Proyecto Experimental de Comunicación y Difusión on line.
DELTA 80 está compuesto por un streaming de audio denominado "Radio Delta 80", el presente blog, una revista virtual o e-zine llamado "La Bitácora", un blog de hard rock correspondiente al programa "El placer de los infiernos", un blog en el cual comentamos discos llamado "Sonidos del Averno" y un blog de noticias contra-hegemónicas denominado "Trinchera Noticias".
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viernes, 30 de noviembre de 2018

El reggae ya es Patrimonio Cultural de la Humanidad

El reggae de Jamaica, que han popularizado músicos legendarios como el inolvidable Bob Marley, fue declarado hoy Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad por la Unesco. 
“Su aporte a la reflexión internacional sobre cuestiones como la injusticia, la resistencia, el amor y la condición humana pone de relieve la fuerza intelectual, sociopolítica, espiritual y sensual de este elemento del patrimonio cultural”, explicó la organización en un comunicado. 
La Convención de la Organización de las Naciones Unidas para la Educación, la Ciencia y la Cultura (Unesco) anunció la decisión en su reunión de Port Luis (República de Mauricio), donde examina esta semana varias candidaturas para su Lista Representativa del Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad. La Unesco destacó que el reggae “conserva intactas toda una serie de funciones sociales básicas de la música -vehículo de opiniones sociales, práctica catártica y loa religiosa- y sigue siendo un medio de expresión cultural del conjunto de la población jamaicana”. La organización de la ONU recordó que ese género musical surgió de una “amalgama de antiguos ritmos musicales jamaicanos y de otros de orígenes muy diversos: caribeños, latinoamericanos y norteamericanos”. En todos los niveles del sistema educativo del país, agregó, “está presente la enseñanza de esta música, desde los jardines de infantes hasta las universidades”.

Fuente: CRock

jueves, 29 de noviembre de 2018

Maria Armellín presenta su nuevo single

María Armellín es la nueva promesa de las voces femeninas en Argentina. Con apenas 24 años, su voz atractiva se despliega en canciones nutridas de influencias del jazz, el soul y el ryhthm & blues. Joni Mitchell, Lianne La Havas, Ella Fitzgerald y Aretha Franklin son algunas de sus referentes, y así queda demostrado en su primer single, “Elusión”.
Desde chica necesita escribir para entenderse y expresarse. Siente profundo, hace canciones sinceras y en la constante búsqueda refleja su personalidad fresca. Joni Mitchell, Lianne La Havas, Ella Fitzgerald y Aretha Franklin son algunas de sus grandes influencias. Cree especialmente en lo importante que fue y es el papel de las mujeres en la música y busca hacerse su lugar, pisando fuerte como cantautora Argentina.
“Elusión” presenta un sonido nocturno y sensual, sostenido con un ajustado groove de R&B. María canta con seguridad y elegancia, despuntando estrofas cargadas de desencanto y decepción. “No voy a desear”, “no quiero”, se planta en la letra. Su sentir es profundo y eso se refleja en sus canciones sinceras. Con “Elusión”, María hace su carta de presentación y nos deja a todos deseosos de más.

miércoles, 28 de noviembre de 2018

Peter Baltes, histórico bajista de Accept, se aleja de la banda tras 40 años de carrera

Un golpe duro para los seguidores de Accept y del heavy metal clásico: el bajista Peter Baltes, miembro histórico de la agrupación durante 40 años, se va de la banda.
Él mismo lo comunicó con un mensaje en el Facebook del grupo, sin dar mayores razones y simplemente agradeciendo por el apoyo en todo este tiempo.
Peter Baltes, junto al guitarrista Wolf Hoffmann, eran los dos pilares de la formación actual de Accept, que a fines de octubre estuvo tocando en Sudamérica. Y todo esto ocurre pocos días después que la banda lanzó su más reciente producción, el registro en vivo “Symphonic Terror – Live at Wacken”.
La banda y el mismo Wolf Hoffmann emitieron también comunicados agradeciendo todo este tiempo de compañerismo con Peter Baltes y aclarando que la banda seguirá adelante, aunque todavía no hay reemplazante.

To all Accept fans:
I hereby like to announce my departure as Bassplayer from ACCEPT.
I have been with the band from the very beginning. Many of you have been there as well.
I like to thank you all for the great years we shared together.
Keep it Metal.
Peter
We spent four decades together and went through thick and thin, ups and downs and I remember some incredible moments on stage. There was a blind understanding between us, personally and musically, that is very rare in this business!
Looking back, I will forever cherish the carefree early years, the countless hours we spent writing songs, goofing around or roaming the cities together on tour - just having a good ol’time!
Especially these last 10 years, after the revival of ACCEPT being so much fun and so successful that I thought we would continue forever and sail into the proverbial sunset together - maybe until one of us would drop dead on stage. But I guess I was wrong, it wasn’t meant to be.
To see Peter leave ACCEPT now saddens me immensely but there’s nothing I can do but to wish him well - hoping that this is the right decision for him and that he will find whatever he is looking for ...
I will certainly miss my musical brother!
One thing is certain, however :
ACCEPT will continue full steam ahead !!
Wolf
 Fuente: Radio Futuro

martes, 27 de noviembre de 2018

Vuelo Eterno presenta "La transformación de los días"

Escucha Vuelo Eterno
Vuelo Eterno presenta su último disco: "La transformación de los días". Este trabajo explora el sonido mas versátil de la banda. En 40 minutos el disco viaja desde el rock pop alternativo al funk, con sintetizadores en primer plano y melodías de voz concisas, hasta baladas con guitarras acústicas.
Grabado en los Estudios El Pie y Alto Voltaje por Joaquín Salamero, masterizado por Eduardo Bergallo en Puro Mastering y la producción general a cargo de la propia banda.
Vuelo Eterno nace en el año 2012, en capital Federal, formado por Iván Busquets en guitarra y voz/ Matías Busquets en Bajo / Guido Pérez en batería.
Luego de varios años con shows a sala llena, presentando su primer trabajo "Poderoso Feedback" (2015) y con sus canciones sonando en radios como Vorterix, Nacional Rock  y Reactor 105.7 (México) y otras emisoras de diferentes ciudades, Vuelo Eterno decide encerrarse a componer y grabar su nuevo material "La transformación de sus días" (2017), su segundo disco, enfocado en un estilo más intimo  que su antecesor pero sin perder la esencia de sus comienzos.

lunes, 26 de noviembre de 2018

Lanzamiento de ciclo Rock Nacional - Cultura Nacional

Para los que se perdieron el homenaje al rock argentino en el Congreso y el lanzamiento del proyecto de Ley, aquí está la versión completa con las participaciones de los músicos y las versiones musicales al final. Día histórico.

domingo, 25 de noviembre de 2018

Delirio en Obras con New Order

La legendaria banda de Manchester brindó un excelente show de más de dos horas en el que repasó sus más grandes clásicos y varias gemas de Joy Division.

La mezcla perfecta de pop, rock y música electrónica. Eso es lo que ofreció (otra vez) New Order, el viernes por la noche en el estadio Obras, en su nueva visita a Buenos Aires.

En un recital de más de dos horas, los formados en Manchester volvieron a demostrar que son los reyes de este estilo surgido en la riquísima década de los ’80 e hicieron bailar y delirar a un público entusiasta y fiel que, si bien estuvo integrado por un considerable número de fans (en su mayoría pasando los treinta y varios), no llegó a colmar el mítico Templo del Rock porteño.

Poco antes de las 21:30, las luces se apagaron y una monumental pantalla se encendió, mostrando ensoñadoras imágenes de clavadistas realizando saltos ornamentales en cámara lenta, dando el primer indicio de uno de los puntos más elevados que tendría el show: la calidad, buen gusto y potencia del material visual que acompañó a los músicos durante todo el espectáculo, con piezas diversas y diferentes para cada una de las canciones. Segundos después, Bernard Sumner, Stephen Morris, Gillian Gilbert, Phil Cunningham y Tom Chapman pisaron el escenario y abrieron el fuego con “Singularity”.

Y si la recepción que tuvo este tema, el primero de los cuatro que tocaron de su última placa de estudio “Music complete”, fue muy buena, ¡imagínense lo que pasó cuando el riff de “Age of consent” comenzó a sonar!

A partir de ese momento, una verdadera catarata de clásicos comenzó a inundar el recinto de Núñez y a empapar los cuerpos y corazones del respetable, que vibró con cada uno de ellos. Así pasaron “Ultraviolence”, “Disorder” (el primero de Joy Division de la noche), “Your silent face” (una de las mejores interpretaciones de la velada), el ultra hitazo “Bizarre love triangle” y las geniales e inoxidables “True faith”, “Blue monday” y “Temptation”.

Pero, al parecer, las brillantes performances de todos los músicos -que, salvando el bajo volumen inicial, sonaron increíble durante todo el concierto (especial mención para Chapman, ocupando los pesados zapatos que dejó el histórico, talentoso y carismático Peter Hook tras su partida del grupo en 2007 y siempre presente en la memoria de los fans)- no eran suficientes. Faltaba un broche de oro.

Así fue que, tras haber abandonado las tablas por unos minutos, el legendario quinteto volvió para revivir una buena parte de lo que, justamente, los convirtió en leyenda. En otras palabras, esas dos palabras: Joy Division. Y esas otras dos palabras, tan importantes como las primeras: Ian Curtis.

Con imágenes de su ex líder (verdadero ícono de la historia del Rock tras su suicidio en 1980) apareciendo en los videos de las pantallas como si fuese una visión fantasmal (¿efecto buscado?), los ex JD se despacharon con grandes versiones de tres verdaderas gemas post-punk: “Atmosphere”, “Decades” y ese himno que es “Love will tear us apart”.

Y con los británicos felices, y los argentinos más aún, pasó un nuevo show de New Order en la Argentina. Y pasó dejando una certeza: no fue uno más.

viernes, 23 de noviembre de 2018

Jóvenes Pordioseros despide el año y el disco “Late” en el Marquee Session Live

Descarga el corte de difusión "Heredero" en mp3
Jóvenes Pordioseros cierra este 2018 en Capital Federal con un show íntimo y eléctrico en el Marquee Session Live - Scalabrini Ortiz 666, Caba - mítico lugar del barrio de Villa Crespo que los vio nacer en los primeros años de la banda el Viernes 14 de Diciembre desde las 22hs.
Este concierto pone un cierre al año y despide el disco "Late", su álbum de estudio editado a mediados de 2017, y que además dará inicio a los festejos por los 20 años de la banda que se celebrará durante el transcurso del 2019 con la grabación de un DVD y su primer disco en vivo que luego será presentado en todo el país como es costumbre de la banda liderada por Toti Iglesias recorriendo las ciudades y los pueblos de todas las provincias. Conseguí tus entradas por Sistema Passline.com o haciendo clic aquí

Próximas fechas

▶Viernes 14 Diciembre  – Marquee Session Live (Caba) DESPIDE EL AÑO Y EL DISCO “LATE”

▶Sábado 22 Diciembre – Mercedes

▶Sábado 29 Diciembre – Florencio Varela (Pcia. Bs. As) REINAS ROCK – 23hs

▶Domingo 30 Diciembre – Del Viso (Pcia. Bs. As) RUTA 26 – 23hs

miércoles, 21 de noviembre de 2018

Conoce a Tabulé y su ultimo single "Los imborrables"

Tabulé es una banda integrada por Nico Lanz y Gabi Gagliardi formada en la ciudad de Córdoba. La propuesta musical retoma del rock sus armas más clásicas, del pop su vanguardia y estructura melódica, y de la electrónica su pulso generador de baile y encuentro.
Por su parte, la propuesta lírica acompaña la filosofía de la banda: las historias de amor y encuentro, como las de desamor, melancolía y desencuentro, dejar el pasado atrás, reivindicar los errores que nos enseñan sobre quiénes somos, decirle no a los miedos y enfrentar las inseguridades que acompañan nuestro camino, son alguno de los tópicos que se desarrollan en las canciones. Las letras de Tabulé reflejan el espíritu del siglo.
Durante los primeros años la banda se presentó en más de 50 lugares entre bares, boliches y eventos tanto de la capital de Córdoba como del interior, en lugares como Villa Carlos Paz. Este recorrido abrió puertas hacia otras provincias teniendo la posibilidad de abrir el show de Tan Biónica y Los Tipitos en la Fiesta de la Primavera 2014 en la ciudad de La Rioja. Ese mismo año cerraría siendo reconocida como banda revelación en el circuito de música de Córdoba luego de presentarse dos noches seguidas a sala llena en el boliche La Divina.
Desde 2016 Tabulé enfocó sus shows en Buenos Aires y desde entonces sus integrantes viven mitad en esta ciudad y mitad en Córdoba. A principios de 2017 editó un EP de 4 temas que captan lo mejor desde sus inicios hasta este período.
Este trabajo llevó a la banda a participar del Festival Ciudad Emergente 2017 y a entrar en las etapas de audiciones en vivo para la instancia de cuartos de final del concurso Camino a Abbey Road que se llevaron a cabo en la Usina del Arte, en Buenos Aires. La presentación contó con la presencia de artistas como Juanchi Baleiron, Richard Coleman, Diego Uma, Rafael Arcaute.
Actualmente Tabulé prepara la salida de su álbum debut grabado entre febrero y noviembre de 2018 en los estudios Romaphonic bajo la producción de Aaron Oliver. De este disco se desprenden dos singles adelantos "Dame" y "Los imborrables" que están disponibles en todas las plataformas digitales.


lunes, 19 de noviembre de 2018

Presentamos a Polandria

Fue formada en 2013 por un grupo de amigos del Conservatorio Manuel de Falla. Desde sus comienzos, el quinteto fue armando un repertorio comprendido íntegramente por temas compuestos y arreglados por la banda. Canciones indefinibles o, más bien, eclécticas. Quizás “canción de cámara” o “pop progresivo” sean descripciones aproximadas. Sus canciones son relatos musicales que suelen ser muy distintos entre sí: desde temas acústicos e intimistas con arreglos que remiten a la música académica, hasta canciones con baterías potentes y guitarras distorsionadas.
La característica que mejor define a la banda es la diversidad: de estilos, de instrumentaciones y de personalidades. Siempre dentro del formato canción, experimenta con sonoridades de distintas afluencias: melodías pop con métricas raras, texturas psicodélicas, arreglos con raíces clásicas, folklóricas y jazzeras. O, quizás sin querer, todo al mismo tiempo.
En 2015 graban su primer LP, “Algo ahí que no se ve” en Casa Frida Estudio con la participación de Luciano Dyzenchauz (ex Puente Celeste). Polandria presenta este álbum en vivo en numerosos espacios del circuito under porteño, como Caras y Caretas, CC Julián Centeya, Vuela el pez, Circe, entre otros.
Sus esfuerzos dan fruto y en 2016 la banda es finalista en la convocatoria Proyecto Disco de Estudio Urbano, grabando el simple “Esta realidad / En la lluvia” y en 2017 quedan seleccionados entre los finalistas de la Bienal de Arte Joven de Buenos Aires, presentándose en dos oportunidades en los escenarios del Centro Cultural Recoleta.


domingo, 18 de noviembre de 2018

La ciencia analiza el milagro Ozzy Osbourne vivo

John Michael Osbourne (69), conocido en todo el mundo como Ozzy, es fundador de la banda inglesa Black Sabbath y considerado hasta estos días como el “Señor de las Tinieblas” y el “Padrino del Heavy Metal”.
El músico nació en la ciudad de Birmingham, Reino Unido, un 3 de diciembre de 1948. No caben dudas de que su fama se inició en la década de los 70, cuando se convirtió en vocalista y líder de la banda antes mencionada. Desde ese momento popularizó canciones como "War pigs", "Paranoid" o "Children of the grave".
Decir que su vida fue frenética desde esos años es quedarse corto, ya que el propio artista confesó en muchos momentos que pasó 30 años borracho y otros 40 adicto a cerca de 10 tipos de drogas diferentes.
Según un reportaje del diario español El País, Osbourne confesó en una entrevista en 1995 que en su juventud más alocada fue adicto a la cocaína, morfina, pastillas para dormir, jarabe para la tos y LSD, entre otras sustancias.
Si a eso le sumamos que en su adolescencia se dedicó a la vida de pandillero robando en casas particulares para subsistir, razón por la que estuvo detenido tres meses, se puede decir que su paso por este mundo ha sido desenfrenado y configura una personalidad casi adictiva.
Sin embargo, hoy lo podemos ver en medio de su gira No More Tours, como un veterano que entrega lo mejor de sí para deleitar a una fanaticada fiel. Nadie puede entender de dónde surge esa energía.
Para las nuevas generaciones, Ozzy se hizo conocido al mostrar su vida en un reality show de la cadena MTV durante 2002 y 2005. En aquel programa declaró que ni él mismo lograba explicarse cómo estaba vivo tras “haberlo probado todo”, por lo que la respuesta podía estar en sus genes.
Fue esta interrogante la que llevó al laboratorio estadounidense Knome, en 2007, a realizar una proposición insólita a Osbourne: estudiar su genoma para averiguar cómo había resistido a 4 décadas de hábitos sumamente dañinos para la salud.
Fue el propio artista quien aceptó esta propuesta, indicando además que una vez que estuviera muerto donaría su cuerpo a la ciencia para que siguieran haciendo estudios respecto a su resistencia a las sustancias ilícitas.
El mismo confirmó esta investigación al periódico estadounidense Sunday Times, indicando que él mismo tenía curiosidad por saber cómo había llegado a los 60 años de vida con salud plena.
“Tenía curiosidad. Dado el número de piscinas de alcohol que he bebido a lo largo de los años, por no hablar de la cocaína, morfina, barbitúricos, LSD, Rohypnol, lo que sea. No había ninguna razón médica plausible de por qué estaba todavía con vida. Tal vez mi ADN podría decir la razón”, expresó en la oportunidad.

 

Las conclusiones tras 10 años de investigación

 

Jorge Conde y Nathan Pearson, científicos y directores del laboratorio Knome, indicaron en 2016 en una entrevista a la revista Scientific American que la investigación podría tardar décadas, aunque ya había resultados suficientes para concluir algunas cosas.
En primer lugar, los encargados del estudio indicaron que, por herencia genética, Ozzy es una persona que está más propensa a experimentar adicciones y dependencias de sustancia, aunque su metabolización del alcohol es mucho mejor que la de alguien normal.
“Ozzy lleva varios cientos de miles de variantes que nunca se habían visto dentro del campo de la ciencia. Pasará mucho tiempo hasta que podamos responder a todos estas variantes. Muchas de las variantes en el genoma son acerca de cómo el cerebro procesa toda la dopamina. Ozzy es 2,6 veces más propenso a experimentar alucinaciones con marihuana, tiene un mayor riesgo de adicción a la cocaína (1,3) y mayor predisposición a la dependencia con el alcohol”, expresó Pearson.
A eso agregaron: “En cambio los genes de Osbourne también nos sugieren que es lento para metabolizar el contenido del café”.
En efecto, Pearson destacó que el músico es capaz de metabolizar de forma más eficiente el alcohol en su cuerpo que una persona corriente, añadiendo que su variable genética resulta clave.
“Ozzy cuenta con una variante de los genes para procesar el alcohol, el gen ADH4, que es el responsable de metabolizar todo el alcohol que se toma. Esto explica de qué forma su cuerpo es capaz de metabolizar de forma más eficiente la bebida que una persona promedio. Estuvimos ante una persona que aseguró haber bebido entre una y dos botellas de alcohol al día”.
Por otra parte desde Knome explicaron, según detalla el medio Gizmodo, que Osbourne tiene 1.3 más probabilidades que una persona normal de ser adicto a la cocaína, a la vez es menos propenso que alguien normal a ser consumidor de heroína o tabaco.
“Ozzy cuenta con una variante en el gen CLTCL1 con una duplicación de esta proteína, a su vez una variante rara e inusual que provoca una versión distinta a la que produce el resto de los mortales. En este caso se hace referencia a cómo se comunican las células nerviosas entre ellas”.
Sin duda, lo que más llamó la atención de aquel informe fue que los científicos encontraron que Ozzy tiene ancestros pertenecientes a un linaje Neandertal.
“Por un largo tiempo, creímos que los neandertales no tenían descendientes, pero resulta que asiáticos y europeos tienen evidencia de linaje Neardental… encontramos un pequeño segmento en la cromosoma 10 de Ozzy, que probablemente lleve a un ancestro Neandertal”, estimaron.
Sin embargo, en 2010 los investigadores indicaron a La Vanguardia que este estudio podía tardar décadas, ya que el músico llevaba variables genéticas nunca antes vistas en una persona.
“Ozzy lleva cientos de miles de variables que ningún científico había visto. Va a pasar un tiempo antes que tengamos la información suficiente para que la sociedad entienda esas variables”, concluyeron.

 

Vida de excesos

 

Dentro de su libro biográfico "I Am Ozzy", el vocalista recordó que conoció y se casó con su esposa Sharon Osbourne en 1971. Ese mismo año tuvo su primera experiencia con la cocaina, la cual fue la puerta de entrada a drogas más duras.
Sus continuos excesos hicieron que fuera expulsado de Black Sabbath en 1979. Se dice que tras ese hecho estuvo tres meses encerrado en una habitación y consumiendo diversos tipos de estupefacientes y alcohol.
El propio Ozzy asegura que si no hubiese sido por su esposa, quien en 1980 lo obligó a entrar en rehabilitación, habría muerto a causa de sus adicciones.
En 2017, conversando con revista Rolling Stone, el músico aseguró que Sharon fue la persona que lo salvó de muchas crisis existenciales, llevándolo incluso a convertirse en un mejor padre.
“Mi ego manejaba mi vida, pensaba que tenía derecho a ser quien me diera la gana. Ese no fue el caso, porque cuando traes a alguien al mundo se convierte en una responsabilidad. Sharon es de esas madres que aunque haya viajado por todo el mundo, de todos modos regresaría a Inglaterra para llevar a los niños al zoológico o al cine”, señaló.
A eso agregó: “Mientras ella hacía eso yo estaba en el piso de algún bar. Pero el estar sobrio les da la esperanza de que regrese para quedarme. Ahora mi relación con mis hijos es fabulosa”.
La última vez que se supo sobre las adicciones del británico fue en 2013, cuando escribió un dramático posteo en redes sociales indicando que había estado consumiendo sustancias ilícitas y alcohol por 18 meses.
“Durante el último año y medio he estado bebiendo y tomando drogas. Estaba hundido en un agujero y he sido un idiota con la gente a la que más quiero, mi familia. De todas formas, estoy feliz de poder decir que llevo 44 días sobrio”, explicó.
En la oportunidad añadió: “me gustaría pedir perdón a Sharon, mi familia, mis amigos y mi compañeros de banda por mi demente comportamiento”.
Cabe señalar que, durante su existencia, tuvo seis hijos y es abuelo de siete nietos. Por ahora tendremos que esperar varios años más hasta que se logren descifrar qué otros secretos guarda el genoma de Ozzy Osbourne, quien cumplirá 70 años el próximo 3 de diciembre.

Fuente: BioBio

sábado, 17 de noviembre de 2018

Black Sabbath tiene un puente con su nombre en Birmingham

Está ubicado en Birmingham, su ciudad natal, y el arquitecto quiere reunir a los miembros originales para su inauguración

Black Sabbath se retiró de los escenarios con una gira mundial y un último show en Birmingham, su cuidad natal de Inglaterra. Ahora llegó el momento de los homenajes y reconocimientos para los pioneros del heavy metal. Según informó el Birmingham Mail, a través de un proyecto presentado por el arquitecto Mohammed Osama, fan del grupo, se cambiará el nombre del puente que se encuentra en Board Street por “Black Sabbath Bridge”. Pero la iniciativa no finaliza ahí. Los fans que se acerquen al puente podrán disfrutar de una banca conmemorativa con los retratos tallados en acero inoxidable junto a la inscripción “Geezer. Ozzy. Tony. Bill. Made in Birmingham 1968″, diseñado por Tarek Abdelkawi.
En ese lugar en donde se encuentra el puente, Black Sabatth también tendrá su propia constelación en el Paseo de las Estrellas, que se otorga a las personalidades famosas de Birmingham. “Mi visión es reunir a los miembros originales para la revelación de las estrellas y la banca ‘Metal Bench’, que es la joya de la corona de este proyecto”, declaró Osama. “Sería el mejor final y el cierre que puedo imaginar. Para ellos a nivel personal y para sus seguidores en todo el mundo”, agregó el arquitecto. Todavía falta la aprobación del Ayuntamiento de la ciudad para iniciar los trabajos.

 
Fuente: Soy Rock

viernes, 16 de noviembre de 2018

Blondie: "La tecnología destruyó muchas de nuestras canciones"

Fabrizio Pedrotti - Clem Burke cuenta cómo llegaron al balance con las máquinas en “Pollinator”, y por qué siente que el pop está más clínico. También recuerda su paso por Eurythmics y las veces que puso su cabeza adentro de un horno, antes del Rock & Pop Festival.

“No es que tenés que meter la cara en el horno, sino la parte trasera de tu cráneo. Siempre a una temperatura muy baja, y tratando de ser cuidadoso con tu cabello. ¡Aunque suena loco, funciona!”, dice Clem Burke, el baterista de Blondie, desde Nueva York.

-¿Pero por qué empezaste a hacerlo?

-Bueno, no podía pagar por un secador de pelo, imaginate que eran los ‘70s (risas). Interesantemente, Bob Geldof me recomendó la autobiografía de Rod Stewart. No sé si la leíste, pero ahí cuenta que hacía lo mismo. Por ende, no es tan extraño.

-¿Y seguís con ese método?

-No, ya no. Aunque me sentí bien acompañado cuando me enteré de que Rod también era de los míos, porque tiene uno de los mejores peinados de la industria (más risas). Una gran parte del rock and roll tiene que ver con el cabello, y todos lo sabemos. Fijate el caso de los Beatles, sino.

Pero el verdadero motivo de la entrevista con Clem Burke no es hablar sobre sus obsesiones capilares: Blondie, la banda de la que es casi fundador, vive un gran presente. “Siempre estoy de buen humor cuando hacemos cosas con el grupo. Tengo muchas ganas de ir a Buenos Aires, porque hace más de una década que no estamos por ahí. ¡Es increíble! The Magic Numbers va a tocar con nosotros, ¿verdad? Porque me encantan”, dice con ímpetu detrás del teléfono.

La otra parte de su entusiasmo se da por el décimoprimer álbum de estudio de Blondie, que salió en mayo del año pasado. Las once canciones fueron grabadas en The Magic Shop, el mismo espacio del SoHo en donde David Bowie registró algunas de sus mejores obras.

“Empezamos en Navidad de 2015, y nos tomamos un break. Justo cuando volvimos, él había fallecido. Nos emocionamos mucho, porque podíamos sentir su presencia -señala Burke, que trabajó con el vocalista-. Imaginate que ahí grabó ‘The Next Day’ (2013) y ‘Blackstar’ (2016). Fue triste regresar al lugar, y aunque la gente que laburaba con él tenía un contrato de confidencialidad, nos enteramos de lo que había sufrido y cómo era en el estudio. Irónicamente, The Magic Shop también cerró después de que terminamos nuestro disco, así que fue el final de una era”.

“Pollinator” fue co-escrito junto a figuras como Johnny Marr (The Smiths), Dave Sitek (TV on the Radio, Jane’s Addiction), Nick Valensi (The Strokes), Sia, Charli XCX y Dev Hynes; y recibió 4 estrellas en medios prestigiosos como The Guardian.

Por los resultados, se nota que Debbie Harry, Chris Stein, Clem Burke y compañía disfrutaron mucho del proceso. “La banda está en su mejor versión: tenemos a dos nuevos músicos que son increíbles, el tecladista Matt Katz-Bohen -que se unió en 2008- y el guitarrista Tommy Kessler -incorporado en 2010-. Esta vez, sabíamos que queríamos juntarnos y grabar al mismo tiempo. Eso fue lo que hicimos, sobre todo con las pistas de base. El método fue bastante parecido al de clásicos como ‘Parallel Lines’ (1978) o ‘Eat to the Beat’ (1979). De hecho, el dueño del estudio está remasterizándolos para que salgan en 2019”.

-También van a incluirse otros discos, ¿verdad?

-Sí, “Blondie” (1976), “Plastic Letters” (1977), “Autoamerican” (1980) y “The Hunter” (1982). Pero ahora mismo estrenamos un 12’’ de “Heart of glass”, con todos los demos y demás. Es muy conveniente para que los DJ’s tengan un vinilo con las diferentes versiones, mezclas y tomas. Queremos que los álbumes clásicos lleguen a las generaciones más jóvenes, que por suerte están siguiéndonos mucho.

-¿A qué lo atribuís?

-A internet. Para nosotros fue una buena herramienta, porque nos presentábamos en los programas de los ‘70 y nunca nos volvíamos a ver. Pero ahora, de repente, nos encontramos de nuevo en YouTube. Y creo que el hecho de seguir tocando y sacando discos le permite a los más chicos ver de qué se trata la banda. Es genial lo modernos que ya parecíamos en esos videos de los ‘70 (risas), especialmente con el glamour de Debbie, que era fantástica. Estoy muy feliz de que sigamos juntos, que continúen las giras y que podamos ir a Sudamérica.

LA TECNOLOGÍA, UN ARMA DE DOBLE FILO

Desde el comienzo, Blondie fue inclasificable: la banda -que adoptó ese nombre en honor al apodo que recibía Debbie Harry cuando la acosaban en los ‘70- coqueteó con el punk, la new wave, el disco, el pop, el rap y hasta el reggae. Un elemento que siempre estuvo fueron las bases electrónicas… hasta que, hace poco, Clem Burke sintió que era demasiado.

-“Ghosts of Download” (2014) tuvo muchas baterías programadas, y no quedaste contento. ¿De quién fue la idea de volver a la sangre humana?

-Yo fui el que insistió para que hiciéramos exactamente lo que quedó en “Pollinator”, pero al grupo le llevó tiempo darse cuenta de que éramos capaces de grabar todos a la vez. Siempre hay espontaneidad e improvisación cuando estamos reunidos, y es una parte muy importante del vivo. Desde que Blondie se junta hasta que termina, puede pasar cualquier cosa. Lo mismo en los shows, obviamente que dentro del contexto de las canciones pop. Estuvimos haciendo mucho de eso: no necesariamente cambiándolas drásticamente, pero sí agregando algunas cosas para encontrarnos en sincronía uno con el otro. Igual siempre experimentamos con la tecnología, si te fijás en “Heart of glass”, el rol de la batería programada fue muy importante. Y cuando laburamos con Giorgio Moroder -en “Call me”- tocamos sobre un sintetizador. Volviendo a lo que decías, con los discos previos a “Pollinator” nos dimos cuenta de que los temas realmente cobraban vida en los shows. La tecnología destruyó muchas de nuestras canciones, sobre todo de “Ghosts of Download” y el anterior, “Panic of Girls” (2011). Ambos tienen muy buenas cosas, pero no son de mi agrado.

-Lo gracioso es que también formaste parte de Eurythmics, otra banda llena de sintetizadores. Cuando aparecieron las primeras máquinas, ¿cómo hiciste para sacarles el provecho sin que ocuparan tu espacio? Sé que, por ejemplo, tocabas “en contra” del ritmo.

-Si usás un aparato, la mezcla recién suena más viva cuando le sumás la percusión real. Es interesante que nombres a Eurythmics, porque más allá de que trabajaban con sintetizadores, como en “Sweet dreams”, yo toqué en ese tour y era todo muy orgánico. Cuando grabamos “Revenge” (1986), la gira fue enorme. Éramos músicos muy capaces y no usábamos programaciones en vivo, ni siquiera en canciones como “Sweet dreams” o “Who’s that girl”. La tecnología es un gran agregado, pero creo que ahora se llegó al balance perfecto, como hicimos nosotros en “Pollinator”: la combinamos con excelentes músicos y buenos temas. Las máquinas solas no hacen nada. Todas las herramientas son geniales y tienen sus lados positivos, desde la armónica hasta los sintetizadores, pasando por los banjos. Siempre hay espacio.

Sos zurdo, pero desde el principio usás un kit para diestros. ¿Cuánto de tu sonido creés que hay ahí?

-Ringo Starr también lo era, y es uno de mis bateros favoritos. Me da un estilo diferente, aunque ahora me considero casi ambidiestro. Igual, siendo zurdo, siempre vas a “llevar la batuta” con la mano izquierda; y a la inversa en el otro caso. Pero sí noté que me dio muchos fills únicos. Cuando otros músicos tratan de “emular” mi forma de tocar, les cuesta porque yo llevo el ritmo como un zurdo. Por ejemplo, hago la técnica de “16th notes” en el hi-hat con la izquierda, y es inusual. Así que hay un poco de eso en mi sonido. Por suerte, empecé en una batería para diestros. Incluso probé a hacer lo mismo con la guitarra, pero me fue mucho más difícil.

-Igual. siempre fuiste un arriesgado. Con Eurythmics usabas un tom en lugar del redoblante, y una botella de leche en vez de uno de los platillos...

-(Risas). Bueno, así como Chris y Debbie me abrieron la cabeza, también lo hicieron Annie -Lennox- y Dave -Stewart-, junto con mucha otra gente. Me enseñaron que cualquier cosa está bien en el estudio, y dejaron que haya espacios para experimentar. Fueron muy talentosos y permeables, y es muy importante especialmente con los tracks de las bases. Una canción puede hacerse de muchas formas, pero si es buena, es buena; y funciona con una acústica o sintetizadores. Tanto con Eurythmics como con Blondie teníamos grandes temas, aunque obvio que ahora jugamos más.

-Entiendo.

-A mí encanta tocar, y Debbie ama estar sobre el escenario. En los shows de Blondie hay canciones con programaciones y otras en las que no usamos nada, así que tenemos “lo mejor de los dos mundos”. Un 25% son bases y clicks, pero el resto se da de manera libre. Necesitás tener esa puerta abierta a que cualquier cosa pueda pasar, y a la vez saber qué carajos estás haciendo (risas). Si te fijás en “Live at Leeds” (1970) de The Who, tocaban sobre clicks y pistas. Tampoco tendríamos “A Love Supreme” (1965) de John Coltrane, ni los primeros de Miles Davis, The Rolling Stones o Buddy Holly. Eran todos muy estrictos, más allá de que improvisaban. Cuando ves una banda en la que todo se basa en las programaciones, es aburrido. Me gusta que haya errores de vez en cuando.

-Sí, darle un poco más de humanidad.

-Exacto, como vos dijiste. Por ejemplo, amo el dance de los ‘70, con los Bee Gees, KC & The Sunshine Band y canciones como “Rock the boat” -de The Hues Corporation-. Esos eran verdaderos artistas tocando muy buenos temas. También pasa en la música latina, con las congas y la percusión. Lo hace muy real y emocionante, y lo necesitás. El pop se fue volviendo más clínico con los años, y es una lástima.

EL REGRESO A SUDAMÉRICA

La primera y única vez que Blondie tocó en la Argentina fue en el Personal Fest 2004, junto con Morrissey y Primal Scream. El sábado volverán a compartir escenario con otras bandas, en la vuelta del Rock & Pop Festival, aunque serán los headliners. La grilla se completará con The Vamps, Azealia Banks, The Magic Numbers, Eruca Sativa, Octafonic y Todo Aparenta Normal.

-En el documental “My View” contaste que no te gusta dar shows con los paneles de acrílico alrededor de la batería, porque con el reflejo sólo te ves a vos. ¿Cómo hacés para no desconcentrarte?

-(Piensa). Trato de no ser tan consciente. Es una barrera que controla el ruido, y cuando ponen eso en los estudios, la calidad mejora mucho. A veces me aparta del público, dependiendo de las luces, pero medio que ya me acostumbré. Aunque no es mi aspecto favorito, es lo que necesitan los conciertos de Blondie, y a veces hay que relegar cosas. Si trabajás en conjunto, siempre comprometés algo.

-Obvio, sino es imposible.

-Cuando hay gente puteándose adentro de una banda es porque no están laburando unidos. Tiene que haber una comunicación musical, pero también amistosa y personal. Un ejemplo es el de Los Ramones: mientras estuve en el grupo, no se hablaban uno con el otro. Era horrible, y les dije desde un principio que no quería quedarme, porque había un montón de antagonismo y estrés. Incluso, capaz sea una de las razones por las que ya no viven. Los Beatles, en “A Hard Day’s Night”, crearon el mito de que eran amigos y hermanos, y después Los Ramones lo tiraron abajo en “End of the Century”. Se trataban de una manera terrible, y yo prefiero que mi carrera sea como en “A Hard Day’s Night”. Lo estoy simplificando, pero hay que abrirse en todos los niveles. Lo mismo pasa con la vida en sí: cualquiera debe poder hacer lo que quiera, mientras que no moleste a nadie. La misoginia y la homofobia son malas, y la gente tiene que llevarse bien una con la otra. Aunque claro que es más fácil decirlo que lograrlo. En ese sentido, Blondie es como un microcosmos.

-Volviendo a tu obsesión con el cabello… ¿qué harías si se te cayera hoy?

-Estaría terminado, amigo. ¡Una vez que se va el pelo, el rock and roll también! (risas).

-¿Y nunca se te lastimó adentro del horno?

-No, por suerte al horno nunca le pasó nada (carcajadas).

Fuente: Rock.com.ar

jueves, 15 de noviembre de 2018

El nacimiento del Heavy Metal y su relación con el inconsciente

Lacan, capturado en un momento profundo, con su puro culebra en la mano
Julieta Barreyro - Lacan afirma “que el inconsciente está estructurado como un lenguaje”. Hay una división que está en cada uno de nosotros y que la manera más simple y el lugar más “sutil” de ver esa división es a través del lenguaje: escuchando nuestro discurso. Un olvido, un acto fallido. Yo quería hacer algo, pero no lo hice; yo quería decir una cosa, pero dije otra.
Al poco tiempo, JL Parise ( a quien yo considero un Gran Maestro y de quien Aprendo muchísimo) me mostró la raíz etimológica de la palabra “di-ablo”: División al Hablar.
Tengo que Escuchar lo que Digo. Decir, Hablar, Nombrar, Poner en Palabras. El Poder de La Palabra, eso que todas las Culturas Sagradas Valorizaban por sobre todas las cosas.
Mientras, vemos lo “DIabólico” y lo “DIvino” unidos por el prefijo DI, de DECIR.
Y ya que hablamos de lo DIabólico y lo DIvino: ¿Hay algo más “DIvino” que la música? Desde las composiciones de Mozart hasta un Ícaro (canto sagrado de poder del Chaman), la música es un puente que nos conecta con mundos y estados de ánimos muy palpables y a la vez muy intangibles.
Sin embargo , volviendo a la “Mitológica” batalla de “lo DIabólico” y lo “DIvino”, en la edad media, la iglesia decidió dejar a un lado lo que ellos consideraban el “diablo” en la Música: el tri-tono (un intervalo o distancia de 3 tonos, el IV y VII grado de una escala tocado al mismo tiempo).
La iglesia cristiana eran tan poderosa e influyente entonces-ya que la mayoría de los reinos de Europa Occidental acataban la autoridad del “Papa” y se veían a sí mismos como resultados de la voluntad de “DIos”- que el tri-tono fue completamente reprimido ya que producía un sonido tan seductor y oscuro, generado por la tensión que esos intervalos producían entre sí, que creían que al escucharlo, que al ejecutarlo, invocaban “fuerzas demoníacas”.
"El Sueño de Tartini" por Louis Léopold Boilly con las notas que conforman el tri-tono
Ni entonces ni ahora vieron o ven eso como una proyección de pensamientos que habitaban en sus propias mentes. Se creyeron independientes de eso externo que generaban al escuchar el tri-tono.
Por muchos años el tri-tono fue prohibido de ser tocado e interpretado. Al tri-tono se lo reprimió.
Y ¿Qué es reprimir? Reprimir es un mecanismo de rechazo que se usa para “contener” “menguar” “regular” algo (una idea o sentimiento, etc) que sea considerado como inaceptable.
Freud decía que “El psicoanálisis nos ha revelado, que la esencia del proceso de la represión no consiste en suprimir y destruir una idea que representa al instinto, sino en impedirle hacerse consciente”.
Pero ese mismo Freud es el que también enseñó “El Retorno de lo Reprimido”. Se trata de un proceso del psiquismo por el que todo aquello que fue “reprimido”, es decir “echado de la parte consciente”, tendrá la tendencia constante de surgir nuevamente, de reaparecer. Aunque, por lo general, la forma en la que lo hace, no es precisamente la que esperamos.
Casualmente la música Blues , cuya escala contiene el Si bemol (el tri-tono) , es la música cuyas raíces provienen del continente Africano. Continente sumamente excomulgado de todo, excluído aún con sus grandes Mitos de Magia y hasta con la historia del Origen de la mismísima humanidad. Será también por eso que nada de África queremos saber.
Pero esa música, de gente reprimida, es la que re-ubicó de la forma menos pensada el tri-tono como actor principal.
Freud, en su escritorio en Londres
Parise, ese Gran Maestro que cité más arriba, es el mismo que en su libro “Casualizar” escribió :
“... No es extraño que Quienes han Develado Su Secreto y encontrado El Método con que Invocarla...hayan sido llamados “MAGOS”. Pues..Cuando el Hombre perdió El Contacto con La Magia...la llamó Casualidad…” Y es por Casualidad, que, por lo general, las mejores cosas llegan en La Vida, las mejores Oportunidades y Grandes Inventos. Así mismo lo confesó Tony Iommi. Pero "...¿Quien es Tony Iommi?",se preguntarán Ustedes. Él es uno de los fundadores de Black Sabbath, banda considerada creadora del estilo HEAVY METAL.
Casualmente Tony trabajaba en una fábrica de metal y el día que quiso renunciar para dedicarse a la música , una máquina le cortó parte de dos de sus dedos. Pero él, inspirado en Django Reinhardt -un guitarrista de Jazz que tenía dos dedos paralizados y sólo tocaba con 2 dedos- se hizo unas prótesis de elementos caseros, le quitó tensión a las cuerdas de su guitarra para hacer menos fuerza, y eso afectó la afinación de la misma.
Mientras Geezer Butler - bajista de la banda - junto con Ozzy Osbourne- vocalista- escribían las primeras letras de Black Sabbath inspirados en algunas experiencias perturbadoras que estando en diferentes lugares ambos habían tenido por igual; además de que Geezer estaba sumamente interesado en el ocultismo y en la ciencia ficción. Toda esa conjunción basada en la Casualidad dió nacimiento al Estilo Heavy Metal.
La primera vez que yo vi claramente la unión entre la Magia y la música fue en ese género, con canciones que transmitían muchísima intensidad, potencia y en cuyos relatos se plasman desde historias fantásticas entre dragones y Magos, hasta la declaración de esa lucha que hay entre lo supuestamente Divino y diabólico.
Aunque muchos prejuzgan el género Heavy Metal, es el lugar en dónde claramente yo percibí en sus canciones esa batalla entre “lo bueno y lo malo”. Esa batalla está totalmente estigmatizada y no transcurren donde el imaginario religioso estandarizó que suceda, sino que es una batalla que cada Quien llevamos a cabo dentro de nosotros mismos en la cual es necesario atravesar y vencer barreras socio-culturales que se interponen entre cada quien y lo que queremos lograr para nosotros mismos.
Años después descubrí, que era mucha mi ignorancia al creer que la conexión entre la Magia y la Música podía estar reducida a un sólo género o acotada a un tiempo-espacio.
Si las antiguas civilizaciones usaban la música para sanar con sus palabras, para aprender matemáticas, para crear la realidad que querían en su aldea, en su pareja, en su cosecha...entonces ellos ya advertían la Unidad Mágica que hay entre lo sutil (canciones) y lo terreno (lo que querían lograr en lo real), y que se corresponden la una con la otra.
Si a nosotros Eso nos parece una inconsistencia, quienes estamos totalmente divididos somos nosotros. Y cuanto más creamos que no tenemos algo que ver con lo que nos pasa, con lo que hacemos, las Casualidades positivas o negativas que producimos, más oportunidades desaprovechamos de crecer espiritualmente en esta encarnación.
Por eso para que el “di-ablo”( y no la imaginería socio-cultural impuesta que nos quieren hacer creer) NO entre en tu realidad o en tu vida, sé uno con tu Palabra, hacé lo que decís y entonces…. lo Divino ...vendrá a vos!!!
 
Los Mapuches llaman a sus Chamanas con el nombre "Machis", ellas son las "Nguenküyen" (señoras de la Luna) .Aquí las vemos acompañadas de sus tambores de poder llamados "Kultrun" ( tambores que también se confeccionan plasmando la Energía de cada Machi). 
     
  





Fuente: Magiáurica

miércoles, 14 de noviembre de 2018

Hiato laboral

Debido a la delicada situación que se vive y otras poco felices que nos han tocado experimentar, hemos decidido recortar algunas de nuestras actividades momentáneamente hasta marzo, mes en el cual analizaremos nuevamente la situación. Sólo continuaremos con nuestra actividad virtual, las coberturas en vivo incluídas las entrevistas quedan suspendidas como así también los proyectos en los cuales veníamos trabajando.
Gracias a los que siempre estuvieron y están y tengan presente que siempre tendrán en el Proyecto Experimental de Comunicación y Difusión Delta 80 una puerta abierta para lo que estimen les podemos ofrecer, como siempre, de manera desinteresada.
Nada, absolutamente nada a quienes nos han defraudado con su actitud y accionar, sólo sepan que han sido parte de esta decisión. Estuvimos, hicimos, gestionamos, es decir, invertimos tiempo y algo más y ni siquiera se han dignado a responder un mensaje de whatsapp, facebook, twitter y/o mail.
Los últimos dos años fueron muy duros, en vano tratando de hacer que las cosas cambien y fue perder tiempo, esfuerzo y dinero.
Delta 80 hace TODO con amor y la única vez que pidió algo - que compartan nuestros links - sólo los que siempre estuvieron y están nos replicaron, los demás se hicieron bien los boludos, fueron tan caraduras de seguir pidiendo y cuando se les pidió apenas que compartan nuestros links, desaparecieron. Ello no impidió que sigamos con el mismo amor y la misma actitud positiva para con todo lo que hacemos. Pero forros no somos de nadie.
A título personal, a
eso le sumo que este fue un año durísmo para mí.
Nos estaremos viendo en algún lugar en algún momento y a todos saludaré sin rencores y con la mayoría me quedaré hablando. Gracias y sepan disculpar la molestia.

domingo, 11 de noviembre de 2018

Murió "Tarkus" Albanesi, legendario guitarrista de Thor

Un dolor muy grande para el metal argentino: ayer sábado falleció Carlos "Tarkus" Albanesi, otrora líder y guitarrista de Thor. Sin mayores detalles, la información se limita a poner en conocimiento la triste noticia. Seguramente, con el correr de las horas, habrá más detalles.

sábado, 10 de noviembre de 2018

Finger y La Pesada Herencia presenta su nuevo single "En la oscuridad"

Tras haber irrumpido en la escena a principio de año con su primer EP,Finger y La Pesada Herencia vuelve a pisar fuerte con su nuevo single,"En la oscuridad". Con destellos de grunge y hard rock, En la oscuridad es una canción propulsada por la fuerza guitarrera y una letra que indaga en las sombras personales. Un riff rutero pone suspenso al comienzo del tema y funciona como columna vertebral. A medida que la canción avanza, los arreglos eléctricos hacen estallar en potencia, mientras Finger despunta estrofas llenas de una honestidad lúgubre. “Si el pasado llena de sombra mi olvido / escucharé si vuelvo a renacer / en la oscuridad”, canta el músico oriundo de Gerli. “En la oscuridad” es el primer adelanto de “Vol. 2”, el segundo EP de Finger y La Pesada Herencia y el sucesor de su homónimo debut de cuatro canciones. Desde Gerli, Provincia de Buenos Aires, presentamos a Finger y La Pesada Herencia, un proyecto de rock contundente, en el que riffs explosivos se entremezclan con letras honestas a través de una variedad de influencias.

Titulado de forma homónima, su primer EP de cuatro temas invita a un viaje reflexivo, sirviendo de carta de presentación perfecta para el grupo. Un riff certero y la voz en solitaria de Finger dan comienzo al disco con “Solo un día más”, una canción con espíritu grunge, propulsado por la fuerza guitarrera y poética apesumbrada. Paso siguiente, “Silencioso” se abre lento y con aires psicodélicos, acompañando la duda y melancolía de la letra. En esa misma senda viajante se mantiene Recorriendonos”, cuya velocidad y cadencia instrumental ofrecen la sensación de estar la ruta.

De nuevo en la eternidad / cada vez fundiendome en la nada”, se escucha en “Contra el tiempo”, canción final del EP, en el que la banda ofrece una sorprendente demostración de virtuosismo con un trip rockero que deja flotando la idea de que para Finger y La Pesada Herencia el viaje recién comienza.

jueves, 8 de noviembre de 2018

"El legado" forma parte del ciclo de unipersonales a la gorra en El Ópalo

El unipersonal, basado en testimonios reales de cuatro casos diferentes de la sede de Abuelas de Mar del Plata, fue seleccionado para ser parte del ciclo de unipersonales a la gorra en El Ópalo los sábados de noviembre a las 18 h. La obra de la actriz y dramaturga Merceditas Elordi tuvo excelentes críticas y múltiples premios en el transcurso de su temporada de verano en la ciudad de Mar del Plata y en sus funciones en El Ópalo y en el teatro Belisario. Bajo la dirección de José Toccalino, Elordi interpreta el personaje de Carmen, una mujer que luchó toda su vida por encontrar a su hija y a su nieta.
En un cálido y austero living, Carmen repasa su historia, pasando como un recuerdo vivo por todas las etapas de su vida, la mujer joven, fuerte y decidida; la señora de más de sesenta años que repasa sus vivencias y sostiene su lucha; la abuela de más de 70 años que aún conserva el humor y la fuerza en su mirada pero que necesita pasarle a otros la continuidad de su búsqueda y la mujer anciana, con muy poca lucidez que sigue habitando su hogar y sus recuerdos.
En la puesta conviven la calidez de esa casa, con la dulzura, alegría y valentía  que Carmen imprimirá en cada acto. Ella ha construido su mundo interno y sus recuerdos en una gran superficie transparente iluminada con la energía y la luz de una llama. Una llama que es alimentada por la potencia de su conmovedora voz, una llama que seguira ardiendo hasta el final de sus días.

Durante la temporada en Mar del Plata obtuvieron los siguientes reconocimientos:
  • Nominación Premio Estrella de Mar Rubro Unipersonal
  • Premio Estrella de Mar Actuación Protagónica Femenina de Drama.
  • Mención Especial Premio Vilches otorgado por la Secretaría de Cultura.
  • Distinción de la Defensoría del Pueblo de General Pueyrredón.
  • Premio "Derechos Humanos en Escena 2018" otorgado por la Secretaría de Derechos Humanos de General Pueyrredón.
  • Formó parte de la programación de la semana por la Memoria Verdad y Justicia en Mar del Plata. Función en Abrazo Ciudadano el domingo 18 de marzo y función en el Teatro Colón de Mar del Plata organizado por la Secretaría de Derechos Humanos, Cultura y Concejo deliberan 

| Las funciones se realizan todos los sábados de noviembre a las 18 h | Teatro El Ópalo |

Ficha
Autora: Merceditas Elordi.
Intérprete: Merceditas Elordi.
Asesoramiento en vestuario, diseño y realización: Silvina Zorzoli Carrasco.
Diseño y realización de escenografía: Edgardo Aguilar.
Diseño y puesta de luces: Edgardo Aguilar.
Dirección: José Toccalino.

Dijo la crítica:

"El legado es de esas obras que pegan fuerte, pero que son necesarias. Merceditas Elordi encarna a un inmenso personaje, Carmen, que cuenta su búsqueda en diferentes momentos de su vida, con un dolor que se le grabó para siempre." Jazmín Carbonell, Diario La Nación.

"El Legado tiene la fuerza de recrear la batalla que libraron aquellas mujeres, hermanadas en la militancia nacida del dolor." Candela Gómez Diez, Diario Página 12.

"Una obra dura, sin desmesuras, en un medio tono, que pone toda su fuerza en ese cuerpo que se transforma para darnos a nosotros testigos insospechados, la posibilidad de repensar y reflexionar sobre lo vivido, y a aquellos que lo descubren por primera vez, la posibilidad de abrir los ojos y querer a su país con sus blancos radiantes, sus grises y su oscuridad más terrible." María de los Ángeles Sanz, Luna teatral.

"Sensibilidad y respeto. Merceditas Elordi se luce en unipersonal que exalta la esperanza dentro de la ausencia." Cristian Dominguez, Geo Teatral.

miércoles, 7 de noviembre de 2018

El día en que Sumo tocó en una fiesta privada

Internet permitió que se viralizara un material inédito de Sumo. Se trata de un video de algo más de tres minutos en el que se ve a la banda liderada por Luca Prodan en una fiesta privada. El registro permite disfrutar a Sumo mientras toca “Regtest” y los asistentes a la reunión bailan.

Hernán Muleiro fue quien subió el material a YouTube. Se trata de una grabación del 29 de agosto de 1984, durante el cumpleaños de Giannina Fabbro de Kirstein, la dueña de casa de Recoleta donde se produjo el festejo. Su nieta Nina Aldino encontró el casette tras la muerte de Giannina. A través de la pareja de Nina, el guitarrista uruguayo Damián Stratta, el video llegó a manos de Muleiro.
En el video aparece Luca Prodan junto con Roberto Petinatto en saxo, Alberto “Superman” Troglio en batería, Ricardo Mollo en guitarra y Diego Arnedo en bajo. No se ve a Germán Daffunchio, el otro guitarrista del conjunto. Uno de los grupos más populares de los primeros años de la democracia aparece en acción en una residencia de Recoleta, rodeado de invitados que bailan al compás de la música. Aun faltaban unos meses para el debut discográfico de “Divididos por la felicidad”, editado en 1985, por lo cual el video pertenece a la etapa previa a la popularidad del conjunto. Ahora se trata de una pieza de colección.

Ir a la nota y el video

martes, 6 de noviembre de 2018

Se viene la 6º Feria del libro Heavy

Una nueva edición de la feria del libro heavy en un nuevo espacio, en esta oportunidad debutará en el barrio porteño de Palermo.

Cronograma de Actividades

Ponencias:

16.30 hs Muerde Muertos Súper Acción. La estética heavy en el cine de Demián Rugna (Argentina, 1979). Charla a cargo de José María Marcos, Fernando Figueras y Carlos Marcos de la Editorial Muerde Muertos
16.45 hs La urgencia por desenterrar el under: los fanzines de thrash metal y death metal en Argentina (1987-1995). Ponencia a cargo de Exequiel Nuñez.
17.00 hs Víctimas del Vaciamiento: El corazón del heavy metal argentino hecho mercancía. Una aproximación para entender porque se separó la banda más influyente de la historia del metal argentino. Ponencia a cargo de Ariel Panzini.
17.15 hs In unión we stand: experiencias de metalheads que realizan estudios etnográficos sobre el metal. Ponencia a cargo de Nuna Calvo, Natalia Pascuchelli y Pablo Vidal Vargas.
17.30 hs Campera de Cuero: Estrategias de Convergencia Mediática en el Periodismo heavy del Alto Valle. Ponencia a cargo de: Leandro Suárez.
17.45 hs La revancha de América: un relevamiento cuantitativo en relación a la producción sudamericana de bandas de heavy metal. Charla a cargo de Javier Alfredo Rodríguez.
18.00 hs Solidaridad y heavy metal. Charla debate con: Ariel Caballero (Frente Heavy Metal), Celeste Duschak y Guillermo Roccaro (Cacho Fest).Modera: Gito Minore
18.30 hs Metal es cultura. Ponencia a cargo de César Fuentes Rodríguez
18.45 hs Malén Cuyén, mujer de la luna. Presentación de la novela de Cristina Rafanelli
19.00 hs Parricidas: mapa rabioso del metal argentino contemporáneo. Presentación del libro a cargo del Grupo de Investigación Interdisciplinaria de Heavy Metal Argentino
19.15 hs Voces degeneradas. Ponencia a cargo de Paula Naanim Telis, Karen Bennett y Juan Ignacio Orcajada.
19.30 hs Heavy metal argentino. La clase del pueblo que no se rindió. Presentación del libro a cargo de Ariel Panzini.
19.45 hs Serpentor (acústico)
20.00 hs Cultura Metálica 5. Ponencias, debates y exposiciones de la 5º Feria del libro heavy de Buenos Aires y La mano maldita. Ficciones metaleras. Presentación oficial del libro de Clara Beter ediciones.
20.15 hs Herramientas para la inclusión cultural de la identidad. Ponencia a cargo de Diego Abrego.
20.30 hs A 30 años del debut de Hermética: la banda que ensanchó la base social de la cultura rock argentina y la convirtió para siempre en un hecho político Charla debate a cargo de Juan Ignacio Provéndola.
20.45 hs Claudio Marciello: música, guitarra y magia. Presentación de la biografía de Claudio Marciello cargo de Myriam Omchimiuk + acústico.
21.15 hs Mi propia Necrológica. Performance musical
21.30 hs Marcelo Roascio (Acústico)

Stands:

1- Clara Beter ediciones (editorial)
2- Icarus music. (sello discográfico)
3- Efecto Metal (revista).
4- GIIHMA (Libros)
5- Barnacle Libros (editorial)
6- Impulso Creativo comic: (Editorial de comic independiente)
7- Myriam Omchimiuk (libros y merchandising CTM)
8- Ana Elizabeth Cena (libros)
9- Yugular Records (sello discográfico)
10- Voices inside (distribuidora argentina de cds de heavy metal)
11- Antares Terra (encuadernados)
12- Eddie IronChopper's (artesanías, motos miniaturas)
13- Águila (artesanía en metal)
14- Alejandro Amaro (arte)
15- Romina González Celia (accesorios)
16- Flavia Pavón (cuadernos artesanales)
17- Antonella Chukitos (muñecos)
18- Pamela Cupi (Tarot)
19- Astrid y Einard (muñecos medievales)
20- Alan Astrozombie
21- Angus 67/ Forados 80 (posters)
22- Tiempos metálicos radio (CDS)

Exposiciones:

1- Federico Bonavita (pintura)
2- Fabián García (dibujos)
3- Mario C. Carper (Ilustración)
4- Damian Scokin (dibujo)
5- Liliana Navarro (dibujo)
6- Silvina D´Alessandro (Pintura)
7- Mario Ariel Iglesias (dibujo)
8- Paula Escudero (dibujo)
9- Julieta Zicarelli (fotografía)
10- Yessy Fernández (fotografía)
11- Claudia Moreira (fotografía)
12- Guillermo López Brites (fotografía)
13- Aldana Oviedo (fotografía)
14- Cori Piccirilli (fotografía)
15- Karen Detzel (fotografía)

Dibujo en vivo:

1- Mario Iglesias
2- Fabián García
Organiza: Gito Minore y María Inés Martínez

Desde su nacimiento en Octubre de 2013, la Feria del libro heavy busca crear un espacio de socialización y circulación de todo nuestro trabajo, tanto intelectual como material, referido al heavy metal argentino. Quienes formamos parte de este proyecto estamos convencidos de que, si bien es difícil llevar adelante nuestros sueños, nada impide que organizándonos y poniendo todos lo mejor de cada uno de nosotros, podamos lograr un colectivo genuino de pensamiento y cultura heavy en nuestro país.

lunes, 5 de noviembre de 2018

Sylena presentó "Ser hoy", su álbum debut

Texto: Fabián Solari / Fotografía: Vero Rodríguez - Un auditorio con muy pocos claros para un domingo a la noche era el marco que se le presentaba a Sylena para la velada. La excusa perfecta fue el sentido por el cual la artista convocó en una sala que muchos desearían: la presentación de su álbum debut "Ser hoy" en el Teatro Ocean, uno de los teatros más importantes de Tres de Febrero.
Los acordes de "Historia de un amor" comenzaron en el mismo instante que una pareja de bailarines asaltaba el escenario. Lentamente y con actuación mediante, Sylena fue ganado en confianza y seguridad. "Acompañada y sola" y "El último trago" terminaron de convencer a los asistentes que, a esa altura, ya estaban a punto de rendirse, sólo faltaba el siguiente tema y ahí sí, no hubo más que decir: la versión con arreglos de la misma Sylena de "Ojalá que no puedas" dio en el blanco.
El climax y la atmósfera daba la certeza de un espectáculo que superaba las expectativas de lo visual y estético con una iluminación acorde en cada uno de los temas.
Se sucedieron "Solamente una vez", "Nada tengo de tí", "Qué sabes tú" y "Adoro" para dar paso a un tramo algo rockero. Cambio de vestuario y un coro de sutil dinámico para las vivadas versiones de "Te vi en un tren" y "Castillo de arena" en lo cuales Sylena mostró la versatilidad que viene demostrando en sus presentaciones en vivo. El carisma y la ductilidad hicieron de ambas interpretaciones un lujo sustentados en un dúo coral que le puso más garra y alegría que voces pero no por ello dejaron de lucir sus dotes artísticas. Impecable.
Se viene la última parte de una presentación que se recordará como pocas en el under de la canción. Los bailarines deleitaron con su destreza al son de la bella melodía de "Love of my life" de Queen; luego sí, el final arremetió con una soberbia versión con interesantes arreglos de "A mi manera" y un cierre estremecedor con una creación brillante de Alejandro Vezzani famosa por María Martha Serra Lima, "Como toda mujer". Apenas algún que otro desperfecto técnico con el micrófono inalámbrico pero sólo un detalle ínfimo que no empañó en nada el concierto. Agradecimientos y final. Final con aplausos y elogios.

Bailarines: Javier Gómez y Jennifer Gaia
Coros: Susana Zingale y Patricia Torres
Dirección Artística: Hugo Araujo
Producción Ejecutiva: Sylena
Sonido e iluminación: Adrián Robledo para DJ Cani Producciones






viernes, 2 de noviembre de 2018

Jauuar presenta "Vixen"

Jauuar estrena videoclip de su primer sencillo, "Vixen". Producido por BRBS, bajo la dirección de Samoels Oviedo, será publicado en el canal de Youtube de la banda, Jauuar Music, este 25 de Octubre. El sencillo, que está disponible en todas las plataformas digitales desde Agosto, forma parte del LP de la banda titulado “En El Frío me Visto Mejor”, que verá la luz próximamente. Jauuar nace en 2016 en Buenos Aires, Argentina, como una propuesta musical alternativa con un sonido vintage de guitarras magnas, una voz presente, honesta y con letras reflexivas que buscan superar el agobio de la cotidianidad. Con las garras puestas en los predios de Cerati, Oasis y Nick Cave, la música de Jauuar impulsa a salir de la anomia postmodernista. El proyecto está inspirado en música como el britpop de Creation y Factory Records, el bossa nova, jazz y blues clásico, en escritores como Cercas, Padura y Piglia.

Alfonso, fundador y líder de la banda, nació en Caracas, sacó un EP con su banda Syncrodynamic luego de ganar un intercolegial Nuevas Bandas (2010) y fue a formarse profesionalmente en Austin, Texas, donde tuvo la oportunidad de grabar su primera producción discográfica “Conversa Casual” con el productor venezolano Claudio Ramírez, mientras trabajaba en Antone’s, el legendario bar de blues de Austin. En el año 2016 decide volver a Sudamérica, a la raíz, y comienza este nuevo proyecto musical acompañado de Pablo Mora y Hector Tosta (Del Pez). Juntos empezaron a trabajar en un nuevo sonido para sus canciones, obteniendo como resultado el re descubrimiento de su propio origen. Esta búsqueda estética y sonora culmina – y a la vez comienza - con el nombre Jauuar.
Jauuar es un homenaje al predador Apex de Latinoamérica. Lo nocturno, acuático, sutil y mortal – sumado a su inminente peligro de extinción – los hizo entrar en contacto con su propia espiritualidad y fuerza. En palabras de Alfonso: “Las cosas que valen la pena no ocurren por casualidad. Creo que ese es el verdadero propósito de la vida: Mantenerte vivo tras de tu clamor.” Grabaron un álbum de 9 canciones en Estudio Nak de Buenos Aires, junto a Fran Nicholson como Ingeniero de Grabación (Silvestre y la Naranja, Isla de Caras, El Zar). Tosta y Francisco Rousset se encargaron de la mezcla, y fue masterizado por Eduardo Bergallo – reconocido productor de la industria argentina que estuvo a cargo de la producción y mezcla de muchos discos esenciales, entre ellos Bocanada de Cerati y el Último Concierto de Soda Stereo. A comienzos de 2018 se conformó la banda en vivo con Pablo Mora en la batería, Héctor Miranda en la guitarra, Enrique Perez Vivas en el bajo, y Margarita Rubens en los coros y la percusión. Actualmente están presentándose cada mes en distintos bares y locales de la capital argentina, con lo cual esperan abrirse paso para participar en otras localidades y festivales.



jueves, 1 de noviembre de 2018

La obra "Juicio a una zorra" suma funciones especiales en noviembre

Para unos, Helena de Esparta. Para otros, Helena de Troya. Para todos, la culpable de desencadenar la guerra más famosa de la historia. Pero... ¿quién escribe la historia? Esta noche, por primera vez, será ella quien escoja las palabras que den forma a los hechos. La hija de Zeus exige justicia y reparación, es una mujer ansiosa por reivindicar su dignidad y su justo lugar en la historia. ¿Cuál es el precio a pagar para la mujer más hermosa del mundo por haberse enamorado por primera y única vez en su vida?
La obra "Juicio a una zorra" escrita por de Miguel del Arco, protagonizada por Paula Ransenberg y dirigida por Corina Fiorillo estrenó en septiembre y desde entonces tuvo una gran recepción del público, por este motivo se sumaron funciones especiales los días viernes 2 de noviembre a las 22.15 h, sábado 10 de noviembre a las 20.30 h y jueves 15 y 22 de noviembre a las 21 h. El unipersonal permite  una reivindicación de la historia de Helena de Troya, una de las mujeres más importantes de la mitología griega. Una mujer condenada a la eternidad, una mujer que suplica a la humanidad que olvide su historia tal como se la conoció…hasta ahora. Las funciones regulares continúan los domingos 19.15 h en Timbre4 (México 3554, CABA).
 "Juicio a una zorra" fue estrenada en el Festival de Teatro Clásico de Mérida con la actuación de la prestigiosa actriz española Carmen Machi y la dirección de Miguel del Arco. Este unipersonal ha ganado, entre otros, el Premio Valle-Inclán de Teatro y el Premio Ercilla por la interpretación de Carmen Machi.

Paula Ransenberg, la actriz protagonista

La actriz, directora, autora y docente de teatro está formada en la escuela de Alejandra Boero, Juan Carlos Gené, Veronica Oddo y en la Escuela Nacional de Arte dramático. Algunos de sus trabajos como actriz en teatro son: Todas las rayuelas, Dinamo, Nerium Park, en las obras Para mí sos hermosa y Solo lo Frágil es además su autora, El viento en un violín, Un viaje de un largo día hacia la noche, entre muchísimas obras más.
Fue galardonada como "Mejor actriz" y "Revelación femenina" 2014 por su actuación en el espectáculo Pará mí sos hermosa y Cabaña Suiza en los premios Trinidad Guevara y María Guerrero.
Como directora y dramaturga realizó los espectáculos La suerte de la fea, Feve, Noche, Jungla y Que parezca fiesta.

Corina Fiorillo, la directora

Directora teatral y docente. Ganadora de Premio ACE de ORO (2016), Premio Trinidad Guevara (2015), Premio Ace (2016), Premio Estrella de Mar (2016), Premio Ace (2011).
En  2018 monto las siguientes obras: La ira de Narciso (Timbre4), El vestidor (Paseo la Plaza), Seis personajes en busca de un autor (Teatro real Córdoba), Nerium park (Teatro Nacional Bogotá-Colombia), Jazmín de invierno (Centro Cultural San Martín); En 2017 estrenó Dignidad (Teatro Maipo), Tebas land (Timbre4), Concierto para un olmo (España), Nerium Park (Timbre4), El avaro (Complejo Teatral San MARTIN - Teatro Regio a estrenar) y Miembro del jurado (Teatro del Pueblo).
Su formación inicial es la música clásica y la física, así es que transitó primeramente por estos dos caminos antes de llegar al teatro.
Ha realizado la coordinación académica de la carrera de Arte Dramático de la Universidad del Salvador, institución de la que también fue docente. Ha sido responsable de la dirección de más de una veintena de espectáculos (tanto en el circuito independiente como en el oficial como en el comercial), así como la coordinación de varios ciclos que dieron origen a nuevas dramaturgias, junto con Patricia Suárez entre los años 2006 y 2009. Sus espectáculos han sido vistos en varios países de Europa y de Latinoamérica y ha participado con ellos y como docente de numerosos Festivales Internacionales.

Domingos 19.15 h
Viernes 2 de noviembre a las 22.15 h
Sábado 10 de noviembre a las 20.30 h
Jueves 15 y 22 de noviembre a las 21 h
Duración: 60 minutos

Timbre4 – México 3554
http://www.timbre4.com