Blog exclusivo del Proyecto Experimental de Comunicación y Difusión on line DELTA 80 a través del cual se publicará todo lo relacionado al Top Ten semanal, Ranking Mensual, Ranking Anual y entrevistas. A su vez contiene el archivo completo de publicaciones de Delta 80 desde su origen hasta el 30 de agosto de 2021.
Autogramm, el trío power-pop con base en Vancouver (Cánada) presenta su nuevo álbum “No rules”. Rock a fuerza de sintetizadores editaro via Nevado Records.
“No rules” mantiene la tradición de la banda de crear himnos-pop para cantar junto, al tiempo que agrega elementos angulares que recuerdan al The Police de la era de “Ghost in the machine”. Para la banda, el título del álbum se refiere no tanto a un conjunto de reglas, sin dioses-ni amos, si no más a una aspiración de no tener límites. En lugar de construir muros, querer construir puentes.
Con el lanzamiento de su nuevo disco estrenan el video de “Mantra” a través de Indie 88. Realizado por la galardonada directora Shayne Ehman (METZ / Relojes de asfalto). La canción se incluye en el flamante segundo álbum de la banda, “No rules”, que se ha publicado a través de Nevado Records.
Baterista de la banda fundacional del rock argentino y también creador de Aquelarre y Tantor, entre otras formaciones, el músico no superó un accidente cerebrovascular. Su condición es irreversible.
El baterista Rodolfo García, histórico músico del rock argentino y cofundador de Almendra, sufrió este miércoles un accidente cerebro vascular (ACV) y, pese a que fue intervenido quirúrgicamente, presenta un estado irreversible de muerte cerebral, confirmaron a Télam fuentes de su familia.
El artista de 74 años fue una figura clave en los albores del rock nacional en los 60, y fundó la seminal Almendra junto con Luis Alberto Spinetta, Edelmiro Molinari y Emilio del Guercio.
Uno de los fundamentales
Luego fue baterista de Aquelarre y Tantor, colaboró con Litto Nebbia en Nebbia's Band, con Víctor Heredia, con Pedro y Pablo y, más cerca en el tiempo, nuevamente con Spinetta en su último disco solista.
También formó su propia banda, La Barraca, en 1989.
Su compromiso con la cultura argentina lo llevó a ser nombrado director nacional de Artes bajo la segunda presidencia de Cristina Fernández de Kirchner, en 2014.
“Interminable” es una canción que trata sobre los amores más trascendentales de nuestra vida, y reflexiona acerca del amor como una de las fuerzas vitales e infinitas del universo. Aquello que nos rodea y es inexplicable para la razón, pero intuitivo para el corazón. La canción, nos cuenta Lobel, “se presenta como una suerte de oda metafísica al romance, cuando nos vinculamos a alguien sintiendo que somos vehículos o canales de un amor sustancial más grande que nosotros. El amor, el tiempo y el dolor, el color del sueño y hasta Dios, tal vez son como fuerzas que nunca se acaban”.
A finales de junio de 2019, en Lima, Perú, nace Lobel, el proyecto solista de Facundo Bugallo, compositor y vocalista de "Conexionistas", una banda que se ganó su lugar en la escena emergente del rock argentino. Luego de dos discos de estudio editados (el segundo en Abbey Road Studios, UK), Lobel se presenta como un álter ego musical del cantautor, en una etapa evolucionada, madura y renacida.
Durante finales de 2019 y los primeros meses de 2020, Lobel se presentó en 50 shows recorriendo varios distritos de Lima y alrededores, y abriendo conciertos de importantes bandas de la escena Limeña como Líbido, Amén, Mar de Copas, Olaya Sound Sistem, Plutonio de Alto Grado, entre otras.
Actualmente esta presentando singles de lo que sera su nuevo material.
Han pasado más de 50 años desde que Van Morrison llamó la atención por primera vez, y aún hoy nadie se acerca a su mezcla libre de blues, R&B, jazz y soul. Con vistas al lanzamiento el próximo 7 de mayo de su 42º álbum de estudio de 28 temas: "Latest Record Project Volume 1", Van Morrison lanzó una nueva canción "Love should come with a warning", rica en una cálida y ejemplar musicalidad, con letra escrita por el gran Don Black.
"Love should come with a warning" es la última canción que se lanzará antes de "Latest Record Project: Volume 1".
El álbum abarca todo, desde la joya de R&B “Jealousy” hasta la alegre y country “A few bars early” a través del enérgico garage rock que se explica por sí mismo en ‘Stop bitching, do something’. Si bien el álbum se encamina hacia un sentimiento romántico – el cual hace que Morrison sea tan amado por sus fans–la temática principal es un testimonio directo sobre la vida contemporánea.
"Latest Record Project: Volume 1" está disponible para reservar aquí. Se lanzará en formatos de CD doble, CD deluxe, triple vinilo y digital. Todos los pedidos por adelantado recibirán descargas instantáneas de las canciones "Love should come with a warning", "Only a aong" y "Latest Record Project".
Van Morrison celebrará el lanzamiento del álbum con su primer show virtual el 8 de mayo a las 3PM EST, en un livestreaming desde los reconocidos Real World Studios en Wiltshire en la que estrenará canciones nuevas junto con una selección de temas clásicos. El evento será en asociación con nugs.net, la plataforma de música líder para streamings y grabaciones de conciertos en vivo.
Serj Tankian, cuyo EP "Elasticity" recientemente lanzado ha sido apodado como una "obra maestra del metal" presentó el lyric video de la canción "Your mom".
El video fue dirigido por el artista y animador David Bradford, quien ha trabajado con Tankian en proyectos en solitario, así como en proyectos con System Of A Down. Bradford comentó su concepto para el clip de "Your mom": "Mientras escuchaba el comienzo de la canción, con la guitarra acústica más suave, imaginé un pájaro valiente volando sobre un campo, sin darse cuenta del peligro que aguardaba en la ceniza, la guerra. Esto no impidió que el pájaro se deslizara hacia el peligro y tomara la forma de 'Your mom”. Mientras los combatientes continúan su campaña de destruir la Tierra con sus bombas y el caos, la mamá convoca la fuerza de su conexión con la Madre Tierra y se convierte en la personificación de la justicia contra los combatientes. Ella les patea el culo y vuelve en forma de un pájaro, posado sobre los cadáveres de los destructores y restablece el equilibrio de la Tierra".
"Your mom" es la tercera canción del EP “Elasticity”, que ya está disponible en formato digital y en CD. La versión del álbum en vinilo de color “galaxia” llegará el próximo 30 de abril.
Tankian apareció recientemente en la película de Oscilloscope Laboratories / Live Nation Productions "Truth to power" (truthtopowerfilm.com). La película, que presenta entrevistas exclusivas, aventuras y algunas imágenes originales filmadas personalmente por Tankian, estará disponible a través de los servicios de VOD en 27 de abril. "Truth to power" sigue el viaje de Tankian en su búsqueda de la justicia social, aprovechando el poder de sus canciones y la fama para un cambio político real. Es igualmente probable que su voz se enfrente a la codicia empresarial estadounidense como una arremetida contra el régimen corrupto de su tierra natal. La campaña de décadas de Tankian para el reconocimiento formal de Estados Unidos del genocidio armenio fue finalmente adoptada por el Congreso en diciembre de 2019.
Oli Morera continúa entregando adelantos de los que será su próximo álbum. La cantautora porteña estrenó el single “Mentira”, disponible para escuchar en todas las plataformas digitales. La canción fue producida por Fernando Iguacel, mezclada por Uriel Dorfman y masterizada por Eduardo Bergallo.
Oli Morera no conoce de imposiciones y sus temas van desde el rock y el folk, hasta el electropop. En “Mentira” canta con seguridad y rabia parada desde una base rítmica de percusión electrónica. El conjunto de estrofas sombrías interpela directamente a la honestidad humana, apuntando al desencanto del amor. El resultado es una canción descarnada y movilizante. “Todo es mentira / tus ojos gritan más que vos”, dispara desde la primera estrofa. “Tus palabras me castigan / me fusilan / se desangra el amor”, dice más adelante.
“Es una canción que compuse enojada”, revela Oli. “La letra arranca como en plena discusión de pareja y se entrelaza con algunas reflexiones y sentires. Habla de un desenlace, de lo que parecía en ese momento un final de relación”. Y agrega: “Lo que destaco de esta canción es lo que logramos sonoramente. Me di el gusto de seguir desplegando la faceta electropop con la que ya venía coqueteando. Si bien las guitarras están presentes como siempre, en esta canción los loops y sintetizadores son los protagonistas. La combinación de lo electrónico con lo eléctrico y lo acústico me copa cada día más”.
“Mentira” será parte del segundo disco de estudio de Oli Morera, tras su elogiado debut “Hoy sé”, lanzado en 2019, en el cual participaron dos grandes de la música argentina como Fernando Samalea y Diego Olivero.
Durante el 2020, la cantautora estuvo presentando una serie de singles que adelantan lo que será su próximo trabajo, “Atomizarme”, “No sé ya fue” e “Inercia”. Oli Morera encaró su proyecto solista en el año 2017 formando entonces su banda estable junto a Fernando Iguacel en bajo y producción, Gustavo Despouy en guitarra eléctrica y Martín Sosa en batería.
El músico, de 58 años de edad, se encuentra en el Hospital Durand de la Capital Federal y los médicos evalúan entubarlo. Su última aparición pública fue en el ciclo televisivo de Jey Mammon.
Luis Ventura fue quien hizo el anuncio hoy sobre la salud de Manuel Wirtz en Fantino a la tarde, el programa que se emite por la pantalla de América TV. "El músico de 58 años se encuentra internado en el Hospital Durand. Tiene Covid. Me dicen que están por intubarlo", señaló al aire el periodista. La última aparición pública del artista fue algunos días atrás en el ciclo televisivo de Jey Mammon.
Allí, habló de sus más de cuatro décadas de profesión. Si bien a lo largo de ella tuvo momentos muy buenos, también hubo algunos bastante duros, como el conflicto con Cris Morena y lo que esto le ocasionó al hacerlo público.
"A veces decir lo que uno siente es caro", confesó. "Uno se jacta de decir lo que piensa, y lo que tiene que hacer es pensar lo que va a decir. Esa vez no pensé. Fue muy duro, una experiencia muy complicada trabajar con Cris", remarcó.
A su vez, también apuntó contra Martín Bossi, con quien trabajó en diferentes proyectos teatrales. "Tiene un carácter complejo. Es demasiado obsesivo. Está bien ser autoexigente pero el tema es cuando le rompés las pelotas a los otros", contó. "Igualmente ha sido un placer trabajar con él, he aprendido mucho. Y después de casi diez años creo que también él habrá aprendido de mí. Igual él sabe que estoy diciendo la verdad, porque también lo reconoce", admitió.
Rayo estrenó su segundo videoclip oficial, esta vez de la canción de su album debut, titulada "Nave". Se trata de la canción emblema la banda, la que más enciende al público en los shows y la que trascendió todas las épocas previas hasta llegar a su primer álbum, "Arcadia". Esta energía queda capturada en un video protagonizado por los tres músicos en el que se invita al público a ver el interior de esta "Nave" haciendo "zapping" a través de sus personalidades. El video cuenta con la dirección de Federico Milutinovic, quien más que director se ha convertido en socio visual de la banda a lo largo de los últimos años.
Arcadia es su primer disco largo de estudio que en febrero de 2020 (días antes de la pandemia) presentaron a sala llena en el local porteño La Tangente. Cuenta con la producción de Jorge Chikiar y fue grabado en estudio Concepto Sonorus.
Rayo es una banda formada en 2014 por Sebastián Petrocelli, Jonathan Saldivia y Federico Salusso. Sus canciones, se destacan por su fuerza y personalidad combinando sonidos eléctricos, acústicos y electrónicos. El nombre representa la energía presente en la música y las presentaciones en vivo del grupo.
Centrados en las no-estructuras del arte pop y teniendo una formación de banda de rock, el resultado es un género que la banda define como "hard-pop". Con el eje puesto en las melodías, su música cuenta con diversas propuestas rítmicas y armónicas con las que juegan para crear una propuesta dinámica que se adapta a cada mensaje que quieren transmitir.
En medio de un impasse de su proyecto Finger y La Pesada Herencia, impuesto por la actual situación, Finger tomó la decisión de grabar algunas canciones en las que venía trabajando, de manera autogestionada, para dejar salir el material que hace tiempo pedía pista.
“Viento del sur” mixea rock fuerte, riffs y guitarras acústicas. Una canción que dibuja imágenes y expresa sensaciones que se acumulan en el aire de estos tiempos. Con una letras directa que evocan lo profundo.
Finger, de largo paso por la escena emergente, es compositor, guitarrista y cantante de la actual Finger y La Pesada Herencia, luego de su paso como miembro fundador de Narcoiris y Viaje a Ixtlán, forma parte de varios proyecto, como Finger-Serge, elegido como uno de los disco del año 2020, por el espacio Subcultura press.
“Viento del sur” fue compuesto, interpretado, grabado y mezclado por Finger. Mastering por Sergio Cormio de SAC Studios. Digital Sounds & Recording Studios. Editado bajo el sello SAC Sounds 2021.
Albrío presenta su segundo corte “Esto pasó”, adelanto su próximo álbum, esta disponible en todas las plataformas de streaming.
“Esto pasó” fue grabado en el 2020, bajo la producción de Abril Sosa, quién también participa recitando el poema que incluye la canción.
Single grabado en el estudio de Javier Herlein, quien a su vez lo mezcló y masterizó. Abril Sosa es el artista invitado
Albrío dió su primer recital en el 2009, tras terminar la secundaria. Sus integrantes, amigos salidos del mismo colegio, ya comparten el proyecto artístico hace más de 10 años. En todo ese tiempo hicieron un Demo, un EP, dos discos y varios singles; tocaron en lugares como Puma Urban Art, Niceto A (en varias oportunidades), The Roxy Live, Samsung Studio, Kirie, CC Rojas, entre otros lugares destacados de Buenos Aires. Además tocar varias veces en Mar del Plata, Junin, Bragado y en Montevideo. En el 2019 tocaron en Lucille a sala llena y cerrando el año en La Trastienda por primera vez.
Albrío en sus canciones participaron artistas que admiran como: Marilina Bertoldi, Antonio Birabent, Abril Sosa, Daniela Herrero, Mariano Albergoli. Y también tuvieron el honor de ser producidos por: Javier Herlein, Abril, Macabre y Agustin Rocino, Francisco Bochatón, Fran Ruiz Barlett.
La sombra de Jimi Hendrix se hizo
grande y alargada para muchas formaciones en Estados Unidos a finales de los '60.
De esos polvos estos lodos y
Parish Hall fue un trío californiano integrado por Gary Wagner (voz, guitarra, piano), John Haden (bajo) y
Steve Adams (batería) que se sacaron de la manga un álbum debut repleto de cortes hard
blues de alto octanaje lanzado originalmente en 1970 a través de Fantasy, un pequeño sello discográfico local de California.
Una delicia para los seguidores
del género y para los que gusten descubrir canciones hechas y derechas.
Desde la inicial "My eyes
are getting heavy" o "Skid row runner" a pedazos de fuego del
género de "Lucanna". Si aún te quedasen dudas "We're gonna burn
together" te las aclarara de inmediato.
Canciones cortas, precisas yendo
al grano y dejando la metafísica para otros. Como estos hubo cientos en
aquellos años dorados, bandas que aparecían de la nada y se plantaban en tus
narices con discos sólidos como puños, incontestables y destinados
- desgraciadamente - a quedar como pasto para coleccionistas y fans inadsequibles
al desaliento.
Con reminiscencias del sonido de otro trío popular de la época, la Jimi Hendrix Experience, Parish Hall había comenzado a ganar el reconocimiento de algunos coleccionistas europeos a fines de la década de 1990, y los originales se han vendido a altos precios en los mercados de coleccionistas. Todas las canciones de este álbum son originales escritas por Wagner y se mantienen bien en comparación con otros actos de hard rock.
Por estos dìas de abril se cumplen 51 años de la edición de su homónimo álbum debut. Algunos dicen que todo tiempo pasado fue mejor pero otros retrucan argumentando que lo mejor está por venir. Mientras esperamos lo mejor que está por venir, disfrutemos esta joya que cumple un poco más de medio siglo y con cada escucha suena mejor: recuerden, la banda se llama Parish Hall al igual que el álbum:
El ex cantante de Sabrosas Zarigüellas Matías Conde falleció víctíma de la Covid-19 a los 47 años, informó en un comunicado el el Instituto Nacional de la Música (Inamu).
"Lamentamos el fallecimiento del músico Matías Conte. Fue cantante y compositor, lideró Las Sabrosas Zarigüellas y La Descarga. Falleció a los 47 años a causa del Covid-19. Enviamos nuestras condolencias a sus familiares y amigos en este difícil momento", informó el Inamu.
Por su parte, el Ministerio de Cultura posteó: "Desde el Ministerio de Cultura de la Nación, lamentamos el fallecimiento del músico Matías Conde. Cantante y compositor, lideró Las Sabrosas Zarigüellas, banda de música latina rioplatense y luego formó La Descarga, una big-band de salsa, latín jazz y mambo".
Actualmente, Conte integraba La Descarga, una big-band de salsa, latin jazz y mambo, con quienes estuvo activo más de 10 años.
"El muerto se fue de rumba" fue el famoso tema con el que Conde y su banda Sabrosas Zarigüellas se hicieron famosos en los 90, tras lo cual el grupo grabó cuatro discos y hasta tocó junto a Víctor Heredia, Valeria Lynch, Los Auténticos Decadentes y Fabiana Cantilo, entre otros.
“No se va”, “Parte del pasado” y “El Diego” fueron otros de los temas que los catapultaron a la fama, fiestas de 15, casamientos y bailes.
En 2009 Conte formó La Descarga, una big band con 14 músicos sobre el escenario y con el que editó tres álbumes.
Garbage anunció recientemente su séptimo álbum de estudio “No Gods No Masters” que se lanzará el próximo 11 de junio a través de BMG. La banda además compartió su nuevo single “The Men Who Rule the World” junto a su videoclip, el primer adelanto de su esperado nuevo álbum. El video fue realizado por el director de cine, animador y pintor chileno Javi Mi Amor.
“The Men Who Rule the World” es un llamado a las armas, una exhibición sónica y poderosa que marca la energía del nuevo disco de la banda. Una crítica al auge de la miopía capitalista, el racismo, el sexismo y la misoginia en todo el mundo. Esta canción es una clara protesta y declaración contundente de las intenciones de una banda que todavía cree en el poder de la disidencia.
"Este es nuestro séptimo disco, cuya numerología significativa afectó el ADN de su contenido: las siete virtudes, los siete dolores y los siete pecados capitales", cuenta la líder de Garbage, Shirley Manson, sobre el feroz nuevo álbum de la banda “No Gods No Masters” que relata sus giros y vueltas del capitalismo y la lujuria a la pérdida y el dolor. "Era nuestra forma de tratar de dar sentido a lo jodidamente loco que es el mundo y el asombroso caos en el que nos encontramos. Es el álbum que sentimos que teníamos que hacer en este momento".
Producido por Garbage y su colaborador histórico Billy Bush, las semillas de “No Gods No Masters” se plantaron en el verano de 2018 en el desierto de Palm Springs. El cuarteto se reunió en la casa de uno de los parientes de Steve Marker y esbozó el esqueleto del álbum durante dos semanas, improvisando, experimentando y sintiendo las canciones. Luego reunieron esos demos y tomaron caminos separados, antes de volver a encontrarse en Los Ángeles para terminar el disco.
Garbage lanzará una versión digital y en CD de lujo de “No Gods No Masters”, que incluye versiones de temas clásicos, como “Starman” de David Bowie y “Because the Night”, co-escrita por Patti Smith y Bruce Springsteen. Además, la versión de Garbage de “Because the Night” también cuenta con el grupo de punk rock estadounidense Screaming Females.
La versión deluxe del álbum incluirá temas inéditos de Garbage: “No Horses”, “On Fire”, “Time Will Destroy Everything”, “Girls Talk”, “The Chemicals” y “Destroying Angels”, los últimos tres de los cuales cuentan con la participación de Brody Dalle, Brian Aubert y John Doe y Exene Cervenka respectivamente.
El vinilo del álbum será de color verde neón y también se lanzará un vinilo blanco de edición limitada a través de su tienda oficial y HMV, así como un vinilo rosa limitado y exclusivo como parte de los RSD Drops el 12 de junio.
Garbage además anunció que comenzará una gira por el Reino Unido con Blondie en noviembre 2021.
Después de anunciar recientemente los detalles de su 42º álbum “Latest Record Project: Volume 1", que se lanzará el 7 de mayo a través de BMG, Van Morrison lanzó un nuevo single: “Only A Song" que ya podés escuchar en todas las plataformas aquí.
De acuerdo con el álbum, "Only A Song" canaliza el amor de Van Morrison por el blues, el R&B, el jazz y el soul en un sonido dinámico y absolutamente contemporáneo, demostrando que sigue siendo un artista íntegro y distinguido. La sección rítmica golpea inmediatamente un ritmo irresistible y apretado que es partes iguales de ritmo y blues y rock 'n' roll.
Ambos "Only A Song" y el más reciente single que le da nombre al álbum "Latest Record Project" se encuentran ya como descargas instantáneas para los fanáticos que pre-ordenen el álbum aquí. “Latest Record Project: Volume 1” se lanzará el próximo 7 de mayo en formatos de doble CD, deluxe-CD, triple vinilo y digital.
Otros aspectos destacados de “Latest Record Project: Volume 1” van desde la joya de R&B “Jealousy” hasta la alegre y country “A Few Bars Early” a través del enérgico garage rock que se explica por sí mismo en "Stop Bitching, Do Something".
Si bien el álbum se encamina hacia un sentimiento romántico – el cual hace que Morrison sea tan amado por sus fans–, la temática principal es un testimonio directo sobre la vida contemporánea. Es una postura que aborda la vida desde un estilo práctico como relata en "Dead Beat Saturday Night": "Sin vida, sin conciertos, sin elección, sin voz". También se asemeja al rock'n'roll de "Where Have All The Rebels Gone", que lamenta la falta de un pensamiento independiente real, tan a menudo reemplazado en la era moderna por meras posturas.
Dos de sus canciones, "Love Should Come With A Warning" y "Mistaken Identity", cuentan con letras que fueron escritas con el gran Don Black. Morrison se acercó a Black después de escuchar algo en su balada pop de 1969 "On Days Like These", cantada por Matt Monro para la banda sonora de "The Italian Job", que le recordó su propio estilo. Esto llevó a Black a escribir "Mistaken Identity" que, paradójicamente, es la canción más autobiográfica del álbum.
Lo que “Latest Record Project: Volume 1” demuestra claramente es que si realmente querés apreciar el arte de Van Morrison, hay que escuchar lo que actualmente está haciendo, porque nunca se detiene.
El vigésimo álbum de estudio de Cheap Trick “In Another World” incluye el estridente "Light Up The Fire" y el abrumador "Boys & Girls & Rock N Roll", su más reciente single que fue presentado en vivo en The Late Show with Stephen Colbert. “In Another World” ya está disponible a través de BMG en formato digital y CD y se lanzará en vinilo negro el próximo 4 de junio.
Producido por su socio Julian Raymond, este nuevo álbum ve a Cheap Trick haciendo lo que hacen mejor que nadie: crear un rock & roll indeleble con ganchos de gran tamaño, letras traviesas y una energía aparentemente inexorable. Himnos de marcas registradas como "Light Up The Fire" y "Boys & Girls & Rock N Roll" son contrarrestados por consideraciones más introspectivas, pero no menos exuberantes, de tiempos pasados, presentes y futuros incognoscibles en temas nuevos tan sorprendentemente potentes como "In Another World" y “I’ll See You Again".
“In Another World” marca el primer LP nuevo de Cheap Trick desde los álbumes de 2017 “We´re All Right” y “Christmas Christmas”. Además muestra a la banda en su forma más ecléctica, tocando una miríada de distintos sonidos y enfoques de canciones, desde el pantanoso blues "Final Days" (con una ardiente armónica del cantante nominado al premio GRAMMY® y líder de Wet Willie, Jimmy Hall), una interpretación oportuna de “Gimme Some Truth” de John Lennon (lanzado originalmente para el Record Store Day Black Friday 2019 y con el sonido de guitarra reconocible al instante del antiguo Sex Pistols, Steve Jones). Tan irresistible e inmediato como su ya impresionante catálogo, “In Another World” es Cheap Trick en su mejor forma incontenible, infinitamente entretenido y absolutamente imparable.
Fundada en 1974, Cheap Trick es una institución estadounidense indiscutible, amada en todo el mundo por su marca de pop rock & roll, que se identifica al instante y es enormemente influyente. La banda, Robin Zander (voz, guitarra rítmica), Rick Nielsen (guitarra principal), Tom Petersson (bajo), son verdaderos pioneros con una racha incomparable de melodías clásicas certificables, de "He A Whore", "California Man" y "Dream Police" hasta "Surrender", "I Want You To Want Me" y el single número uno del mundo "The Flame". En 2016, Cheap Trick fue incluido en el Salón de la Fama del Rock and Roll, un reconocimiento a una carrera de casi cinco décadas que les ha valido más de 40 certificaciones internacionales de oro y platino, una miríada de premios y honores de la industria, apariciones destacadas en más de 20 bandas sonoras de películas y ventas récord totales que superan los 20 millones.
Cheap Trick - Zander, Nielsen, Petersson junto con el baterista Daxx Nielsen - son, por supuesto, uno de los actos en vivo más trabajadores del rock, que lo iluminan en estadios, salas de conciertos y anfiteatros en todo el mundo más de 150 noches al año. Lamentablemente, los acontecimientos recientes han obligado a la banda a salir de la carretera durante quizás la pausa más larga de su historia. Cheap Trick planea regresar a la interminable autopista tan pronto como puedan, con fechas por América del Norte y el Reino Unido.
Esta noche a las 20 horas Domination estaremos estrenará nuevo single titulado "Suicidal minds". El mismo se estrenará en simultáneo tanto en Spotify como en Youtube con un visualizer realizado por Heresy Metal Media.
La banda argentina de metal Domination cumple su décimo aniversario y comienza sus festejos lanzando el primero de dos singles donde repasarán y homenajearán a las dos bandas que antecedieron su formación original. El primer lanzamiento será del tema "Suicidal minds", versión en inglés de "Mentes suicidas", de Angel Ripper, ya lanzada como bonus track en su último disco "Evil seed". El tema contó con la participación de Colo Meza (Odissea) en guitarra y Alejandro Graf (Jezabel / Lorihen / Adrián Barilari / Soundtrack) en teclados. La producción del video estuvo a cargo de Heresy Metal Media y el diseño gráfico de Lepsis Design. La mezcla se realizó en SSJ Estudio y el mastering fue hecho por Leandro "Nesta" Soto en Drum Beat Studio.
Actualmente, la banda se encuentra preparando nuevo material que será parte de su 4to disco de estudio.
Tema: "Suicidal minds"
Estreno: Miércoles 14 de Abril a las:
- 20hs Argentina/Uruguay/Brasil - 18hs Perú/México - 01hs España
Mick Jagger y Dave Grohl sorprendieron a todos con "Eazy sleazy", un nuevo single que lanzaron en conjunto.
La canción escrita por Jagger durante la cuarentena. El cantante de los Rolling Stones le puso la voz y tocó la guitarra mientras que el líder de Foo Fighters se encargó de la batería, el bajo y la guitarra.
Eazy Sleazy hace referencia a las cosas a las que todos nos vimos enfrentados en esta pandemia: llamadas por Zoom, sentirse en prisión entre las paredes del hogar, los bailes de Tik Tok, y a lo que todos anhelan post COVID: “Un jardín de delicias terrenales”.
Jagger expresó: “Es una canción que escribí sobre la salida de la cuarentena, con un optimismo muy necesario. Gracias a Dave Grohl por sumarse en la batería, el bajo y la guitarra. Fue muy divertido trabajar con él. Espero que disfruten Eazy Sleazy”.
Grohl agregó: “Es difícil expresar con palabras lo que significa para mí grabar esta canción con Sir Mick. Es mucho más que un sueño hecho realidad. Cuando pensaba que la vida no podía ser más loca… y va a ser la canción del verano, sin dudas!”.
“Durante la pandemia, el distanciamiento social y la imposibilidad de tocar en vivo, me inspiré en crear versiones de clásicos de los 80/90 (fueron mas de 25 temas a lo largo del año) la idea era acompañar el momento con algo amable, hacer mejor aguante a la situación, los tocaba en mi casa me filmaba con el celu y los subia a las redes como iban saliendo. A la gente le gustaba mucho, y varixs empezaron a decirme que hiciera un álbum de covers. No estaba en mis planes ya que estoy produciendo mi 4to álbum, pero me hice un espacio para para producir 3 de esas versiones, asi salió este EP.”
Luego de su reciente nuevo single “Safe” adelanto de su 4to álbum, Victoria saca a la luz “Versiones en casa” que incluye:
Rhythm is a dancer Enjoy the silence The power of goodbye
Victoria Real es una exponente Argentina innovadora y única de música alternativa que incluye: darkwave, experimental, new wave, post punk, prog rock, synth wave, retro wave, indie.
Una expresión artistica de la libertad. Con su voz, guitarra, fx, sintetizadores, secuenciadores y beats, ella es su propia banda, introspectiva, excitante y profunda que te llevan a experimentar caminos nuevos.
Victoria Real proyecto musical de Maria Victoria Caregnato, marcado por la intensidad, el estudio y la pasión por la música que la llevaron desde Argentina a Francia, España y Alemania. Estudio con el británico Robert Fripp y participó de varios proyectos de música experimental composición y performance. Actualmente tiene un considerable catálogo de obras publicadas.
Desde Mar del Plata, Los Médanos acaba de estrenar el videoclip de “Recuperando”, primera entrega audiovisual del nuevo proyecto musical de Juani Bruni, reconocido guitarrista y DJ de la ciudad costera.
Bajo la dirección de Luka Kordich, el video profundiza la búsqueda de la canción: escenas que abordan la simpleza y la sensibilidad de lo cotidiano, atmósferas frescas y destellos de un mañana mejor. Todo esto acompañado por una fotografía sublime con paisajes de ensueño que hacen de “Recuperando” un track esencial para estos tiempos de incertidumbre y desolación.
Ficha técnica:
Letra y música: Juani Bruni Producción: Juani Bruni Bajo: Lautaro Fernández Minich Mezcla y mastering: Dante Barciulli
Videoclip:
Dirección: Luka Kordich Asistentes: Lucía Diez Imoff, Antonela Di Franco, Cami Flores, Agustina De Tobillas Diseño gráfico: Israel Kordich Vestuario: Plastilina Tienda Look: Raros Peinados Nuevos
Los Médanos es el nuevo proyecto solista de Juani Bruni, reconocido guitarrista y DJ de la ciudad de Mar del Plata, miembro de la banda de rock/pop Hombrebomba y fundador del grupo indie Árboles Jovenes (2012).
El proyecto cuenta con la colaboración de distintos músicos de la ciudad de Mar del Plata, La Plata y Capital Federal, tres escenas tan disimiles como cercanas que se retroalimentan del constante movimiento de sus miembros.
Luego de un viaje de dos años por México y Estados Unidos en donde Juani giró en en formato Live y DJ set, su retorno a la ciudad costera trajo consigo el regreso a la canción y al clásico formato de banda de rock.
Su música es fiel a las sonoridades del brit pop de los 90 y el indie rock de los 2000, aunque también hay lugar para el folk, las guitarras sensibles y la música electrónica.
Durante los primeros meses de 2021, Los Médanos dio inicio a su carrera con el lanzamiento de “Recuperando” y “Un viaje” feat Ali Len, sus dos primeros singles. Actualmente Los Médanos se encuentra presentando el videoclip de “Recuperando”, dirigido por Luka Kordich.
Mario Nieva nos presenta “Riesgos” su nuevo álbum que ya se encuentra disponible en todas las plataformas de streaming.
“Riesgos” nos propone un viaje sonoro lleno de mística, nos habla de tópicos como desamor, debilidad y fortaleza. “Riesgos” es música bailable para corazones rotos librando batallas personales. “Riesgos” son canciones con balance perfecto entre texturas pop, experimentación electrónica y la sensibilidad indie que cautiva.
El músico Mario Nieva es también artista audiovisual y solista independiente oriundo de la Ciudad de Buenos Aires, Argentina. En 2017 edita “La belleza no tiene la culpa” donde mezcla la canción folk-pop, con líricas de poética irregular y concreta. En 2018 realiza diversas presentaciones con su banda (Rodrigo Genni / Batería, Francisco Sarmiento / Bajo, Santiago Grandone / Teclados, Alexey Musatov, Julia Testa, Julián Schneider / Cuerdas, Tomás Hepner / Teclados).
En 2019 edita remixes de su primer disco, y realiza varios shows en solitario acompañado de samplers, guitarra y sintetizadores. Durante este período se presenta en Niceto Lado B, CC Matienzo, La Tangente, El Quetzal, CC Casa Walsh, La Casa del Árbol entre otros. Actualmente después de haber lanzado algunos singles adelanto, está presentando "Riesgos" su nuevo álbum.
Ficha Técnica:
Compuesto y producido por Mario Nieva Track 4 - Feat. Livia Bonelli Mezcla y mastering, Ignacio de la Riega Apoya: Rock City Agencia / Elvis Attack
"Buenos Aires" es el último adelanto del nuevo álbum de Juku Ares. El tema retrata una visión profunda y reflexiva sobre Buenos Aires y las sensaciones que produce vivir hoy en esta ciudad. Los acordes nocturnos, la trompeta demoledora y la voz en primerísimo plano que dice: "Algo yo puedo hacer, no es imposible. La formula de ayer, ya no me sirve", funcionan y dan forma a una confesión directa y cruda.
El video, dirigido por Eduardo Wolfenson, esta filmado enteramente en un teatro, en el escenario y en las gradas. En forma de plano secuencia, vemos a Juku entre las butacas, listo para irse, pero mientras baja las escaleras hacia el escenario, se encuentra con algo que le llama la atención. Se acerca al centro del escenario y encuentra un recipiente que contiene una sustancia que convierte en invisible todo lo que toca. Casi como un suicidio Juku decide dejar sus cosas y hacerse desaparecer por completo. Mientras un trompetista toca el solo final, vemos el escenario vacío.
Juku nació en Buenos Aires en 1993. Después de años de estudios musicales en distintos lugares, graba el disco “Nidos”, el cual da forma y vida al proyecto del mismo nombre. Proyecto en el cual compone, canta, graba, y produce 3 discos de estudio. La banda toca por todo el país y alrededores constantemente durante más de 6 años. Graban singles, featurings, participan en la Bienal de Arte Joven y graban en los estudios Abbey Road de Londres.
Durante estos años Juku participa de muchos otros proyectos como productor. Produce los primeros discos de HTML, Noventas, Lea Lopatin, Reydel y produce bandas como Barco, y Turf. Al separarse Nidos a finales de 2019, Juku se aboca de lleno a grabar su primer álbum e inaugurar su faceta definitiva como solista.
Anorexia Isan, la banda de punk rock/rock alternativo venezolana formada por John "Johnny Parrot Joe" Bustamante, Ricardo Aumaitre, Marcial Robaina y Jean Luis Rojas, revelan su nuevo videoclip para el single "186", incluido en su nuevo trabajo "Recybelia" publicado por el sello Neptune Cross Publishing en Washington D.C., a través de BlankTV.
Uu momento puede hacer la diferencia
El videoclip, dirigido y filmado por el reconocido director canadiense Kyle Godfrey en conjunto con Prime Capitol, refleja las consecuencias del bullying en los adolescentes. Es bien sabido que el acoso basado en prejuicios como el género, la raza y la discapacidad, aumenta el miedo de los jóvenes a ser lastimados. Los pensamientos suicidas son una consecuencia común del acoso, siendo la población femenina la que muestra la tasa más alta.
El tema fue producido por John Bustamante y Marcial Robaina, mientras que el director Kyle Godfrey participa como actor junto a Jaqueline Stienstra y Adriana Selgrad.
En pandemia los recitales se vieron suspendidos y es por ello que diferentes artistas miren con atención detalles de todo lo que es streaming. Y ahí fue cuando reforzaron las presiones para que la plataforma más popular rinda cuentas.
La plataforma de streaming de música Spotify creó un portal llamado Loud & Clear (Alto y claro) en el que pretende explicar cómo funcionan sus formas de pago a los artistas. Lo hizo para calmar la ola de críticas y reclamos que reciben en todo el mundo pero, un análisis cuidadoso de algunos datos que la compañía sueca colgó, arroja algunas cifras que podrían generar incluso más enojo en la gran mayoría de las bandas y solistas.
Según Spotify, los 500 artistas de más éxito cobraron 1.850 millones de dólares en 2020, una porción significativa a los 5.000 millones de dólares en pagos que la plataforma reportó que hizo el año pasado. Así, ese grupo de medio millar de artistas top acapara el 37 por ciento del dinero que sale del streaming. En el otro extremo están los músicos independientes, que cobraron 1.170 millones de dólares, un 23,5 por ciento del total, a repartir entre nada menos que 286.000 artistas.
Sí resulta más positivo el dato de que la evolución de los pagos parece ser positiva en términos absolutos; por ejemplo, el número de artistas que gana más de un millón de dólares creció un 90 por ciento en los últimos tres años (de 450 a 870), el mismo incremento que se da en los músicos que generan medio millón (de 950 a 1.820).
Los autores que cobran al menos 100.000 dólares han subido un 85 por ciento (de 4.200 a 7.800), y los que reciben 50.000 dólares ascienden un 80 por ciento (de 7.300 a 13.400), igual que los que ven al menos 10.000 dólares (de 22.900 a 42.100).
En las posiciones más bajas de la tabla están los que cobran 5.000 dólares al año, que suben un 85 por ciento desde 2017 (de 35.600 a 67.200), y los que cobran 1.000, que suben un 105 por ciento (de 89.700 a 184.500).
Entre los cerca de 8 millones de artistas y bandas que publican su trabajo en Spotify, quedarían unos 7,7 millones de autores que no llegan a cobrar 1.000 dólares al año en la plataforma.
Estas exiguas cifras se deben en buena medida a que el 90 por ciento de las reproducciones pertenecen a sólo 57.000 artistas, un número revelado por Dawn Ostroff, directora de contenido y publicidad comercial de Spotify, quien, no obstante, señala que dicha cantidad se ha cuadriplicado en los últimos seis años.
Otros datos interesantes que revela el portal Loud & Clear tienen que ver con la popularidad: Spotify tiene 551.000 canciones que acumulan más de un millón de reproducciones, y casi tres millones de canciones que superan las 100.000. La cifra parece elevada pero no lo es tanto, ya que esos "afortunados" temas con muchas escuchas representan una pequeña porción de las 70 millones de canciones que alberga Spotify.
Todo esto llega en un contexto caldeado: el 15 de marzo pasado se desarrollaron una serie de protestas frente a las sede de las oficinas de Spotify en más de treinta ciudades de todo el mundo, en las que se exigieron mejores condiciones para el pago de 'royalties' (ahora la media está en 0,006 dólares por reproducción), y una mayor transparencia en sus prácticas de negocios. Mientras que músicos masivos e independientes de la Argentina reclaman públicamente que el pago de Spotify es bajo y para nada claro, como se pretende cambiar ahora.
"The Bitter Truth", el primer álbum de música original de Evanescence en una década, ya está disponible a través de BMG. Un regreso a las fuertes raíces de la banda. “The Bitter Truth” es un reflejo de las tragedias personales en las vidas de los miembros de la banda (el fallecimiento inesperado del hermano de la líder Amy Lee, la repentina pérdida de un hijo por el bajista Tim McCord) y las tragedias colectivas del planeta en medio de la desigualdad racial, el COVID y la agitación económica. Pero, a pesar de la oscuridad y la amargura de la vida, el mensaje rotundo del álbum es de luz: seguir adelante es mejor que rendirse.
Obligados a escribir y grabar la mayor parte del álbum separados unos de otros a lo largo de 2020, con un flujo de trabajo sin precedentes y sin límites creativos, la banda regresó naturalmente al sonido feroz y épico por el que son conocidos. Líricamente, la pesadez del mundo engendró honestidad cruda y dio vida a temas tanto antiguos como nuevos. Un proceso de curación en sí mismo. Para Amy Lee, escribir y cantar sobre temas como los demonios internos, el dolor, la fachada de "Estoy bien" que la sociedad impone a quienes luchan con su salud mental, la rebelión frente a la injusticia y la misoginia, y la libertad que viene con terminar las relaciones tóxicas finalmente culminó en un sentido de resiliencia.
Amy Lee dijo sobre “The Bitter Truth”: “quiero que la gente salga de este álbum sintiendo esperanza, empoderamiento y fuerza. Algo que me inspira mucho en la vida son las personas que han superado grandes obstáculos, los sobrevivientes. Espero que podamos transmitir la idea de que incluso cuando las cosas son increíblemente dolorosas, vale la pena vivir la vida. Apoyarnos en esos momentos más oscuros y desafiantes, enfrentarlos y descubrir que no estamos solos, nos hace reales. Nos hace lo suficientemente fuertes para enfrentarnos a ellos. Y nos une, si lo permitimos, en una apreciación más profunda de la luz y la verdad. Gracias por los recuerdos. Ahora hagamos algunos nuevos”.
La creación en cuarentena del álbum también se narra en un nuevo documental, "Evanescence: Embracing The Bitter Truth", dirigido por Adam Jones y publicado a través de The Coda Collection, el canal de transmisión centrado en la música de Amazon Prime Video.
Capturando la génesis del álbum desde el último show en vivo de la banda en diciembre de 2019 hasta los procesos de mezcla y finalización, en su mayoría remotos, el documental es una visualización necesaria para los fanáticos y cualquiera que busque comprender el arte detrás del arte de la era de la pandemia.
Bobby Flores - Basada en la película La Naranja Mecánica, que el guitarrista Stuka había visto en Brasil porque acá todavía estaba prohibida, la banda punk más famosa del país llegó a ser famosa en toda América Latina y la canción versionada por un grupo alemán y aparecer en películas.
La escena es la siguiente. Un viejo barco estacionado en la vuelta de Rocha, una noche fría de sabado en 1985. La embarcación se llamaba Maria Si o algo por el estilo. Tocaban Sumo y Los Violadores lo cual era garantía de la calidad de inolvidable que tendría el evento.
En un sillón estábamos Jorge Crespo, Luca, Minimundi Epifanio y un servidor, cuando se acerca escapando de alguien o de algo Stuka. Se sienta con nosotros y a partir de ahí la hecatombe, nunca supimos bien que pasó pero hasta piedras volaban de babor a estribor y de proa a popa. Fueron minutos tensos pero no impidieron que el show se realizara con éxito hasta el amanecer.
La vida era otra, el mundo era un lugar mas amigable y las noches porteñas mas confiables. Mucho se divertían los jóvenes punks. Sumo y Los Violadores eran las bandas favoritas de los chicos de cuero, nada estaba prohibido y nada era obligatorio.
Así chocamos, y terminamos todos tan grunges en los 90´s. Pero bueno.
Ambos grupos iban por el segundo disco, la democracia era incipiente aún, lo que generaba que nos encontráramos con todas esas cosas que nos habían negado durante tanto tiempo casi de golpe.
Una de las películas que nunca se había proyectado en el país militarizado era “La Naranja Mecánica”, originalmente “The Clockwork Orange”, una oda a la violencia de Anthony Burgess llevada al cine magistralmente por Stanley Kubrick que narra la vida de un tal Alex, un chico en apariencia bueno que toma drogas extravagantes para ejercer ultraviolencia, convirtiéndose en el más despiadado violador y asesino. Habla un extraño idioma que se llama Nadsat, una jerga adolescente de palabras inexistentes en nuestros alfabetos, amante de las sinfonías de Beethoven y la violencia extrema, termina convertido en una extraña metáfora acerca de los marginales, el poder y los infiernos personales desatados por propia voluntad. En Argentina no la dieron hasta bien entrada la democracia, pero Stuka la había visto en Brasil y reaccionó a los enfermizos estímulos igual que todos los chicos argentinos de la época, empatizando un poco con Alex y ese entorno espantoso.
¡Éramos tan situacionistas!
El segundo disco de Los Violadores se llamó “Y ahora que pasa. Eh?” siendo el que les dio un protagonismo consagratorio en la escena musical, sobre todo encaramados en “1,2, Ultraviolento”, canción de Stuka que terminó siendo no solo la más difundida sino la más versionada del grupo.
Compuesta con la influencia del film de Kubrick basado en la novela de Burgess, “1,2 Ultraviolento” empieza con los acordes de la 9na sinfonía de Beethoven, emergiendo brillantemente desde la guitarra distorsionada de Stuka, porque en la novela esa era la canción favorita de Alex. Incluso en la letra de la cancion hay palabras en idioma Nadsat que invitaban a los fans a acercarse a la novela o a la película.
-” Varias debochcas caminan por ahi
Mueven sus scharros con frenesí
Los málchicos de cuero nos queremos divertir
Con mis drugos al ataque vamos a ir”-
Desde lo personal, en ese año se inaugura la radio Rock & Pop, 24 horas de música rock, y el primer disco nacional que apareció casi en simultaneo fue “Y ahora que pasa. Eh?”, de manera que los musicalizadores de la radio casi que le teníamos un cariño especial a ese vinilo que nos había traido para primiciarlo su manager y nuestro amigo de toda la vida Mundi Epifanio. Mundi y su hermano Minimundi son unas páginas importantes y de las más divertidas ciertamente en la historia del desarrollo del original y genuino rock argentino.
Sumado a la intensa difusión radial de la canción, Los Violadores hicieron un video que hizo historia y sus shows eran de una intensidad notable. Pil Trafa, Gramática en batería, el Polaco Zelaseck en el bajo y Stuka con la guitarra llenaban y respondían a las expectativas generadas, que siempre eran muchas. Pocos públicos hay más difíciles que el público punk. Generalmente chicos informados desconformes, críticos y con espíritu confrontador. Demasiado situacionistas.
La canción de la que hablamos es un prodigio de potencia y precisión como pocas veces se había visto en la música nacional, y el video realizado por Josi y Dani Garcia Moreno, de los Garcia Moreno de Charly, más la producción artística a cargo de Juan Cebrian hacían de “1.2 Ultraviolento” la canción del año, y aun hoy repercute cada tanto por los sitios menos imaginables. Debe ser una de las canciones argentinas de rock más versionadas, con decenas de covers en Latinoamérica y se suma la versión de la banda punk alemana Die Toten Hosen que la empezaron a tocar en sus shows en Buenos Aires y terminaron incluyéndola en uno de sus discos.
Mas allá de esto, y siguiendo un derrotero saludable fue la canción principal de la película “El robo del siglo” protagonizada por Guillermo Francella y Diego Peretti del 2020.
La presentación del disco también es memorable, fue en Palladium, la inolvidable discoteca de la calle Reconquista y Paraguay. Allí presentaban sus discos Los Redonditos de Ricota, Charly Garcia y Riff entre otros, de manera que allí también presentaron Los Violadores “Y ahora que pasa, eh?” ante un público enfervorizado que atosigó la sala. Parecía la amalgama perfecta para poner un mojón en la historia grande del rock nacional, una canción estupenda, un videoclip tan importante en esos años a la altura y la presentación oficial donde se presentaban los más grandes. Lo que sonaría algo ridículo hoy es que muchas radios se negaban a pasarlos. Conocí locutores que los anunciaban como Los Voladores, los años de represión hicieron estragos devastadores en algunas mentes débiles, como pasa siempre en los estados totalitarios. Esta puede ser una razón más para comprender como es que 35 años después “1,2 Ultraviolento” se convierta en un recurrente tema para algunos youtubers que ilustran sus relatos con la canción. Sin mencionar algunas hinchadas del futbol del ascenso que la integraron a su repertorio además de algún noticiero que cada vez que hay una revuelta popular la pone de sonido de fondo de la noticia.
Para ir terminando esto nomas.
La letra de la canción hoy mueve más a la sonrisa que a la mueca violenta, como la película. Sabiendo todo lo que vino después, con los diarios de las décadas que la siguieron sabemos que las vibrantes escenas de Stanley Kubrick quedaron cortas, cualquier noticiero de la tarde nos asusta más. El punk teminó siendo una moda que hoy viste a las modelos y a los preadolescentes y los locutores y radios que se negaban a promocionar a Los Violadores y su música están muertos.
Pero una vez le preguntaron a Anthony Burgess porque había creado para el protagonista de "The clockwork orange", Alex Delarge, un idioma propio dijo que lo había hecho para que en el futuro no puedan adivinar la edad de la novela por palabras o modismos de época.
Quizás eso mismo le pase a “1,2 Ultraviolento” en el futuro.
