El coronavirus se cobró dos víctimas en el mundo del rock

Lou A Kouvaris, exguitarrista de Riot y actualmente en Riot Act, ha fallecido por coronavirus. El músico desarrolló síntomas de COVID-19, la enfermedad causada por el nuevo coronavirus en marzo y falleció el 28 de marzo de 2020, a los 66 años.

La triste noticia la ha desvelado Jimmy Kay de The Metal Voice. 

“DEP mi querido amigo Lou A Kouvaris (Riot, Riot Act). Un gran guitarrista y una gran persona. No tengo palabras. Lou falleció por Covid-19. Yo creía en ti y tú creías en mí. Mantendré vivos tu espíritu y tu música”. 

Kouvaris fue guitarrista en la primera época de Riot haciendo pareja con Mark Reale en el debut "Rock City". Actualmente formaba parte de Riot Act junto con el también ex guitarrista de Riot Rick Ventura.

Fuente: Metal Journal

Por otra parte, el músico estadounidense Alan Merril - autor de "I love rock 'n' roll" -, que forjó parte de su carrera en Reino Unido, líder de la banda The Arrows, falleció ayer domingo a los 69 años por complicaciones derivadas del coronavirus, según anunció su hija Laura a través de las redes sociales.

“He estado tratando de dormir pero no puedo. Me levanté normal ayer, con el mundo a mis pies, y ahora estoy aquí tirada y vacía”, escribió Laura Merrill en un post. [...] El coronavirus se ha llevado a mi padre esta mañana. Me han dado dos minutos para decir adiós antes de que me echaran”.

Merrill, nacido en el Bronx neoyorquino en 1951, fundó la banda The Arrows en Londres en 1974. En 1975 publicaron su exitoso sencillo "I love rock 'n' roll", inicialmente concebido como una Cara B. Instalada también en el Reino Unido en aquella época, la cantante estadounidense Joan Jett lo catapultó a la fama internacional con su versión de 1982.

Músico, compositor y vocalista, Merrill trabajó también como modelo y actor. Antes de instalarse en el Reino Unido a mediados de los '70, pasó una temporada en Japón, donde comenzó su carrera con el grupo The Lead y después trabajó en solitario como músico e intérprete. Merrill volvió a su Nueva York natal en los '80a. En San Valentín de 2019 publicó su última canción: Your Love Song.

Jett ha dejado también un mensaje en las redes, en el que afirma que “acabo de conocer el fallecimiento de Alan Merrill. Mis pensamientos y amor van para su familia, amigos, y la comunidad musical al completo. Aún recuerdo ver a The Arrows por televisión en Londres y alucinar con aquella canción, que me parecía que iba a ser un auténtico hit. Con gratitud y tristeza, le deseo un buen viaje al otro lado”.

Fuente: El País

Los elegidos de la semana

Cada semana nuestro TOP 10 con las canciones que más nos gustan. No será un ranking - por lo cual no hay un orden - sino un listado con los temas que más escuchamos en la semana previa a su publicación. Esta semana, las siguientes canciones conforman nuestro TOP:

Estas 10 canciones y 200 más con la misma diversidad de estilos son las que se escuchan en DELTA 80 las 24 horas los 365 días de año a través del streaming por nuestra página web www.delta80.com.ar, los invitamos a escucharlos y también a seguir leyéndonos.

Murió el compositor Krzysztof Penderecki, uno de los grandes del siglo XX

El músico polaco tenía 86 años y alcanzó fama mundial gracias a grandes obras y bandas sonoras. 

«Creo que quiero ser recordado no solo como un compositor, sino como un hombre sincero, que creía en lo que hacía y que no se movía solo por el aplauso del público». Es el autoepitafio que, hace un año, se hizo Krzysztof Penderecki en una entrevista con ABC.

El músico polaco, uno de los grandes compositores de nuestra época, ha fallecido en Cracovia, donde residía, «después de una larga y grave enfermedad», según se leía ayer en su página web. Hace dos décadas, el jurado del premio Príncipe de Asturias de las Artes le galardonaba «por su talento innovador en todos los géneros, impuesto en situaciones y políticas adversas, y además por su capacidad integradora de diferentes elementos de la segunda mitad del siglo XX».

Bach y Stravinski fueron las dos grandes referencias de un músico que sentía pasión por los árboles, y creó un parque con más de dos mil especies de árboles en Lusławice, al sur de Polonia. «Son más de treinta hectáreas -explicaba- en las que no había nada. Decidí crear algo nuevo, una colección de especies arbóreas de todo el mundo, que ahora debe rondar las 1.800. Estoy profundamente orgulloso. A veces pienso que quizás sea más importante que mi música».

Penderecki -que mantuvo una estrecha relación con nuestro país- es autor de varias composiciones consideradas obras maestras de la música del siglo pasado: compuso, entre otras grandes creaciones, «Treno a las víctimas de Hiroshima» (1960), «La Pasión de San Lucas» (1966), el «Concierto para violonchelo nº2» (1983), escrito para Mstislav Rostropovich; el «Réquiem polaco» (1984), la «Sinfonía nº3» (1995), el «Concierto para violín nº2», escrito para Anne-Sophie Mutter (1995); la «Sinfonía nº7. Las Siete Puertas de Jerusalén» (1997), y el «Doble Concierto» (2012) escrito para los violinistas Janine Jansen y Julian Rachlin. Sus obras se escuchan también en varias películas legendarias, como «El exorcista», de William Friedkin; «El resplandor», de Stanley Kubrik. Es también autor de cinco óperas: «Devils of Loudun» (1968/69), «Paradise Lost» (1976/78), «Black Mask» (1984/86) y «Ubu Rex» (1991). Estuvo en conversaciones con el Teatro Real -donde en 2000 presentó, y dirigió, su sinfonía «Las siete puertas de Jerusalén»- para componer una ópera sobre la obra de Valle-Inclán «Divinas Palabras», pero el proyecto no se llevó a cabo.

Síntesis personal

«Ya de joven -escribió Luis de Pablo en ABC cuando Penderecki recibió el Príncipe de Asturias- era una figura conocida de la vanguardia polaca, pero en los años sesenta dio un cambio con una de sus obras más conocidas, “La Pasión según San Lucas”; desde entonces, su música entabla un nuevo rumbo que le aproxima a la tradición centroeuropea que podriamos calificar de neorromántica y que ha tenido una magnífica acogida entre el gran público. Penderecki ha desarrollado una línea de síntesis personal, pero su música nunca ha dejado de ser extraordinaria».

«Creo que el artista -dijo en una ocasión- es testigo de la época en la que vive y su realidad circundante debe reflejarse en sus obras». Por ello, seguramente, tras unos inicios adscrito a las vanguardias musicales, las abandonó en la década de los sesenta. «Más bien -aclaraba en ABC- resultó que yo quería seguir mi propio camino. Todo era vanguardista en los sesenta. Escribí un par de piezas que se encasillaron así, pero lo que yo quería eran obras de gran formato, como oratorios y óperas. Y las vanguardias no iban en esa dirección, así que tuve que volver a la tradición».

Aparte de su descomunal carrera como compositor, que empezó en 1959 en el Festival de Otoño de Varsovia, donde presentó su obra «Strophen», Penderecki desarrolló una aplaudida carrera como director de orquesta. Trabajó con formaciones como la Orquesta Nacional de España, la NDR de Hamburgo y la MDR Leipzig Sinfonieorchesters, y fue director artístico del Festival Casals en San Juan de Puerto Rico, asesor Artístico del Festival de Música de Pekín y director artístico de la Orquesta Sinfonía Varsovia.

«Espero -dijo a ABC- que mi música perdure porque es sincera. Como compositor no puedes mentir. Tienes que ser sincero, intentar siempre dar lo mejor que sepas o puedas».

Fuente:  ABC

El baterista de Faster Pussycat hospitalizado por coronavirus

Se informa que el baterista de Pussycat, Chad Stewart, contrajo el Coronavirus según múltiples fuentes cercanas a la banda.

Stewart fue hospitalizado pero ahora se está recuperando en su casa. Izzy Presley ha publicado un mensaje público en Facebook sobre Stewart.

"Una gran recuperación rápida a Chad Stewart, nuestro baterista de Faster Pussycat acaba de salir del hospital con coronavirus", escribió Presley.

Stewart ha estado tocando la batería para Faster Pussycat desde 2001. Le deseamos a Chad Stewart y a cualquier otra persona que luche contra esta horrible enfermedad una pronta recuperación.

Fuente: Metal Sludge

El vocalista de Rammstein está internado en Berlín por coronavirus

Till Lindemann tiene 57 años y es el líder de la banda de heavy metal. Está internado en Berlín.

Till Lindemann (57), cantante y líder del grupo de heavy metal Rammstein, está internado en una unidad de cuidados intensivos de Berlín, después de dar positivo por coronavirus. Según informó el diario alemán Bild, Lindemann regresó el 15 de marzo a su país después de presentarse como solista en Moscú, Rusia. A los pocos días de haber regresado, solicitó asistencia médica por tener fiebre alta. 

Lindemann fue diagnosticado con neumonía y fue ingresado de manera inmediata en un centro hospitalario en la capital alemana, donde se le realizó un test de coronavirus que finalmente dio positivo. A pesar del alarmante cuadro clínico, el diario alemán anunció que el vocalista está mejorando notablemente. 

Lindemann es conocido como por ser el líder de Rammstein. Nacido en Leipzig en 1963, trabajó como baterista en varias bandas durante la década del '80 antes de formar parte del conjunto musical que le dio popularidad. Rammstein se convirtió rápidamente en una de las bandas de rock alemanas más exitosas de la historia, vendiendo más de 20 millones de álbumes. 

Formada en 1994 por Lindemann, Richard Z. Kruspe, Oliver Riedel, Paul Landers, Christian Lorenz y Christoph Schneider, es reconocida por sus letras provocativas, música y extravagantes actuaciones. Rammstein fue nominada en dos ediciones de los premios Grammy en la categoría de mejor interpretación de metal. En 1999 con el tema Du hast, del álbum Sehnsucht y en 2006 con Mein Teil, del álbum Reise, Reise.

Hace poco tiempo, Lindemann decidió comenzar su carrera como solista. Se presentó en Rusia, donde se encuentra la mayor parte de sus fanáticos, sin sus legendarios compañeros de banda. Durante sus presentaciones hizo referencia al COVID-19. Después de que en ese país se prohibieran las reuniones públicas de más de 5 mil personas, Lindemann decidió no suspender sus espectáculos, pero los hizo con público reducido, respetando las medidas impuestas por el gobierno.

Fuente: Clarin

Murió Bill Rieflin, ex baterista de Ministry y King Crimson

Bill Rieflin, quien fuera baterista de R.E.M., Ministry y King Crimson, falleció a los 59 años víctima del cáncer que padecía desde hace un tiempo. 

La noticia fue confirmada en redes sociales por algunos compañeros y amigos de Rieflin, entre los que se encuentra el líder de R.E.M., Michael Stipe. Nacido en 1960 en la ciudad estadounidense de Seattle, Rieflin empezó su carrera en bandas locales, antes de saltar a Ministry durante parte de los ochenta y los noventa. Además de Ministry, tocó en álbumes de Nine Inch Nails, Revolting Cocks, KMFDM y Swans, entre otros referentes del rock industrial. Entre 2003 y 2011 fue parte de R.E.M., y tras el fin del grupo se enroló en King Crimson, primero como baterista y luego como tecladista.

Fuente: InfoEnsenada

Los Caligaris presentan su nuevo corte y videoclip "La abundancia"

Como un bálsamo anti-stress y bajo la premisa firme de que la alegría es cosa seria, los explosivos Caligaris irrumpen con "La abundancia" como nuevo corte de difusión de su disco "Salva". Un ska de raíz y vientos fuertes que invoca a San Cayetano, Patrono del Pan y del Trabajo, para suplicar que los placeres del confort se rijan por la ley del menor esfuerzo. En tiempos de alerta mundial y atentos a las disposiciones del gobierno argentino por la pandemia del Coronavirus, la banda presentó el videoclip del single el último domingo 15 a través de sus redes sociales con un intercambio virtual con sus fans a través del chat del canal de YouTube de Popart Discos, su sello discográfico. Además de hablar de la canción la banda aprovechó la valiosa oportunidad para replicar las recomendaciones de la OMS en cuanto a normas de higiene y prácticas de prevención. Una de las frases del sencillo es: “Quiero bailar no quiero irme en ambulancia…” convirtiéndose en uno de los lemas de la comunicación. "La abundancia" es el tercer corte de "Salva" y sucede en difusión a los exitosos "Queda en esta noche" ft. Andres Ciro Martinez (Ciro y los Persas) y "Voy a volver" ft. Ximena Sariñana, canciones que dominaron los charts de las estaciones de radio más importantes de América Latina, además de encabezar varias de las playlists más fuertes a nivel de tiendas digitales en toda la región.

PRÓXIMAS FECHAS SALVA TOUR

Sábado 2 Mayo, Teatro Flores, Buenos Aires, Argentina 

Jueves 21 Mayo, Auditorio Alfredo del Mazo, Neza, México 

Sábado 23 Mayo, Rock Fest, Pachuca, México 

Viernes 29 Mayo, Cuautitlán Izcalli, México 

Viernes 5 Junio, Teatro Morelos, Toluca, México

Día Nacional de la Memoria por la Verdad y la Justicia

El 24 de marzo de 1976 comenzaba en Argentina una de las épocas más oscuras de nuestra historia. En la madrugada de ese día, superiores de las Fuerzas Armadas tomaron el poder a través de un golpe de Estado y derrocaron al entonces gobierno constitucional de Isabel Perón; de esta forma, comenzó una dictadura cívico-militar que duraría hasta 1983. Entre los años en que duró esta dictadura, más de 30 mil personas fueron desaparecidas, se perpetraron un centenar de secuestros, privaciones ilegítimas de libertad, torturas en centros clandestinos de detención, apropiación de recién nacidos y exilios forzados de miles de argentinos.

Pasadas las tres de la mañana de la madrugada del 24 de marzo de 1976, la voz del teniente general Jorge Rafael Videla irrumpió por cadena nacional. A esas horas, y acompañado por el almirante Eduardo Massera y el brigadier general Orlando Agosti, Videla pronunció las primeras medidas que comenzaban a regir a partir de ese entonces. Entre éstas, se disponía la caducidad de los mandatos de presidente de la Nación, de gobernadores y vicegobernadores, diputados, intendentes, etc. Este golpe de Estado fue presentado —se autodenominó— Proceso de Reorganización Nacional, con un programa de tres etapas fundamentales: orden institucional, revalorización de la autoridad y consolidación del proceso.

Los años que transcurrieron bajo la dictadura de las Fuerzas Armadas estuvieron signados por una constante violación de los derechos humanos, crímenes de lesa humanidad y un terrorismo de Estado que funcionó para el gobierno militar de facto como médula y ánimo social del Estado argentino. Esta modalidad de gobierno de facto y su respectivo modus operandi, a su vez formaban parte de un plan mayor conocido como Plan Cóndor, el cual ya operaba en toda Latinoamérica y funcionaba como coordinación entre las distintas dictaduras que en esos años se habían instaurado en otros países del Cono Sur, entre ellos Chile, Paraguay, Uruguay y Brasil.
El Día Nacional de la Memoria por la Verdad y Justicia es una fecha en la que se conmemora y busca mantener vivos en la reflexión y memoria social los tristes acontecimientos producidos en la última dictadura militar. No con el objetivo de depositar una visión estática sobre aquella etapa tan oscura, no con el objetivo de perpetuar un ánimo social irreparable, no con la intención de vivir con la mirada puesta en el pasado… Pero sí con el objetivo de tener presente los errores cometidos y las consecuencias terribles que de ellos pueden desprenderse, sí con el objetivo de una consciente muestra de respeto por las familias víctimas de la desaparición de un hijo, una hija, una nieta o un nieto, sí con el objetivo de buscar justicia y dar luz a los acontecimientos que tuvieron lugar en aquella triste etapa de la historia argentina.

Los elegidos de la semana

Cada semana nuestro TOP 10 con las canciones que más nos gustan. No será un ranking - por lo cual no hay un orden - sino un listado con los temas que más escuchamos en la semana previa a su publicación. Esta semana, las siguientes canciones conforman nuestro TOP:

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Pablo Guallar, uno de los cineastas que nos comparte gratuitamente su obra para sobrellevar la pandemia

La indicación es clara: quedarse en casa. En estos momentos lo importante es cuidarnos entre todxs. Solidaridad. ¿En qué puedo ayudar para que la cosa esté mejor?
Por eso es que miles de cineastas están compartiendo sus obras de forma gratuita, para poder llevar de la mejor manera posible este conflicto global que estamos viviendo. Esta introspección tiene que servirnos para pensar el mundo de otra manera, para ayudar a crear una sociedad mejor, más justa e igualitaria. Con conciencia de que todxs somos el planeta y tenemos que cuidarlo. Si no hacemos esta reflexión, no va a servir de nada esta lección que nos está dando el universo. 

En este preciso instante, el guionista y director Pablo Guallar estrena un cortometraje que  - según sus palabras - les está trayendo muchas alegrías, se llama "El mundo es un rato":

Fue realizado por un equipo de trabajo increíble. Con el apoyo fundamental de Contraste, una banda que se la jugó y confió en un proceso que llevó mucho tiempo. Ojalá puedan disfrutar de estas producciones artesanales, cooperativas, realizadas con mucho esfuerzo y amor. Sé que la oferta es tentadora y que a veces nos tira mucho Netflix, o las grandes producciones Hollywoodenses, pero está bueno también que apoyemos a lxs realizadorxs que con poco dan lo mejor de sí, para alimentar la gran rueda de este cine maravilloso que tenemos. 

Un abrazo y mucha fuerza!

Dirigido por Pablo Guallar.

Protagonizado por Camila Giudice, Rodrigo Laffargue y Jonas de Sousa.
Producido por Contraste y Pablo Guallar.

Guión
Pablo Guallar y Juan Ignacio Caruso

Musica Original
Contraste

Director de fotografía
Nahuel Devito

Sonido Directo
Tomas Vega

Dirección de arte
Carlos "El Tero" Fernandez y Gastón Oliver García Lopez.

Iluminación
Gustavo Javier Greif.

Asistente de Producción
Catalina Lenzi.

Montaje
Nicolas Ezequiel Ottoboni
Pablo Guallar

Postproduccion de audio y mezcla
Alejandro Fernandez Alvez

Color
Nahuel Devito

Diseño de Placas
Luciano Civitico

Postproduccion
Ariel Yamus

Diseño de creditos
Ganz Toll

Vestuario
Martina Chinellato

Maquillaje
Joana Varela

Hecho en Haedo, Buenos Airies, Argentina

“Throw my bones”, primer single del nuevo álbum de Deep Purple

La mítica banda británica Deep Purple ha presentado “Throw my bones”, el primer single de su próximo álbum, “Whoosh!”. 

La canción sigue una línea de guitarra y un groove de batería pulido, lo que lleva a la familiar voz del cantante Ian Gillan. “No sé lo que se avecina / Todo es un misterio, man, escuché que decía / Haz lo tuyo, haz lo mejor que puedas / Supongo lo que sucederá después”, canta antes de lanzarse al coro: “Todo lo que tengo es lo que necesito / Y eso es suficiente hasta donde puedo ver / ¿Por qué debería caminar hacia lo desconocido? / Cuando puedo sentarme aquí y tirar mis huesos”.

Temáticamente, “Throw my bones” cuestiona el estado actual de la sociedad, especialmente su relación con el planeta Tierra. “Es una invitación a dar un paso atrás y ver la imagen general, un llamado a la acción y una invitación a observar el planeta y la situación actual de la Tierra”, dijo la banda en un comunicado.

El video refleja este sentimiento al mostrar a un astronauta deambulando por varias escenas de la vida cotidiana. El viajero espacial, similar al arte de tapa de “Whoosh!”, se encuentra con la belleza de la naturaleza y las duras realidades de la vida en la ciudad.

Disponible desde el 12 de junio, “Whoosh!” se convertirá en el 21º álbum de estudio en el amplio catálogo de Deep Purple. “Whoosh! es una palabra onomatopéyica que, cuando se ve a través de un extremo de un radiotelescopio, describe la naturaleza transitoria de la humanidad en la Tierra”, explicó Gillan. “Y, desde el otro extremo, desde una perspectiva más cercana, ilustra la carrera de Deep Purple”. En cuanto a si este puede ser el último álbum del veterano grupo de rock británico, el bajista Roger Glover declaró: “Me han preguntado mucho ‘¿Es este nuestro último álbum?’ Recuerdo cuando hicimos ‘Now What?’, del que ya han pasado… ¿ocho años? Y luego hicimos ‘inFinite’ y al tecladista Don Airey le preguntaron si este era el último álbum. Y dijo: ‘Pensé que el último álbum era el último álbum’”. “Whoosh!” ya puede encargarse en varios formatos a través de la tienda on-line de la banda. Entre las ediciones hay un libro multimedia limitado de CD+DVD que incluye una conversación de una hora entre Roger Glover y Bob Ezrin, así como la presentación de la banda en vivo completa en Hellfest 2017. 

Fuente: InfoEnsenada

Los italianos cantan Black Sabbath desde los balcones para pasar la cuarentena

Los vecinos de una localidad italiana cantaron "War pigs" al unísono para divertirse durante el aislamiento ante la pandemia.

Un video que comenzó a circular en la web muestra a una gran cantidad de italianos cantando al unísono la canción de Black Sabbath, desde sus balcones mientras cumplen la cuarentena total y obligatoria.

La cantidad de infectados en Italia supera los 35.500 casos con más de 2.500 muertos, siendo uno de los países más afectados por el virus Covid-19 a nivel mundial. En Argentina se detectaron 97 infectados y el pasado miércoles se dio a conocer el tercer muerto por coronavirus.

Fuente: Diario Registrado

Insobrio presenta "La constante", primer corte de difusión de su álbum "De Negro"

Un rock duro con alma de metal y cuerpo de canción que cuenta con la participación especial de Fernando Ruiz Díaz en voz. "De Negro" es el cuarto álbum de Insobrio. El material fue lanzado en Diciembre 2019 y contó con la producción de la propia banda junto a Tomás Molina Lera y Juan Manuel Segovia, conocidos por su trabajo junto a Barbi Recanati y todo el colectivo Goza Records. En este disco la banda propone un cambio radical en su sonido donde la protagonista es la canción. Tras su memorable paso por el festival Rock en Baradero y mientras delinea su agenda 2020, Insobrio fue elegida por Metallica como única banda argentina para abrir su show en el marco de su WorldWired Tour 2020, en el Campo Argentino de Polo el próximo 18 de abril. Insobrio es Agustín Guevara (voz) Pollo Taylor (bajo) Nicolás Polo (batería) Leo López (guitarra) y Matías Munighini (guitarra). Insobrio tiene 13 años de carrera, una amplia experiencia en vivo y un caudal de público creciente, que se refleja a lo largo de sus presentaciones en vivo, oyentes mensuales en Spotify y seguidores en redes sociales. A lo largo de su trayectoria han sido apertura de grandes bandas internacionales como Slayer, Linkin Park, Limp Bizkit, Aerosmith, Whitesnake, Buckcherry, Cavalera Conspiracy, Soulfly y Michael Schenker, entre otros.

Desde Neuquén, llega el dúo Quesada / Fidanza

Esa extraña locura llamada Triciclosclos

Nacieron en 1989 de la agrupación teatral FRECOPO (frente de liberación cómico popular) que dirigía Norman Briski. Ese mismo año hicieron su primera presentación en vivo en un pub conocido como Sr. Chinasky y así comenzaron diferentes presentaciones en la ciudad de Buenos Aires. En 1990 grabaron su primera demo en la que estaban incluidos los temas Cómicos paranoicos y Dame más Leche y participaron de un festival en el Centro Cultural Ricardo Rojas por la liberación de Nelson Mandela. La composición de la banda, que en un principio estuvo formada por Daniel Araoz (voz), Tío Rik Streiff (bajo, voz, harmónica y composición), Luis Aranosky (guitarra, y Coy (cornetas y coro) Luis Ricky Ríos (batería), Santiago Lanzilotta (batería electrónica y teclados), varió mucho en el tiempo. por su filas comenzaron a pasar diferentes artistas como el guitarrista Adrián Bar, el batería Martín Ontiveros y el bajo Marcos Gil, mientras que otros integrantes del grupo lo abandonan como Lanzilotta, Araoz y Ricky Ríos. Las evoluciones de sus integrantes se transmiten al estilo de música que hacen, los Triciclosclos pasa por varios estilos desde el punk a las canciones rancheras, manteniendo siempre un sonido característico gracias a la poderosísima base rítmica que poseían.

En 1991 graban una segunda demo con los temas Cucarachas, Tundachacha y New York City que presentan a una productora discográfica y les abre las puertas a su primer disco comercial.

En 1992 se edita Merde ... ninguno de nosotros tiene los ojos claros con notable éxito de ventas y sería publicado por las empresas discográficas, EMI y Polygram. Con esta publicación se abre un periodo de auge de la banda hasta 1995. Fue en esta época donde le ponen el sobre nombre de "la peor banda de todos los tiempos" y no precisamente por su calidad sonora.

En 1993 comienzan el programa de radio El Show de los Triciclosclos en la emisora FM Rock & POP que se emitía de 3 a 6 de la mañana. Este programa fue de influencia en comicidad Argentina llegando a ser el programa de mayor audiencia en esa franja horaria. Los años 1994 y 1995 el programa se emitió en la emisora FM La Boca.

Durante varios años han realizado giras y conciertos, grabando algunos de ellos, pero sin realizar producción discográfica alguna.

El 4 de agosto de 2007 dieron un concierto en el CBGB de Buenos Aires. También hicieron una presentación extraordinaria en 2010. El 25 de mayo de 2014 realizaron su concierto despedida.

Durante la existencia de Triciclosclos han pasado por sus filas los siguientes miembros:

Luis Aranosky, Daniel Araoz, Santiago Lanzilotta, Ricky Ríos, Gonzalo Mazar, Pablo Gutraicht Farkas, Damian Nissenson, Safo, Carlos Sturze, El Griego, Marcos Gil, Diego Leske, Santiago Pedroncini, Diego Bernasconi, Fabián Rootz, Juan Valentín y Sebastián Vazzana.

Han tocado con ellos en diferentes actuaciones; Jorge Pinchevsky en Violín, Pato Losa en Batería, Marcos Cabezas en vibráfono, Felix Vals en guitarra eléctrica, Sergio Dawi en saxo y Zeta Yeyati en saxo. Como invitados, también participaron Sergio Fabian Pappi y Robert Sportelli.

Los elegidos de la semana

Cada semana nuestro TOP 10 con las canciones que más nos gustan. No será un ranking - por lo cual no hay un orden - sino un listado con los temas que más escuchamos en la semana previa a su publicación. Esta semana, las siguientes canciones conforman nuestro TOP: 

Estas 10 canciones y 200 más con la misma diversidad de estilos son las que se escuchan en DELTA 80 las 24 horas los 365 días de año a través del streaming por nuestra página web www.delta80.com.ar, los invitamos a escucharlos y también a seguir leyéndonos.

Los Tipitos presentan "Río" su nuevo corte y videoclip junto a León Gieco

Los Tipitos, son sin duda grandes exponentes del rock argentino; en el último tiempo la banda develó con el lanzamiento de su último disco de estudio "De mi flor" una nueva faceta artística dando a conocer su respeto y afán por el folklore. Luego de lanzar en tiendas digitales la reversión de su canción "Río" con la participación de León Gieco, la banda estrena el videoclip oficial para darle imagenes a su cuarto corte de difusión. El clip fue dirigido por el director Carlos Olivan en la localidad de Río de los Sauces de la provincia de Córdoba; donde también años atrás, más precisamente en 2013 grabaron el vídeo de “Viaje interminable” canción que se desprende su álbum "Push". 

En el plano musical la reversión fue grabada, masterizada y mezclada por Tomás Vigo en el Estudio Eclectic con la dirección musical Lucho González. “Río” es un sencillo del género huayno, dedicado a la paciencia y entrega de los trabajadores.

Próximas fechas

Miércoles 1 de abril, Mundo Rojo Multiespacio, Villa Maria, Córdoba
Domingo 12 de abril, Arrecifes, Buenos Aires

Sábado 25 de abril, Casa Rock, Buenos Aires

Valentine, a contramano de los tiempos

Todo comenzó cuando los amigos de la infancia Adam Holland y Gerard Zappa comenzaron a tocar en varias bandas en la escuela secundaria. Al graduarse en el circuito de clubes de Long Island junto con Neil Christopher en la batería, siempre se centraron mucho en escribir, grabar e interpretar material original. Esto los llevó al talentoso escritor y tecladista Craig Pullman. Siempre buscando esa cierta voz especial, su camino finalmente los llevó a Hugo. Valentine se formó.

Con un breve traslado a LA; pronto se realizaron importantes gestiones, sellos y publicaciones. Con las demos grabadas por el productor Neil Kernon, (Hall and Oates, The Romantics, Dokken) Valentine firmó con Columbia Records. Pronto fueron al estudio para grabar su primer CD. Poco después de que se completara la grabación, los cambios de personal en Columbia obligaron a la banda a abandonar la etiqueta antes de su lanzamiento. Afortunadamente, su persona de A&R se mudó a Giant Records llevándose a Valentine con él. La banda finalmente lanzó su CD debut a finales de 1990 y el video de MTV para "No way", con Aly Sheedy.

Valentine también escribió e interpretó canciones para la película “Don’t tell mom the babysitter is dead” (No le digas a mamá que la niñera está muerta), protagonizada por Christina Applegate. Después de muchos problemas con Giant Records y cambios de personal dentro del grupo, la banda se reformó como Open Skyz. Después de casi un año sólido de escritura sin una etiqueta, pronto se produjo un nuevo acuerdo con RCA / Zito. Con mucho alivio, la banda regresó a Los Ángeles, al estudio con los productores Ritchie Zito (Eddie Money, Cheap Trick, Heart, Cher) y Rob Jacobs. (Don Henley, The Eagles, U2) Este CD proporcionó varios sencillos, incluido el top 20 de AOR "Every day of my life".

Añadiendo a Tom Maio a la batería, la banda se dirigió a la gira de apertura para Mr. Big y Kiss. Una vez cansados después de casi una década de altibajos en la industria de la música, saltando de etiqueta en etiqueta, los miembros de Open Skyz se separaron. Hugo grabó tres discos solistas aclamados por la crítica, Adam se dirigió a Nashville como escritor con Murrah Music, Gerard se involucró en el lado administrativo del negocio y Craig continuó escribiendo con varios colaboradores. (incluidos Adam y Hugo) Aunque el grupo siempre permaneció siendo un amigo cercano y escribía y actuaba juntos en varias combinaciones, nunca hubo una reunión oficial de Valentine / Open Skyz.

Hasta ahora eso es. Con una invitación para tocar en Firefest IV, Valentine se reunió oficialmente con el baterista de Evolution, Mike Morales. La respuesta en Firefest fue tan fantástica que inspiró a los muchachos a regresar y grabar nuevo material para un lanzamiento de 2008. Después de regresar del espectáculo, tecladista, escritor y archivero de Firefest UK, Craig Pullman reveló un descubrimiento sorprendente al resto de la banda: descubrió todas las demos completas de Valentine que iban a usarse para el segundo CD. A medida que la banda avanzó hacia Open Skyz y cambió las direcciones musicales, estas canciones nunca se grabaron. Algunas de estas canciones llegaron a los primeros CD solistas de Hugo: "Crazy", "Find a way" y "If you’ ever ever lonely". La banda también decidió volver a grabar la balada clásica "Never said it was going to be easy" del CD original de Valentine. Según el guitarrista Adam Holland “esta canción siempre fue una de nuestras favoritas".

De alguna manera, en 2008 adquirió una sensación de blues totalmente diferente. Un nuevo álbum "Soul salvation" fue lanzado en noviembre de 2008.

Álbum debut homónimo de 1990 (izquierda), "Soul salvation" de 2008 (derecha)

Thulêan Mysteries, lo nuevo de los oscuros Burzum

Hoy es la fecha de lanzamiento oficial del nuevo álbum de Burzum, «Thulêan mysteries». Este es el primer lanzamiento musical de Varg Vikernes después de 2014 y presenta un total de 23 canciones. El parte del trabajo está disponible para escuchar a través de Bandcamp. «Thulêan Mysteries» ya está disponible a la venta desde este link: https://www.plastichead.com/item.aspx

Varg Vikernes ha realizado la siguiente declaración.

«Thulêan Mysteries se hizo pasivamente, en el sentido de que nunca tuve la intención de hacer un nuevo álbum; solo hice música de vez en cuando y en un momento me di cuenta de que en realidad tenía suficiente para lanzar todo en un álbum. Cuando me lo pidieron, pensé: ¿por qué no? Fue una buena idea. La música es un poco de esto y un poco de lo otro, trascendiendo cualquier género y quizás perteneciendo a muchos géneros diferentes. La intención con eso era siempre para crear una cierta atmósfera, a menudo relacionada con una idea o una situación. Dado que mi verdadera pasión nunca ha sido la música, sino los juegos de rol de mesa, pensé que debería hacer de este un álbum destinado a ese uso; como música de fondo para mi propio MYFAROG (Juego de rol de fantasía mítica). Con suerte, sentirás a Thulê cuando escuches esto, como siempre con Burzum, idealmente cuando estés solo. Espero que disfrutes de esta banda sonora para Thulê, para la Madre Naturaleza y la vida misma «.

Fuente: Atanathos

Se cumplen 37 años de la llegada del primer álbum de heavy metal al puesto nº 1

"Metal health" es el tercer álbum de estudio de los estadounidenses Quiet Riot. Fue lanzado el 11 de marzo de 1983, reforzado por el éxito número 5 "Cum on feel the noize" y el éxito número 31 "Metal health". Éste disco es notable por ser el primer álbum de heavy metal en alcanzar el primer lugar en el Billboard 200, reemplazando a "Synchronicity" de The Police en el número uno en noviembre de 1983. El álbum vendió más de diez millones de copias en todo el mundo y se considera un clásico entre fans de heavy metal. Algunos críticos, como AllMusic, lo describen como una maravilla de un solo éxito, debido a la relativa falta de éxito comercial y crítico de Quiet Riot con los siguientes álbumes (y la posterior desintegración) hacia fines de la década de 1980. La canción principal se ubicó en el puesto número 35 en las 40 mejores canciones de metal de VH1.

La banda realizó una gira el mismo año y apoyó a Black Sabbath en su gira Born Again en los Estados Unidos.

"Slick black cadillac" es una versión regrabada de la misma canción de Quiet Riot II.

La canción "Thunderbird" está dedicada al guitarrista y miembro fundador Randy Rhoads. Aunque la mayor parte de la canción fue escrita para Rhoads cuando todavía estaba vivo, Kevin DuBrow agregó un verso final como tributo a Rhoads después de que murió en un accidente aéreo el 19 de marzo de 1982.

La pista del título se conoce por varios nombres ligeramente diferentes. Simplemente se llamaba "Metal health" en el lanzamiento original en vinilo, pero la mayoría de las reediciones posteriores del álbum en otros formatos lo llaman "Bang your head", con la frase 'Metal health' entre paréntesis, antes o después del título principal. La letra de esa canción, "Bueno, ahora estás aquí, no hay vuelta atrás" ("Well now you're here, there's no way back"), finalmente se convirtió en el título del documental de Quiet Riot en 2014.

Los temas que componen el álbum son los siguientes:

1. "Metal health" - DuBrow / C. Cavazo / Banali / T. Cavazo
2. "Cum on feel the noize" (Slade cover) - Noddy Holder / Jim Lea
3. "Don't wanna let you go" - DuBrow / Cavazo
4. "Slick black cadillac" - DuBrow / Rhoads
5. "Love's a bitch" - DuBrow
6. "Breathless" - DuBrow / Cavazo
7. "Run for cover" - DuBrow / Cavazo
8. "Battle axe" - Cavazo
9. "Let's get crazy" - DuBrow
10. "Thunderbird" - DuBrow

Kevin DuBrow - voces
Carlos Cavazo - guitarras, coros
Rudy Sarzo - bajo, sintetizador
Frankie Banali - batería, coros

Personal adicional

Chuck Wright - bajo en "Metal health", "Don't wanna let you go" 

Riot Squad - coros
Tuesday Knight - coros
Spencer Proffer - coros
Donna Slattery - coros

Producción

Arreglos por Quiet Riot

Producido por Spencer Proffer

Grabado y mezclado por Duane Baron en The Pasha Music House

Todas las canciones publicadas por The Grand Pasha Publisher, excepto "Cum on feel the noize" (Barn Publishing, Inc)

Notas adicionales

Quiet Riot - artwork
Jay Vigon - dirección artística, diseño
Sam Emerson - fotografìa
Ron Sobol - fotografía
Stan Watts - ilustración

Charts

Repasando los charts en cuanto a los álbumes de Quiet Riot, "Metal health" se editó el 11 de marzo de 1983. Su ubicación ha sido cronológicamente la siguiente:

* 7 May 1983 (tema) "Metal health" puesto Nº 37 Mainstream Rock Songs de Billboard.

* 10 Sep 1983 "Slick black cadillac" puesto Nº 32 Mainstream Rock Songs de Billboard.

* 5 Nov 1983 "Cum on feel the noize" puesto Nº 7 Mainstream Rock Songs de Billboard.

* 19 Nov 1983 "Cum on feel the noize" puesto Nº 5 Billboard Hot 100.

* 26 NOV 1983 EL ÁLBUM "METAL HEALTH" Nº 1 EN LAS LISTAS DE BILLBOARD.

 
* 3 Dic 1983 single "Metal health" / "Cum on feel the noize" puesto Nº 45 UK Top 75s.

* 11 Feb 1984 (tema) "Metal health" puesto Nº 31 Billboard Hot 100.

* 18 Feb 1984 "Don't wanna let you go" puesto Nº 22 Mainstream Rock Songs de Billboard.

* 1 Abr 1984 (álbum) "Metal health" puesto Nº 33 New Zealand Albums Chart.

Ha sido certificado triple platino en Canadá (300.000 copias) y séxtuple platino en Estados Unidos (6.000.000 de copias).

Michael Bolton estuvo cerca de ser vocalista de Black Sabbath

Aunque Michael Bolton se refirió a ello hace un lustro como "un rumor", ahora el guitarrista Tony Iommi relató que el cantante hizo una audición para entrar en Black Sabbath hace casi cuarenta años. En declaraciones a GibsonTV, Iommi rememoró la época en la que el grupo tuvo que emprender la búsqueda de un nuevo vocalista tras la salida, en 1982, de Ronnie James Dio, su segundo cantante luego de Ozzy Osbourne (1969-1977). 

"Me encontré con David Coverdale y él dijo: «Oh, acabo de reunir a Whitesnake. ¿Por qué no me llamaste antes?», dijo el guitarrista Tony Iommi a Europa Press. Y agregó: "Así que hubo mucha búsqueda para dar con otro cantante e hicimos audiciones con varios de ellos. Incluido Michael Bolton, lo creas o no. Él fue uno de ellos. Simplemente continuó un poco y no pudimos decidir". 

Finalmente, Black Sabbath contrató al cantante de Deep Purple, Ian Gillan, con quien grabaron su disco de 1983 Born again , antes de que Gillan dejara también al grupo.

Lo cierto es que Michael Bolton inició su carrera musical en el rock duro, en solitario, a mitad de los setenta, y después formó la banda Blackjack, que fue telonera de Ozzy Osbourne. Con el tiempo fue decantándose por géneros menos duros y más románticos.

En una entrevista, en 2014, Michael Bolton aseguró que todo esto de su audición con Black Sabbath era sólo un rumor. "No sé cómo empezó", llegó a preguntarse entonces. Pero ahora Iommi lo contradijo abiertamente... 

Fuente: La Nación

Los elegidos de la semana

Cada semana nuestro TOP 10 con las canciones que más nos gustan. No será un ranking - por lo cual no hay un orden - sino un listado con los temas que más escuchamos en la semana previa a su publicación. Esta semana, las siguientes canciones conforman nuestro TOP: 

Estas 10 canciones y 196 más con la misma diversidad de estilos son las que se escuchan en DELTA 80 las 24 horas los 365 días de año a través del streaming por nuestra página web www.delta80.com.ar, los invitamos a escucharlos y también a seguir leyéndonos.

Día de la Mujer Trabajadora

La música tarda 13 minutos para sacarte la tristeza

La nueva y fascinante investigación, demuestra que la música cura y sugiere que en el futuro, la música podría prescribirse para ayudarnos a concentrarnos, sentirnos más felices, relajarnos y superar la tristeza.

Helena Asprou - Una nueva investigación de la Academia Británica de Terapia de Sonido (BAST) ha demostrado que hay una dosis común para la música y reveló cuánto tiempo necesita una persona escucharla para experimentar un efecto terapéutico. 

En los últimos años, los psicólogos han demostrado que la música puede tener un efecto positivo en nuestra salud, por lo que los investigadores de BAST estaban ansiosos por descubrir si sería posible prescribir música para ayudarnos con estados de ánimo específicos. 

Su estudio, Music as Medicine, evaluó a 7,581 participantes y descubrió que el 89 por ciento creía que la música era esencial para su salud y bienestar, por lo que no hay duda de que juega un papel importante en nuestra vida diaria. 

Mientras que el 90.15 por ciento de los participantes usó música para relajarse, el 81.80 por ciento la usó para hacerlos sentir felices, el 46.5 por ciento para procesar y / o liberar la tristeza, y el 32.53 por ciento para ayudar a la concentración. 

La mejor música para la relajación tenía un ritmo lento, una melodía simple y ninguna letra, con un tiempo de escucha óptimo de 13 minutos, y se informaron muchos beneficios, que incluyen 'disminución de la tensión muscular, pensamientos negativos que desaparecen, sentirse tranquilo y contento y poder dormir mejor'. 

Mientras tanto, solo se requieren nueve minutos de música (principalmente canciones con un ritmo de conducción, tempo rápido y contenido lírico positivo) para que la gente se sienta animada. 

 Un impresionante 89 por ciento había mejorado los niveles de energía, el 65 por ciento se rió más y otros se sintieron más en control de sus vidas o capaces de 'asumir cualquier cosa', un resultado alentador para los profesionales médicos que buscan nuevas formas de tratar a los pacientes con afecciones de salud mental, como como ansiedad y depresión. 

En otro estudio, también se descubrió que la música de alto ritmo mejora el rendimiento durante el ejercicio: cuando las mujeres que entrenaban escuchaban canciones pop con más de 170 latidos por minuto, los científicos descubrieron que comenzaron a esforzarse más, especialmente durante las actividades de resistencia, como correr o andar en bicicleta.

¿Estás buscando mejorar tu enfoque? De los sujetos de la prueba BAST que usaron música para concentrarse, 13 minutos fueron suficientes para despejar su mente, ayudarlos a trabajar mejor en su trabajo (91 por ciento) y tomar decisiones con mayor claridad.

Y finalmente, se descubrió que la música que contenía letras con las que las personas podían conectarse (nuevamente, 13 minutos) era la mejor para la tristeza, lo que hacía que los oyentes sintieran alivio, menos abrumados, más estables y menos propensos a ser provocados por un problema.

Lyz Cooper, el fundador de BAST, ha colaborado previamente con el trío musical ambiental, Marconi Union, para producir una pista de ocho minutos diseñada para relajar al oyente e inducir un estado de trance.

Cooper explicó que la pista, titulada "Weightless", "contiene un ritmo sostenido que comienza a 60 latidos por minuto y gradualmente se desacelera a alrededor de 50", lo que significa que el latido del corazón del oyente se ralentizará naturalmente para que coincida con los BPM (latidos por minuto) de la pista.

El nuevo estudio fascinante de BAST, y la pista relajante de Marconi Union, son una prueba más de que la música realmente cura, y estamos totalmente aquí para ello.

 

Fuente: Música Clásica BA

Se estrena documental sobre Verne y la bahía de Vigo

Eduardo Rolland - La prestigiosa televisión europea, Canal Arte, retrata la ciudad y las islas Cíes con la guía de la Sociedade Jules Verne de Vigo.

Un documental internacional y disponible en seis idiomas. Es lo que propone Canal Arte, la prestigiosa televisión europea que acaba de estrenar Jules Verne: voyage au centre de la baie de Vigo, un amplio reportaje dentro de su serie Invitation au voyage, un aclamado programa de viajes que retrata una ciudad siguiendo los pasos de un personaje histórico. En este caso, el vehículo es el autor de 20.000 leguas de viaje submarino, con sus dos estancias viguesas en 1878 y 1884, además del capítulo La bahía de Vigo, uno de los principales de su novela, donde acude a esta ría a rescatar los tesoros hundidos con los galeones de la batalla de Rande.

 El documental fue estrenado el pasado 19 de febrero en sus versión francesa y alemana. Y será reemitido hasta el mes de abril. También estará disponible próximamente en polaco, español, inglés e italiano. Y puede verse en la propia web de Arte, en este enlace:

https://www.arte.tv/fr/videos/091152-038-A/invitation-au-voyage/

 

Las islas Cíes y varios planos de Vigo desde su ría dan comienzo al documental, que se abre con la frase que el capitán Nemo dirige al profesor Aronnax en el capítulo vigués de la novela: «En estos mismos momentos nos encontramos en la bahía de Vigo y sólo de usted depende descubrir sus secretos».

Miembros de la Sociedade Jules Verne de Vigo guían a las cámaras por las Cíes y por la propia ciudad. El historiador Antonio Giráldez Lomba, miembro también del Instituto de Estudios Vigueses, lleva la acción al Museo del Mar y a lugares emblemáticos como la escultura de José Molares frente al Real Club Náutico. Fue Canal Arte el que contactó el pasado verano con esta asociación cultural que promueve la relación del escritor con la ciudad, porque habían descubierto la relación de Vigo y Verne a raíz del congreso internacional celebrado en el año 2018.

La escritora Ledicia Costas pasea con Canal Arte por los mismos escenarios que pisó Verne en sus dos visitas a la ciudad. Ya no está el café Suizo, desaparecido de la calle del Príncipe, pero sí toman café en la plaza de la Constitución, como también hacía Verne en ambas estancias. Además, la novelista viguesa es entrevistada ante uno de los murales del plan Vigo Vertical, el que representa a Verne, situado en la avenida de la Florida.

En las islas Cíes, las cámaras siguen la huella en la arena de los grandes personajes que pisaron nuestro archipiélago: Julio César, el caudillo vikingo Olaf Haraldson o el corsario Francis Drake. También especulan literariamente con que la isla de Faro es la misma isla misteriosa de la novela en la que Verne revela la verdadera identidad del capitán Nemo y donde el Nautilus termina sus días.

Invitation au voyage es un premiado programa de viajes que emite Canal Arte, la prestigiosa televisión europea nacida por un acuerdo franco-alemán y que tiene su sede en Estrasburgo, a pocos metros del Parlamento Europeo. Entre otros reportajes, hay uno de George Orwell en Marrakech, de Jean Cocteau en la Costa Azul, del Buenos Aires de Mafalda o de la Calcuta de Rabindranath Tagore. También han ido a buscar a Marco Polo a Pekín o a Takeshi Kitano en Tokio. Y, en este recorrido cultural por geografía y autores, llegaron a Vigo para dar nueva dimensión europea a la relación entre Verne y la bahía del tesoro.

Fuente: La Voz de Galicia

Ironía presentó el lyric video del tema "Maldito"

Perteneciente al segundo álbum de la banda ''Arrastrame a tu infierno''.

Biografía

2007 - Primeros pasos

A comienzos del 2007 Marcelo Pinto, con una serie de demos con material propio se vuelca a la aventura de formar una nueva banda tratando de mezclar sus influencias por el hard rock, thrash metal y metal progresivo, a finales de ese mismo año los primeros demos de lo que será Ironía están listos y Pinto comienza la búsqueda de músicos adecuados para el proyecto.

2008 - Primer Ep

Durante el 2008 se incorpora Mauricio Pol en el bajo y se comienza a dar forma al primeros Ep de estudio titulado "Burn your world".
Grabado en Paston Record Castelar entre julio 2007 y marzo 2008 con la produccion de Gastón Sanchez.

La formacion fue:
Marcelo Pinto en guitarra
Claudio Lancillotta en guitarra
Mauricio Pol en bajo
Gaston Sanchez en batería
Javier Yuch en voz.

Ironía debutó el 23 de Mayo de 2009 en el mítico La Colorada de Primera Junta, Capirtal Federal. En esa epoca se presentó en vivo el primer EP de la banda lanzado a fines del 2008. La formacion de las fechas que van entre 2008/2009 fue:

Marcelo Pinto en Guitarra
Claudio Lancillotta en guitarra
Mauricio Pol en Bajo
Leonardo Aristu en Voz
Varios bateristas, entre ellos Sebastian Goldar.

2009 - Segundo Ep

En 2009 Pinto y Pol, ya bajo el nombre de Ironía y tras varías presentaciones en vivo, deciden la búsqueda definitiva de músicos para mantener una formación estable y editan el segundo Ep titulado "Looking for you". Ingresa Ruben Gauna en la voz y Luis Trippiccio en la batería. Se lanza el segundo Ep en ese mismo año que se presenta en el Roxy de Bs. As. el 22 de mayo de 2010. Grabado en Paston Records Haedo entre Marzo Abril 2010.
Marcelo Pinto en guitarra
Claudio Lancillotta en guitarra
Mauricio Pol en Bajo
Gaston Sanchez en Bateria
Ruben Gauna en voz.

La formacion Pinto/Lanccillotta/Pol/Gauna/Trippiccio se disuelve por diferencias creativas a fines de ese año.

2010 - Sumando fuerzas

A fines del 2010 se suman Damián Vera en guitarra, Adrián Micheli en batería y Pyper Mugertegui en voz completándose así la formación de la banda.

2012 - "Hate state"

Tras mucho trabajo de pre-producción la banda ahora formada por Pinto, Pol, Micheli, Vera y Mugertegui es convocada a grabar su primer material discográfico bajo la producción artística de Fernando Scarcella (Rata Blanca, Logos, Temple, Hipnosis) y Mariano Hospital (Logos, Hipnosis) es así como nace "Hate state". El disco se presenta en el Roxy de Bs As en noviembre del 2012 luego de varias fechas previas ese mismo año y se continúa presentado el disco durante el año 2013.

2014 - Nuevos horizontes

Luego de compartir 2 años de trabajo, shows y amistad Ironía decide dar por terminada la etapa de Pyper como cantante de la banda y le otorga el puesto al cantante, tecladista y productor Alejandro Fernández dando comienzo así a la etapa de pre-producción de lo que sera el segundo disco de Ironía. "Hate state" se presenta en gira durante todo 2014 y 2015 tocando tanto en Bs As como en el interior del pais y siendo soporte de bandas como Blind Guardian y Mr. Big y formando parte del Metal Para todos 2014.

2015 - El final de una etapa

Después de un año de trabajo juntos la agrupación Pinto, Pol, Micheli, Vera y Fernández decide separarse por profundas diferencias administrativas, personales y creativas.

2017 - El nuevo comienzo

Pyper y Pinto vuelven a ponerse en contacto y buscan concretar el sueño conjunto del segundo disco y la vuelta de Ironía a su esencia y a la vos que le dio forma a su primer disco.
Lucho Barrera, Javier Roca y Pablo Ureta ingresan como bajista, guitarrista y baterista respectivamente y se vuelcan a la tarea de grabar el material que dará forma al segundo disco de Ironía titulado "Drag me to your hell". Los temas del disco algunos son nuevos y otros ya estaban escritos desde antes del primer disco pero quedaron fuera de este ultimo. Una de esas canciones fue "In the mirror" que se compuso en 2011 y nunca termino de definirse cuando se armaron los temas del disco "Hate state". "Drag me to your hell". Roca se aleja de la agrupación a finales del 2018 y en su lugar entra Sebastián Contreras.
Esta formación debuta el 22 de diciembre de 2018 en Casa Rock de Palermo Buenos Aires, junto a Renacer . A fines de 2018, Muguertegui es despedido nuevamente de la agrupación por ser incapaz de cumplir con la agenda de la banda y sus bajas performance en vivo al igual que en su previa separación de la agrupación en 2012.

2019 - La formación ideal

Tras un periodo de pruebas extensos se define el ingreso de Fernando Santabaya como cantante en y marzo de 2019 se da comienzo a la regrabación , remezcla y remaster del disco "Drag me to your hell" así como la preparación de este mismo disco en su version en Español , el primer material de la banda en su idioma natal titulado ''Arrastrame a tu infierno''. De esta forma Ironía encuentra nuevamente una formación estable y funcional nuevamente desde el 2015.

"From This Place", lo nuevo del genial Pat Metheny

Santiago Giordano - Después de casi seis años de silencio discográfico, el guitarrista y compositor propone un regreso al núcleo de su estilo, al mismo tiempo que va en busca de otra sensibilidad. El 13 y 14 de marzo se presentará en el Gran Rex.Epígrafe: Pat Metheny sigue siendo una de las figuras más influyentes del jazz en la actualidad.

Con más cuatro décadas de andar tocando por el mundo y una discografía enorme y variada en la que supo plasmar un sonido propio y multiplicar sus aperturas, Pat Metheny sigue siendo una de las figuras más influyentes del jazz en la actualidad. La devoción del público, el reconocimiento de sus colegas y el aval de la industria que, entre otras cosas, lo premió veinte veces con el Grammy, lo apuntalan en ese lugar que le permitió moverse entre su trabajo como líder y sociedades enriquecedoras, con Brad Mehldau, Charlie Haden y Ornette Coleman, por nombrar apenas algunas.

Después de casi seis años de silencio discográfico, Metheny propone From This Place, un trabajo en estudio que si de alguna manera representa un regreso al núcleo de su estilo y de su universo melódico, al mismo tiempo propone la búsqueda de otra sensibilidad. Como en As Falls Wichita, So Falls Wichita Falls (1981), Letters for Home (1989) o We Live Here (1995), también en From This Place Metheny expresa una idea concreta de lugar. En este caso “Ese lugar”, que la tapa del disco muestra con un remolino que se levanta desde el horizonte, es el sonido que Metheny elaboró a través de décadas y que hoy es una marca en la música internacional, más allá de los rótulos.

From This Place, cuyo lanzamiento acompaña la gira mundial que pasará por el Teatro Gran Rex el viernes 13 y el sábado 14 de marzo, se articula en diez temas propios, productos de un proceso que conduce a lo que podría llamarse “perfección espiritual”. Desde hace varios años Metheny viene tocando música de todas sus épocas con un cuarteto que equilibra la experiencia del mexicano Antonio Sánchez –que secunda al guitarrista desde Speaking of Now (2002)–, el pianista y tecladista galés Gwilym Simcock y la sorprendente contrabajista malaya Linda May Han Oh.

La experiencia de recorrer con este cuarteto el repertorio de Metheny sirvió para poner a punto la química que les permitió entrar a grabar la música de From This Place sin conocerla de antemano y sin ensayo previo. El mismo Metheny explica que esa idea deriva de sus conversaciones con Ron Carter, contrabajista del mítico quinteto de Miles Davis –junto con el pianista Herbie Hancock , el saxofonista Wayne Shorter y el baterista Tony Williams–, acerca de las maneras en las que el trompetista sensibilizaba las afinidades del grupo tocando estandars todas las noches en los clubes, antes de entrar al estudio para grabar la propia música.

Sobre ese resultado, Metheny consideró luego la participación de una orquesta, pero solo en función expansiva. Apeló entonces a Alan Broadbent y Gil Goldstein, este último colaborador en Secret Story (1992), para elaborar los arreglos que la Hollywood Studio Symphony, dirigida por Joel McNeely, grabó sobre el trabajo terminado del cuarteto. Es decir, la participación de la orquesta se limitó a trazar comentarios, agregar color y subrayar climas. Algo así como la columna sonora de la película que proyecta la música de Metheny al frente de un cuarteto que en su franqueza melódica parece retomar lo que había quedado suspendido después de The Way Up (2005), el último trabajo de estudio del Pat Metheny Group, la nave insignia del sonido del guitarrista.

Si bien hay temas que derivan de un gesto guitarrístico, como “Pathmaker” o “Everything Explained”, en general la música de From This Place viene de otro lugar y logra abstraerse para consolidarse en la dinámica del cuarteto. En un amplio abanico de climas expresivos que aun en los amplios desarrollos formales evitan complejidades discursivas, los solos de Metheny son siempre atractivos y se complementan con el descomunal trabajo de Sincock desde el piano. Sánchez y Linda Oh sostienen la base con plasticidad, como en la instrucción de “Same River”, antes que la guitarra ponga esa marca inconfundible, que en “The Past in Us”, la más lograda de las baladas de este trabajo, encuentra la correspondencia expresiva de la armónica de Gregoire Maret, uno de los invitados. Otra invitada, en el tema que da nombre al disco, es la cantante Meshell Ndegeocello.

“From This Place” es el producto de esa forma de vergüenza que experimentaron muchos norteamericanos tras la asunción de Donald Trump como presidente de los Estados Unidos. “Desde este lugar no puedo ver, el corazón está oscuro”, dicen las palabras de Alison Riley sobre la dulce melodía de Metheny, para terminar con la esperanzadora “Desde aquí estaré contigo / Hasta que los corazones estén verdaderamente libres”.

En el final, “Love May Take Awhile”, es otro momento de gran transporte, con la guitarra de Metheny al frente y el comentario de las cuerdas. La película ya no tiene quien la mire: todos, intérpretes y oyentes, están adentro, con la sensación de que cada cosa está en su lugar y la certeza de haber escuchado un disco de Pat Metheny.

Fuente: Página 12