviembre a las 21 h
Duración: 60 minutos

Timbre4 – México 3554
http://www.timbre4.com

miércoles, 31 de octubre de 2018

Cancillería homenajea y reconoce "La Biblia" de Vox Dei

“La Biblia”, histórico e inigualable disco del grupo de rock argentino Vox Dei, será el eje del reconocimiento y homenaje que tendrá como protagonistas centrales a los músicos Willy Quiroga y Ricardo Soulé, el martes 6 de noviembre a las 18:00 en el Salón de Prensa del Palacio San Martín, calle Arenales 761 de la C.A.B.A.

Cabe destacar que Quiroga y Soulé crearon Vox Dei a fines de la década del 60 y junto a Rubén Basoalto y Yodi Godoy, grabaron el histórico disco. Editado en dos placas, el mismo contiene 8 temas originales interprendo libremente pasajes de las Sagradas Escrituras. “Génesis” y “Libros Sapienciales”, se constituyeron en clásicos de la música argentina.
La iniciativa partió desde el “Círculo de Legisladores de la Nación Argentina”, sumándose la Secretaría de Culto, dependiente del ministerio de Relaciones Exteriores y la Fundación Democracia. Cuenta además con el apoyo de la Dirección General de Cultura del Senado Nacional.
Se enmarca en el contexto del programa “Música en el Círculo”, que organiza el CLNA, desde donde se destacó que “La Biblia de Vox Dei, singular hecho artístico de los años 70, es un mensaje de Paz Universal, que tiene plena vigencia y merece ser escuchado no sólo en Argentina sino en todo el mundo”.


sábado, 27 de octubre de 2018

Roger Waters eligió una banda mapuche para sus conciertos platenses

Mientras giraba por el mundo en su increíble Us+Them Tour, Roger Waters tomó su laptop y escribió -como siempre lo ha hecho en su vida- lo que le dictó su corazón. El mail llegó a las 18:54 del 16 de septiembre y concluía con este párrafo: "Las discográficas me están proponiendo distintas bandas como grupo soporte, pero se me ocurrió una idea alternativa. He estado siguiendo los problemas de los mapuches en Argentina y Chile, así que me gustaría tener músicos mapuches en mis shows como acto de apoyo a su lucha. ¿Qué pensás?". Pido disculpas por escribir esta nota en primera persona (jamás lo hago), pero no tengo otra forma de contarla. Fue también un mail que le envié al ex líder de Pink Floyd, hace ya casi nueve años, el que permitió que la causa por la identificación de los soldados caídos en Malvinas -en la que trabajábamos con el veterano Julio Aro desde 2008- por primera vez tuviera apoyo oficial. Hasta que Roger Waters no le llevó la causa a la entonces presidenta Cristina Kirchner nadie había querido escuchar el ruego de las madres de los soldados enterrados sin nombre en Darwin. El músico inglés no solo le dio voz a la causa, también le puso el cuerpo: habló con embajadores, miembros de la Cruz Roja Internacional y hasta funcionarios de las islas. Hoy ya son 101 los combatientes que fueron identificados. Por eso este mail, donde Waters me hablaba de su preocupación y su interés por la lucha de los pueblos originarios -que ha tenido toda su vida- fue una nueva llave: la que abrió la puerta para que la banda Puel Kona, de origen mapuche, sea la elegida como soporte en los dos conciertos que dará, el 6 y 10 de noviembre en el Estadio Único de La Plata. 

Los músicos de Puel Kona que tocarán con Roger Waters
"Nuestro show en La Plata es exactamente en siete semanas. Tenemos muy poco tiempo. Pero estoy feliz y conmovido con lo que vamos a hacer", escribió en un segundo mail mientras empezamos a buscar contactos con referentes de la comunidad mapuche que pudieran ayudar en esta tarea.
Una consulta al CELS (Centro de Estudios Legales y Sociales) y la recomendación de contactarnos con Verónica Huilipán, secretaria ejecutiva del Observatorio de los Derechos Humanos de los Pueblos Indígenas y werken (portavoz) de la Confederación Mapuche de Neuquén. Una mujer que desde el final de la década del 80 lucha para recuperar las tierras, quien impulsa a los mapuches a preservar su idioma y sus costumbres, y quien logró junto a los suyos que la Constitución incluyera su "preexistencia" en nuestro territorio.
En un nuevo y extenso mail le relaté con detalles a Roger Waters la emocionante conversación que había mantenido con Verónica. "Es una propuesta muy poderosa", me había dicho la dirigente sobre la posibilidad de darles voz a los pueblos originarios desde el escenario del creador de The Wall.

- ¿Qué músicos podrían representar a la comunidad mapuche?

- Los Puel Kona. Son jóvenes músicos que fusionan mapuzugun (idioma mapuche) y castellano en sus letras. Y cuentan con sabiduría la cosmovisión de nuestro pueblo y la lucha de resistencia que históricamente hemos llevado —dijo Verónica Huilipán.

Supe que la banda Puel Kona ya tenía diez años. Se formó en 2007, comenzó a tocar en 2008, lanzó su disco debut en 2014 con la producción de Goy Ogalde, líder de Karamelo Santo, tres años después presentó Kintu Newen (Buscando la fuerza), y hoy trabaja en su tercer material discográfico.
Los jóvenes músicos compartieron escenario con Manu Chao, Karamelo Santo, Las Manos del Filippi, Joe Vasconcellos, Illapu, Inti Illimani, Arbolito y Rubén Patagonia, entre otros. Y recorrieron con su música Neuquén, Buenos Aires, Córdoba, La Pampa, Río Negro, Chubut y diversas ciudades de Chile.
El nuevo mensaje a Waters fue acompañado de tres links con la música de Puel Kona, que combina rock, ska, cumbia, hip hop y otros géneros latinos con sonidos e instrumentos tradicionales de la música mapuche. Lo envié el 21 de septiembre a las cuatro de la tarde y dieciocho minutos. A las cinco y cinco llegó la respuesta de Waters, que concluía así:
"Gracias por compartir la respuesta de Victoria Huilipan, estoy conmovido. Me encanta esta banda / sonido, arpa judía, flautas, tambores de rock, excelentes ritmos, grandes voces. Ninguno de los clips de YouTube tiene imágenes, ¿hay algún video de ellos? Estoy muy emocionado".
Minutos más tarde, cuando envié el link de un video donde los Puel Kona tocaban sobre un escenario, llegó un sorprendente mensaje del músico.
"Estuve buscando en Google ¿sabés que su nombre significa Guerreros del Este? Bien hecho por rastrear y encontrar a Lautaro (voz del grupo) de Puel Kona, observo que toma su nombre de un líder mapuche del siglo XVI…".
¡El genio que hace delirar al mundo y llena estadios se había sentado una tarde para googlear los nombres de los integrantes de la banda!
Antes de finalizar su mensaje, escribió, como si quedara alguna duda:
"Deciles a los músicos que definitivamente los necesitaremos para ambos shows, los cuidaremos adecuadamente y me aseguraré de conectarme para discutir el contenido con ellos".
Mark Fenwick, el mánager de Waters, y Daniel Grinbank hicieron el resto. La banda integrada por Amaru (voz, teclados y xompe), Lef (guitarra y voz),
Umawtufe (bajo y xuxuka), Malen (saxo, voz y kulxug), Ignacio (batería y percusión) y Juan Pablo (trompeta e instrumentos mapuche de viento) interpretará seis temas en el mismo escenario que el mítico artista.
"Es algo que jamás podríamos haber imaginado", dice Lef Nawel (31) emocionado mientras de fondo se escuchan los pájaros "porque estoy en el territorio de mi comunidad".
"Casi todos nosotros somos nacidos en el oeste del Neuquén que es la zona más periférica, la zona más pobre. Vivimos en el Lofce Newen Mapu, que son familias que se reagruparon como mapuches. Nuestros abuelos vinieron del Lofce, nuestros padres nacieron en la ciudad y nosotros volvimos a nuestras tierras gracias a ellos que recuperaron el territorio", explica Lef que trabaja en la Defensoría del Pueblo en la Ciudad de Neuquén.
"La música es nuestra vida y surge de la espiritualidad mapuche. Nosotros aprendimos primero a tocar nuestros instrumentos mapuches y después, ya de más grandes, la guitarra y otros instrumentos", explica, y cuenta que aprendió el mapuzungun en el Centro de Educación Mapuche que formaron las mujeres de su Lofce, donde también les enseñaban telar, alfarería y música de su pueblo.
"Luchamos por el derecho de vivir en paz en una sociedad intercultural, en un Estado plurinacional, somos ciudadanos argentinos pero nuestra nacionalidad es y sigue siendo mapuche", finaliza.
Ahora habla Malen Nawel (24), del barrio Centenario de Neuquén, con madre docente jubilada y padre (fallecido) docente y músico, de quien heredó el amor por el arte.
"¿Tocar con Roger Waters? ¡Nunca podía imaginar algo así! Pink Floyd está desde siempre en mi vida, y es una gran influencia en todos los que hacemos música. Subirnos al escenario con él hoy nos atraviesa como banda y como pueblo también. Yo creo que la decisión de Waters de elegirnos es profundamente política y también espiritual", dice conmovida quien revela ser kona de su comunidad. "Significa ser joven guerrera en el momento de la invasión hace 300 años".
Amaru (28), que toca el teclado en Puel Kona desde su adolescencia, se suma y explica la lucha de su pueblo, la misma que conmueve a Roger Waters y lo impulsó a llevarlos a su gran show: "La lucha como pueblo la llevamos desde que nacimos. Crecimos fortaleciéndonos como mapuches dentro de toda la debilidad que hay, cultural, de identidad, de idioma. Y desde hace diez años la música también nos permite expresar lo que vivimos".
Por último, el bajista Umawtufe Wenxu (32) cuenta que nació el Chile y que su padre es werken de la Confederación Mapuche del Neuquén y su madre es una ñerefe, tejedora mapuche. Periodista, recibido en la Universidad Nacional del Comahue, en la Facultad de Derecho y Ciencias Sociales, trabaja desde 2008 en Radio Universidad CALF.
"Para nosotros esto que está pasando es como un sueño, porque coincidimos y compartimos muchos valores con Roger Waters que lleva adelante la causa indígena con su militancia y su conciencia", dice.
"Coincidimos también en que queremos construir un mundo mejor, un mundo donde se respeten las diferencias, los distintos valores, y sobre todo los derechos humanos".
"Nosotros desde pequeños nacimos sabiendo que somos mapuches, que somos parte de un pueblo originario que forma parte de los más de treinta y cinco pueblos originarios que actualmente residen en la Argentina. Somos preexistentes a los Estados. Y luchamos para que también la Argentina sea finalmente una nación plurinacional, que reconozca que dentro de este territorio coexisten y cohabitan diferentes naciones, diferentes cosmovisiones y diferentes idiomas", explica.
Y concluye emocionado: "La verdad es que va a ser un encuentro maravilloso porque vamos a poder compartir con miles de personas la lucha que llevamos adelante como pueblo mapuche. Y al mismo tiempo podremos encontrarnos en un lugar que es sumamente mágico, de diversión y de alegría como lo es la música".

Fuente: Infobae

viernes, 26 de octubre de 2018

Manowar aparta a Karl Logan, su guitarrista, por pedofilia

La banda de heavy metal originaria de Nueva York ha emitido un escueto comunicado después de que Karl Logan haya sido arrestado por posesión de pornografía infantil.

Con respecto al arresto de Karl Logan y los cargos en su contra: debido al hecho de que Karl y sus abogados están lidiando con estos problemas, él no tocará con Manowar. El nuevo álbum y el próximo tour no se verán afectados”.
Como veis, Manowar no especifica si la decisión de apartar a Karl es temporal o definitiva. Esta misma mañana informábamos de que Logan, miembro del grupo desde 1994, ha sido acusado de seis delitos de explotación infantil de tercer grado.Una vez en prisión, la fianza de 35.000 dólares impuesta fue abonada. Un portavoz del Departamento de Policía de Charlotte-Mecklenburg ha confirmado al medio Billboard que la información referente a esta detención ha sido desvelada probablemente a raíz de una investigación realizada por un reportero sobre este caso.

Fuente: Mariskal Rock

sábado, 20 de octubre de 2018

Daniel Grinbank: “En esta recesión, más fulminante que el dólar, estamos cumpliendo los compromisos asumidos pero no asumiendo nuevas propuestas”

El productor musical Daniel Grinbank, encargado de traer al país a artistas de la talla de The Rolling Stones y Prince, entre otros, contó en diálogo con FM Metro de qué manera la crisis económica afecta a la industria. Y aseguró que muchos proyectos para traer a músicos de afuera, que estaban en tratativas, se suspendieron por la devaluación.
Al analizar la situación, Grinbank marcó: “En esta recesión, más fulminante que el dólar, estamos cumpliendo los compromisos asumidos pero no asumiendo nuevas propuestas”, destacó.
“La crisis en el consumo, el entretenimiento y la cultura es tremenda. Sabemos que venimos después de que la gente se alimentó, se atendió la salud, fue al colegio, pagó la luz y el gas. Después de eso ve qué le sobra, y cada vez sobra menos. Entonces los espectáculos son parte de un proceso recesivo, que se nota más que en otras áreas”, explicó, mientras se prepara para la llegada de Roger Waters en noviembre.
En ese marco, se ve obligado a seleccionar mejor a qué artistas trae: “Los más convocantes y las clases de más alto nivel son a quienes les pega menos la crisis. Si antes la gente tenía para tres espectáculos, hoy va a uno. Y trata de llegar a la figurita difícil”.
Dada la situación actual, Grinbank entiende que la gente no sólo deja de concurrir a los shows porque no tiene plata, sino también por la falta de seguridad económica. “Está la incertidumbre de la mantención laboral: la gente a la que le sobró algo está más propensa a decir ‘no consumo’ porque no sabe si habrá trabajo”, reflexionó.
“He vivido devaluaciones, todo. Pero esta es la crisis más aguda que viví como productor y como ciudadano argentino. Hay sensación de incertidumbre. A veces hay malos momentos pero ves una luz, en este caso no veo a dónde va este proyecto”, agregó.
Además, explicó que traer a un artista internacional conlleva muchos gastos: “Por ejemplo, Roger Waters, por más que te diga: ‘No cobro nada’, necesita 120 personas de salarios que pagar, 27 camiones de carga, carga aérea, cuestión técnica que viene de afuera. Eso tiene un componente de dólar; los hoteles tienen cotización dólar”.
Grinbank entiende que “todos los productores de espectáculos hemos perdido plata, el teatro de la calle Corrientes con obras argentinas también. La crisis nos toca a todos”, concluyó.

Fuente: El Territorio

jueves, 18 de octubre de 2018

Se viene el documental del inigualable Chuck Berry

El filme que mostrará la vida del músico, quien hoy hubiese cumplido 92 años, incluirá material de archivo y entrevistas con otros grandes artistas como Alice Cooper y Keith Richards.

Después de colaborar con la productora especialista en cine musical, Cardinal Releasing, y tener un acuerdo exclusivo sobre los derechos del músico, Kew Media decidió lanzar el próximo documental de Chuck Berry en Cannes.
El filme de no ficción fue dirigido por Jon Brewer, cineasta que ya ha trabajado en documentales de artistas, como B.B. King: the life of Riley, Nat King Cole: afraid of the dark y Jimi Hendrix: the guitar hero. “Tengo el privilegio de poder producir y dirigir esta historia totalmente autorizada y oficial del legendario Chuck Berry”, afirmó en un comunicado.
Mostrando los diferentes pasajes del músico que fue considerado el padre del rock and roll, el largometraje de 100 minutos, que aún no tiene fecha de estreno para el público, presenta “una cautivadora mirada íntima a la remarcable vida de uno de los más grandes íconos de la música”, según explica Kew Media, reuniendo material de archivo y entrevistas exclusivas con músicos como Alice Cooper, Keith Richards y Steven Van Zandt.
Chuck Berry, compositor y guitarrista, falleció el 18 de marzo de 2017, a los 90 años.

Fuente: Culto

viernes, 12 de octubre de 2018

Morwen presentó nuevo videoclip

La banda marplatense presenta "Un futuro", primer corte de "Rebelde ante el dolor".

Voz: Nano Guevara - Guitarra: Cristian Suarez - Guitarra: Nacho Rodriguez - Bajo: Matias Helsing -  Bateria: Nico Humeniuk.

jueves, 11 de octubre de 2018

“Los fans necesitan ser educados sobre el hecho de que la música tiene un valor real" - Entrevista a Bruce Dickinson

Publicada por Antonio Mautor - Bruce Dickinson, líder y vocalista de Iron Maiden, no tiene pelos en la lengua, suele decir lo que piensa y esta vez no ha sido menos. En una entrevista concedida al medio Comebackstage, habló de su visión de la industria musical:

“Una banda como la nuestra, que sigue haciendo discos, aceptamos que realmente no sacamos nada de dinero de ellos. Lo hacemos porque tenemos que hacerlo, lo amamos y tenemos que ofrecer nueva música. Pero lo bueno de nosotros es que podemos girar y ganar dinero al actuar en directo. Otras bandas, que están haciendo una música genial, no consiguen ese lujo. Es duro ver hacia dónde se dirige una generación completa de músicos. Personas que son músicos brillantes pero que no reciben dinero por esos increíbles trabajos”.

 “Ten en cuenta que la mayoría de gente, cuando se pone a escuchar un disco, quizá beban una pinta de cerveza, una bebida energética o algo así. Pagarán la bebida energética, pero no pagarán por el disco. Es triste. Creo que todo el mundo necesita ser educado sobre el hecho de que la música y los músicos tienen un valor real; pasan años trabajando en su obra para entretener a las personas”.

Fuente: Mautorland

martes, 9 de octubre de 2018

Fabián Iurino & The Band presentan su segundo disco de estudio

Info y Ph: Prénsica Comunicación
Fabián Iurino es un cantante y compositor nacido en 1988 en la ciudad de Villa de Mayo, provincia de Buenos Aires. En 2016 editó su ópera prima Todos los días y este año llega el lanzamiento de "Nadar", un disco acústico bisagra que se despega armoniosamente de la etapa anterior de desamor.
Si bien la canción sigue estando al frente de la obra, se evidencia la experimentación con todos los materiales que la conforman, dando cuenta de una interacción y búsqueda musical más compleja. Se agregan instrumentos de viento, cuerdas y sintetizadores, con la consiguiente marcada presencia y participación de The Band, el grupo que acompaña a Fabián y que tuvo una importante interacción en la producción del álbum. A través de las letras, Iurino intenta transmitir un mensaje de liberación inspirado en sus artistas referentes que fueron o son seres en conflicto consigo mismo y con el mundo que los rodea. Apoyado en su lado oscuro, busca darse un poco de luz y sonreír.
El jueves 20 de diciembre en Circe (Av. Córdoba 4335 - Palermo) será la presentación oficial del disco y se podrá apreciar en directo la intensidad de los shows que caracterizan a Fabián Iurino & The Band.

"Con Nadar buceé un poco más profundo para encontrar algo nuevo en mí y así algo nuevo que decir, que contar de ese "viaje", de esa búsqueda. Aprendí a resistir porque en el mar, cuanto más abajo te vas, más difícil y oscuro se pone pero quería encontrar el tesoro y esa era la única manera", Fabián Iurino & The Band.

jueves, 4 de octubre de 2018

"Este es un momento álgido, sin rumbo, sin ideas, manejado por unos financistas" - Entrevista a Pil Trafa

Daniel Jatimliansky - La voz de Los Violadores habló de actualidad, de peronismo, del pasado de la banda y del show que el grupo hará este sábado para celebrar 30 años desde la edición del disco "Mercado Indio".

Luego de la grabación del primer disco, que se llamó igual que el grupo y fue editado en 1983, el primer guitarrista de Los Violadores, Hari-B, dejó la banda y a partir de entonces se gestó la formación más reconocida del conjunto: Pil Trafa en voz, Stuka Fossá en guitarra, Polaco Zelazek en bajo y Sergio Gramática en batería. Esos músicos grabaron las tres placas siguientes: “Y ahora qué pasa, eh?”, de 1985; “Fuera de sektor”, de 1986; y “Mercado indio”, de 1987.

“Es el mejor disco en el que participé”, consideró en una entrevista con Infonews Enrique Chalar, quien lleva grabados más de una decena de discos de estudio en distintos grupos bajo el seudónimo Pil. Este sábado, la formación que registró esa placa tocará en el teatro Gran Rex por primera vez en su historia, con la excusa de celebrar los 30 años de la presentación de esa placa.

¿Los 30 años de la edición de Mercado Indio son una excusa para hacer este recital?

Es revisitar una historia que no fue tan propalada. Mercado Indio es como un concluir de los tres primeros discos de Los Violadores: el primero muy punzante, el segundo más bailable, el tercero más oscuro, y este tiene parte de todo. Porque hay un tema que era del primer disco, que es "Violadores de la Ley", que le dio el tema punk a "Mercado indio", que no es un disco de punk. Es un disco de rock.

¿Cómo tomás el recital?

Lo tomo como una solemnidad. El Gran Rex lo veo marmolado, en la tapa de "Mercado indio" veo esos dorados, ese bronce en lo negro (n de la r: la gráfica del disco contenía letras doradas sobre fondo negro y un dibujo que combinaba pueblos originarios con ciudades modernas). Y las ciudadelas incaicas, aztecas, en lo que se ve como una ciudad moderna, New York City puede ser. En las calculadoras, que eran modernas para esa época… ese continente tiene un lindo contenido.

¿Cómo se gestó el disco?

Nos costó mucho tiempo y sacrificio de giras en Perú, Paraguay, Uruguay, Chile… en esa época no sabías a qué hora volabas porque los aviones sobrevendían tickets. Era complicado pero fantástico a la vez. Mientras pasó eso fuimos gestando el álbum. Lo grabamos en octubre o noviembre del 87. CBS nos contrató. Nos había rechazado cinco años antes.

¿Y dónde fue la presentación?

No recuerdo cuál fue el primer show que hicimos. Creo que en el 88, en un casamiento en el Hotel Alvear. Nos dimos el gusto de tocar en el Hotel Alvear, terrible palacio. Y en julio del 88 lo tocamos en Obras. Antes se estilaba que si querías tocar en Obras, tenías que estar como seis meses sin tocar.

Se fue Sergio (Gramática) de la banda al año del disco. Cuando entró el otro Sergio (Vall, el siguiente baterista), cambió el sonido de la banda y ya no era Mercado Indio, era distinto. Era la segunda baja en la banda, pero la de Sergio fue inesperada.

¿Por qué hacer este recital ahora?

Tocamos en Lima en un festival en el Estado Nacional, habíamos tocado en Cosquín, en un Vorterix, en Teatro Flores y después no tuvimos ninguna intención nuestra, ni de nadie. A veces nos decían de hacer una gira. Este año nos dijeron de presentar “Mercado indio” en Obras. Charlamos sobre eso. Después otra empresa nos dijo de hacerlo en el Gran Rex. Nunca tocamos ahí. En Obras grabamos el disco en vivo y tocamos muchas veces. Es la primera banda que se origina en el punk que llega al Gran Rex.

Es un lugar raro para el rock.

Pero nos vamos a ver las caras, está bueno eso.

¿Es un desafío?

Empezar con la banda fue un desafío, desafío fue terminarla. Cuando la terminamos no es que no metíamos gente, sino que fue porque nos peleamos. Estábamos mal musicalmente, veníamos en declive pero convocábamos gente.

¿Y cómo es reencontrarse ahora, más maduros?

Lo mejor es ensayar. Con Sergio soy muy amigo. Con el Polaco es como un hermano chico. Pero, excepto con Sergio cada tanto, no trato de verlos. Cuando nos vemos, es como que nos vimos ayer. Pero tengo otro rumbo en la vida. Cada uno elige su rumbo. Prefiero estar en mi rumbo, que es mi familia, mi hijo, tengo otros amigos, tengo otras cosas que hacer. Aparte, vivimos en lugares distintos (Pil Trafa vive la mayor parte del año en Perú).

¿Hay posibilidad de que graben un disco de estudio?
No, ahí afirmo que es prácticamente nula. No le encuentro interés, ya hicimos los temas que teníamos que hacer. Y es muy probable que hagamos un disco de porquería, un disco feo. La creación de un momento no creo que se pueda repetir. Sí se puede repetir el vivo porque es otra cosa. La inspiración ya nos pasó. Yo la tengo por otro lado y cada uno la tiene por su lado.

Quizás hay temas que nos quedaron afuera y un día (podemos) hacer un tema para YouTube, grabarlo bien. Pero estoy componiendo con Pilsen (n de la r: su proyecto actual). Tengo dos discos para el año próximo, uno electro acústico y uno eléctrico. Tengo que terminar letras y música. Tengo mucho trabajo.

¿En qué etapa estás con Pilsen?

Con Pilsen no tengo responsabilidades, me siento cómodo. No quiero meterme más allá de eso. Me voy a tocar a Salta, a pueblos de Santa Fe, Entre Ríos, a lugares que nunca podría ir con la banda por los cachés. Y me siento muy feliz haciendo eso.

¿Tiene que ver con el camino que elegiste y con estar con tu familia?

Sí. Al venir acá pierdo mucho contacto pero lo hago tres o cuatro veces por año. Quizás mi hijo en tres años vaya a la universidad y nos asentamos en algún lugar cercano a Buenos Aires, la UBA es algo tentador para estudiar.

En una entrevista comentaste que tu hijo no escuchaba rock, ¿sigue sin hacerlo?

Ahora se burla de mí y dice “soy Piltrafa”, y se pone a cantar canciones para joderme. Y afina, me gustó eso.

¿Le gusta la música?

No escucha. Está muchas horas en el colegio. Cuando vuelve tiene que comer, hacer natación, a veces va a tenis, los sábados un poco de fútbol y el otro tiempo se la pasa jugando al Play.

El último disco de Los Violadores fue “Rey o Reina”, en 2009…

Sí -interrumpe-, pero fue una formación de Violadores extraña. Está el Tucán, que es mi compañero en Pilsen, Sergio Vall y otro bajista (n de la r: Carlos Khayatte). Es un disco raro.

¿Cómo lo ves a la distancia?

Es que, cuando el kirchnerismo estaba altísimo en popularidad, yo me metí a criticarlo porque vi que había una consecuencia: entendía que había una ruleta de cuatro años y cuatro años.

Y (la canción) “Operación ‘No me Olvides’” no es una burla al peronismo. Es un palo duro al último momento del peronismo en los años 70. Soy un tipo que reivindica a Perón y a Evita. Donde hay una necesidad, hay un derecho. Y Perón fue un progresista: universidad gratuita en el 49, divorcio, sufragio femenino, empresas que llegaban a Argentina y tenían que dejar plata acá, aviones a reacción… éramos un país que, como la guerra nos había pegado de coletazo, tuvimos que crear insumos. Pero fue un gobierno absolutamente progresista.

Desgraciadamente, tuvo cosas muy cercanas al fascismo como repetir nombres de provincias, de ciudades, que hace desagradable a eso. Pero fue mucho más desagradable ese “Cristo Vence” y tirar bombas en la plaza, eso ha sido horrible. Y ahora en Pilsen voy a hablar de lo que pasa ahora.

¿Cómo ves este momento?

Álgido, sin rumbo, sin ideas, manejado por unos financistas, unos nenes tecnócratas. No me gusta nada. Acá (por la Ciudad de Buenos Aires) estamos todos bien, en el segundo cordón está todo el mundo mal. Los argentinos tenemos la manga como larga, se nos puede ir estirando para que no nos quede corta. Pero con este camino vamos a empezar a tener frío.

Pil y el resto de Los Violadores recibieron a los fans en un evento exclusivo antes del Gran Rex.
Fuente: Oir Mortales